Histórias de Cinema

Bela, alta, de olhos escuros e cabelos ruivos, com voz grave e quente, esta diva da canção de fossa foi uma das maiores estrelas femininas durante o Terceiro Reich e subsequentemente se tornou um ícone contracultural para os gays e drag queens alemães. No começo da Segunda Guerra Mundial, Zarah estava ganhando 150 mil RM por filme, mais do que qualquer outro ator daquela época (Emil Jannings recebia 125 mil RM; Hans Albers, 120 mil RM; Gustaf Gründgens, 80 mil RM).  Mais tarde, chegou a perceber 400 mil RM. Seu rosto aparecia em toda parte, seus discos vendiam-se aos milhares e eram ouvidos constantemente no rádio. Os críticos descreviam sua voz como o canto de uma sereia ou um chamado do céu. No Brasil, as revistas de cinema A Scena Muda e Cinearte estampavam constantemente suas fotos e publicavam matérias extensas a respeito dela. Os anúncios de seus filmes nos jornais apelidavam-na de … a esfinge nórdica. Seus fãs aqui em nosso país eram numerosos. Com a partida de Marlene Dietrich para Hollywood e a recusa de Greta Garbo de trabalhar em filmes alemães, Goebbels encontrou uma substituta ideal para elas na pessoa de Zarah Leander, que havia chamado a atenção do departamento de elenco da UFA por causa de sua voz parecida com a de Marlene e um rosto luminosamente belo reminiscente de Garbo.

Zarah Leander

Sara Stina Hedberg (1907 – 1981), nasceu em Karlsbad, condado de Varmlândia, Suécia, filha do pastor Lorentz Heberg e de Mathilda Wikstroem. Desde cedo atraída pelas artes, estudou piano e violino, apresentando-se como cantora primeiramente na igreja onde seu pai oficiava, acompanhando-se ao órgão. Quando adolescente, morou dois anos em Riga, na Letônia, onde aprendeu o idioma alemão e trabalhou como secretária em uma empresa de publicidade. Seguiram-se aparições em revistas, operetas e comédias nos teatros entre 1929 e 1935.

Sua primeira chance surgiu quando ela substituiu a atriz principal no papel de Hanna Glawari, “A Viúva Alegre” na opereta famosa de Franz Lehar. Isto se passou em Estocolmo e seu parceiro era Gösta Eckman, glória das cenas nórdicas. O que deveria ter durado o espaço de algumas representações, iria, dado o sucesso, continuar, igualmente em Copenhagen, um ano inteiro. Zarah estava definitivamente lançada no meio artístico.

As tournês (constituídas não somente por operetas, mas também por comédias e revistas) se seguiram, notadamente em Viena. Após algumas tentativas (Dantes Mysterier, Falska Millionären, ambos de 1931, Äktenskapsleken, de 1935), na verdade pouco convincentes, nos estúdios de cinema de seu país natal, Zarah havia mesmo jurado não repetir jamais a experiência. Mas, trabalhando em outra opereta, “Axel an der Himmelstür” em Viena, Geza von Bolvary conseguiu persuadí-la a tentar sua chance novamente nas telas. E foi assim que ela fez o papel de uma artista do teatro de revista em Première / Premiere / 1937, musical com aspectos de filme policial, produzido pela Gloria-Films que, apesar de uma qualidade mais do que discutível, obteve grande sucesso.

Recomeça a Vida

La Habanera

Seguiu-se um contrato com a UFA, onde Detlef Sierk (depois conhecido em Hollywood como Douglas Sirk) firmou sua persona típica de mulher sofredora em dois melodramas Recomeça a Vida / Zu Neuen Ufern / 1937 e La Habanera / La Habanera / 1937. Os filmes de Sierk também propiciaram a Zarah muita oportunidade de cantar suas típicas baladas melancólicas. Em Recomeça a Vida ela é uma cantora inglesa, Gloria Vane, que assume a culpa pela fraude cometida por seu amante (Willy Birgel) e é deportada para uma prisão de mulheres em Paramatta na Austrália. Em La Habanera ela é uma jovem sueca, Astrée Sternjhelm, que chega a Porto Rico, fica seduzida pelo ambiente tropical e por uma melodia popular (La Habanera) e se casa com Do Pedro de Avila (Ferdinand Marian), o homem mais influente da ilha, ciumento e autoritário. Dos cinco filmes de Zarah que pude adquirir em dvd, gostei mais destes pela imaginação visual de Sierck e pelas belas canções respectivamente de Ralph Benatzky (“Ich hab’ eine Tiefe Sehnsucht in mir” / Eu tenho uma saudade profunda em mim; “Yes, Sir!”/ Sim, Senhor!; “Ich Steh’ im Regen und warfe auf Dich”/ Eu estou na chuva a esperar por você. ) e Lothat Brühne (“Der Wind hat mir ein Lieden erzählt” / O Vento contou-me uma história; “Du kannst es nichwissen”/ Você não pode sabê-lo; “A-B-C … Kinderlied”./ A-B-C … Cantigas Infantís)       interpretadas pela atriz com aquela “voz feita de trevas e mistério” como diziam pitorescamente os jornalistas da época. Os outros que ví, Minha Terra, Noite de Baile e Der Grosse Liebe, não me agradaram tanto, mas a presença de Zarah é sempre fascinante.

Minha Terra

Depois da partida de Sierk para o exílio por causa de sua orientação política e sua mulher judia, outros diretores deram prosseguimento à fórmula, especialmente Carl Froelich, que dirigiu Zarah em Minha Terra / Heimat / 1938, Noite de Baile / Es War Eine Rauschende Ballnacht / 1939, Coração de Rainha / Das Herz Der Königin / 1940, no qual ela fez o papel da Mary Stuart, Rainha da Escócia.

Noite de Baile

A UFA lançou uma grande campanha publicitária em torno de sua estrela em um estilo que só ela poderia ter conseguido, comercializando Zarah vigorosamente. Cada mínimo detalhe de suas aparições era cuidadosamente planejado. Quando Zarah partia em grandes viagens de publicidade no exterior, não ela, mas o departamento de figurinos da UFA, decidia o que deveria vestir, onde e como. Para ter certeza de que a atriz não cometesse nenhum erro, os costureiros lhe davam longas listas, que prescreviam com grande detalhe a composição de suas roupas e os acessórios apropriados para cada ocasião.

A pessoa mais importante neste trabalho foi o diretor de fotografia Franz Weihmayr, cujo currículo incluía principalmente os documentários de Leni Riefenstahl, O Triunfo da Vontade / Triumph des Willens / 1934 e Olympíadas e Mocidade Olympica/ Olympia, Fest der Volker, Fest der Schönheit / 1936. Weihmayr passava horas iluminando um close-up daquele rosto com ossos fortes e olhos langorosos para que pudesse revelar o mistério e a melancolia que se tornaram a encarnação de sua indescritível tristeza. Nos anos do pré-guerra e ainda mais durante a guerra, os alemães sob o Estado Nazista encontraram nesta tristeza o romantismo que lhes fôra negado na sua vida cotidiana e a força da qual eles desesperadamente necessitavam.

DIe Grosse Liebe

Após a eclosão da Segunda Guerra Mundial, as personagens de Zarah serviram como exemplo propagandístico para as mulheres que ficaram sozinhas na frente doméstica, particularmente em Abnegação / Der Weg Ins Freie / 1941 e Die Grosse Liebe / 1941, um dos filmes de maior sucesso do período nazista. Lançado em 12 de junho de 1942, conta uma história de amor entre um piloto alemão (Viktor Staal) de licença e uma cantora dinamarquesa do teatro de revista, Hanna Holberg (Zarah Leander) e seus problemas contínuos quando a guerra interrompe sua relação. Foi a maior contribuição da UFA para estabilizar o desmoronamento moral da frente doméstica da Alemanha. Apenas duas semanas antes, o primeiro grande ataque aéreo britânico havia reduzido a escombros o distrito central de Colônia em noventa minutos.

Raposa Azul

Nas décadas de trinta e quarenta, Zarah ainda fez: Raposa Azul / Der Blaufuchs / 1939; Canção do Deserto / Das Lied Der Wuste / 1939 e Damals / 1943. Entretanto, depois de ter sido orientada a adotar a nacionalidade germânica e a Ufa não querer mais respeitar a cláusula de seu contrato, segundo a qual ela deveria receber parte de seus honorários em moeda sueca, Zarah rescindiu seu contrato com a empresa alemã em 1943 e decidiu retornar para sua terra natal. A destruição de sua vila em Berlin- Grunewald durante um bombardeio, também contribuiu para a tomada desta decisão. Levando dois tapetes persas – tudo o que lhe restou – ela embarcou no primeiro avião para a Suécia.

Damals

As autoridades de lá proibiram-na de trabalhar, e outras proibições neste sentido foram estendidas na Alemanha e na Austria no final da guerra. Todavia, em 1949, Zarah foi capaz de reiniciar sua carreira de cantora e atriz. Embora seus filmes do pós-guerra nunca igualaram o êxito dos seus anos na Alemanha, o filme que marcou seu primeiro retôrno, Gabriela / 1950, dirigido por Géza von Cziffra, ainda foi a terceira produção cinematográfica de maior bilheteria na Alemanha Ocidental, seguindo-se, nos anos cinquenta: Destino de uma Mulher / Ave-Maria; Cubacabana / 1957 e Meu Filho é Inocente / Der Blaue Nachtfalter / 1959.

Zarah casou-se primeiro como o ator Nils Leander, com quem teve dois filhos, Göran e Böel. A união durou pouco por causa da diferença de idade e, sobretudo, por uma incompatibilidade de temperamento flagrante. Ela então conheceu o jornalista Vidar Forsell, união que se desfez em 1945. Em 1956, desposou seu compatriota, o pianista e chefe de orquestra Arne Hülphers, matrimônio que perdurou até a morte de Hülphers em 1978.

Em 1965, Zarah foi vista em uma comédia musical cujo assunto foi tomado emprestado de Oscar Wilde, no qual ela cantava “Ich Bin Eine Frau mit Vergangenheit” (Eu sou uma mulher que tem um passado). Em 1973 a biografia de Leander foi publicada (Es war so wunderbar – Mein Leben (Ela foi maravilhosa – Minha Vida). Ela fez sua última aparição em Estocolmo em 1978.

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Muitas décadas já se passaram desde que os newsreels (cine-jornais) apareciam nas telas dos cinemas e hoje os espectadores que os conheceram não devem mais se lembrar deles. O público mais jovem nem sequer sabe que eles existiram.

O cine-jornal era um pot-pourri de cenas com duração de cinco a dez minutos cobrindo notícias filmadas, que costumava ser exibido duas vezes por semana nos cinemas americanos. Por mais de meio século, de 1911 a 1967, ele sobreviveu intacto e, durante este tempo, fez parte dos programas de praticamente todas as salas de exibição dos Estados Unidos.

No auge de sua existência, funcionavam cinco grandes cine-jornais americanos: Fox Movietone News (20th Century-Fox Atualidades); Hearst Metrotone News (Metrotom Atualidades), depois reintitulado News of the Day (Notícias do Dia) distribuído a partir de certa data pela Metro; Paramount News (A Voz do Mundo); Pathé News (depois RKO-Pathé News e Warner-Pathé News (Atualidades RKO-Pathé, depois Warner-Pathé), Universal News (Noticiário Universal).

Uma série de fatores levaram ao fim do cine-jornal, principalmente a competição com os noticiários da televisão, que eram mais rápidos e mais completos na sua cobertura. A partir dos anos cinquenta, eles foram desaparecendo: Warner Pathé fechou em 1956; Paramount News em 1957, Fox Movietone News em 1963 e Hearts Metrotone News e Universal News em 1967.

Muitos críticos consideravam o cine-jornal fundamentalmente falho como meio jornalístico por causa da relutância dos produtores em tratar de assuntos polêmicos. Os críticos também achavam que não conseguia apresentar um tratamento completo das atualidades. Por causa de sua breve duração e sua cobertura de tantos assuntos diferentes, o tratamento de qualquer evento era superficial ou inadequado. Claramente, nos meados dos anos trinta havia chegado a hora de um “cine-jornal interpretativo”, que pudesse explorar notícias selecionadas com maior profundidade.

A Marcha do Tempo, lançado em 1935 pela Time Inc., produzido por Louis de Rochemont, distribuído pela 20th Century-Fox, preencheu esta necessidade e revolucionou os conceitos existentes do jornalismo fílmico, causando durante 16 anos um grande impacto sobre o público americano e internacional. Sua criação, tanto no rádio como no cinema, deveu-se a Roy Edward Larsen, originalmente gerente de circulação e depois gerente geral da Time e figura mais influente na empresa depois de seu fundador Henry Luce.

Em 1928, Larsen, em associação como o executivo do rádio Fred Smith, empreendeu a transmissão semanal de uma série de programas de 10 minutos de breves resumos de notícias extraídas dos números correntes da revista Time. Para este programa, Larsen cunhou o termo “Newscasting”, logo convertido em uma nova série chamada “Newsacting”, que apresentava esquetes dramáticos interpretados por atores profissionais com acompanhamento de efeitos sonoros, ilustrando notícias de jornal correntes. A série era oferecida de graça para as estações de rádio em troca de publicidade para a revista Time. Embora mais de cem estações se inscrevessem no programa, Larsen e Smith ficaram insatisfeitos com seu formato modesto e propuseram a Luce que a Time produzisse um programa de meia hora com mais recursos, utilizando “os dez melhores atores do rádio”, um “locutor extraordinário”. “uma orquestra esplêndida” e um “diretor inteligente”. No momento oportuno, eles conseguiram o que desejavam.

Transmissão da A Marcha do Tempo no rádio

O título de uma canção de Harold Arlen, “The March of Time”, que havia sido escrita para uma produção da Broadway, foi escolhida para a série e a própria canção usada como música de abertura. A primeira transmissão ocorreu em 6 de março de 1931 através da CBS e ficou no ar até 1945 como um dos programas de rádio mais populares, ouvido por milhões de americanos. Ao longo dos anos funcionaram três “locutores extraordinários”, Ted Husing, Harry Von Zell e Westbrook Van Voorhis; uma “orquestra esplêndida” conduzida em épocas diferentes por Donald Voorhees e Howard Barlow; “diretores inteligentes” como  Arthur Pryor, Jr. e Don Stouffer; e finalmente alguns “dez melhores atores” foram contratados, entre outros: Agnes Morehead, Nancy Kelly e Jeannette Nolan (que interpretaram Eleanor Roosevelt de tempos em tempos); Art Carney, Bill Adams e Stats Cotsworth (todos os quais interpretaram Franklin Roosevelt); Dwight Weist (Adolf Hitler), Edwin Jerome (Josef Stalin e Hailé Selassié), Ted de Corsia (Mussolini), Peter Donald (Neville Chamberlain), Jack Smart (Huey Long), Maurice Tarplin (Winston Churchill), Gary Merrill, Kenny Delmar, Arlene Francis, Ray Collins, Pedro de Cordoba, Porter Hall, Arnold Moss, Paul Stewart, Juano Hernandez, John McIntire, Everett Sloane  e um Orson Welles muito jovem. A série foi suspensa em 1939, revivida em 1941 e, com um novo formato, durou até 1945, quando saiu do ar.

Orson Welles no programa radiofônico

Tendo em vista o talento de Larsen para a inovação jornalística, era inevitável que ele consideraria converter A Marcha do Tempo em uma série cinematográfica. A pessoa escolhida para produzir a série no cinema foi um veterano cinegrafista chamado Louis de Rochemont, produtor de séries de curta metragem como Tapete Mágico / Magic Carpet e As Aventuras de um Operador Cinematográfico / Adventures of a Newsreel Cameramen na Fox Movietone Corporation. A Marcha do Tempo foi fundada em 1934, separada mas sob o controle e propriedade da Time, Inc. com escritórios na 135 East 42nd Street em Nova York e, em 26 de janeiro de 1935, cerca de 500 cinemas haviam reservado a série antecipadamente para a sua programação.

Louis de Rochemont

Louis de Rochemont (1899 – 1978) nasceu em Chelsea, Massachussetts, filho de um advogado de Boston, Louis L. G. Rochemont e Sarah Wilson Miller. Sua família descendia dos huguenotes francêses que haviam se instalado em New Hampshire, região da Nova Inglaterra, nos anos 1820. Ele foi criado e educado próximo à Winchester, vila localizada em Massachussetts.  Aos 13 anos de idade, já estava trabalhando como cinegrafista de cine-jornais autônomo, fornecendo aos cinemas da região cenas filmadas de cidadãos locais e eventos com uma câmera de 35mm.

Aos 16 anos de idade, chamou atenção com sua cobertura da prisão de Werner Horn, sabotador alemão acusado da demolição de uma ponte em Vanceboro, Maine. Ao saber da apreensão de Horn, Rochemont e outros cinegrafistas de cine-jornais partiram apressadamente para para Portland, local da prisão, onde descobriram que haviam chegado atrasados para filmar o encarceramento. Rochemont permaneceu no local até que seus competidores fossem embora e então persuadiu, tanto o xerife como o sabotador, a “recriar” conjuntamente o aprisionamento exatamente como havia ocorrido antes. Este foi a primeira tentativa de Rochemont de “recriar”a realidade, reencenando eventos reais.

Durante a Primeira Guerra Mundial Rochemont serviu na Marinha e, ao retornar para a vida civil, trabalhou subsequentemente na Hearst International Newsreel, Pathé News e Fox Movietone News, onde produziu a série Tapete Mágico e As Aventuras de um Operador Cinematográfico. Em 1933, ele se aventurou na produção independente de um documentário de 70 minutos intitulado The Cry of the World, que construiu com material filmado da guerra e de cine-jornais do acervo da Fox Movietone. O filme era uma acusação contundente da guerra e da opressão e deu uma idéia dos conflitos militares que ainda estavam por vir. Foi um dos primeiros longas-metragens de compilação (editado a partir de imagens de arquivo) com som ótico. Entretanto, em 1933, o filme – utilizando técnica de montagem que se tornariam populares nos anos 60 e 70 – era temática e estilisticamente adiante de seu tempo e foi um fracasso financeiro.

Porém Rochemont nunca olhava para trás e começou a trabalhar em uma série inteiramente nova, chamada March of the Years, recriando acontecimentos históricos envolvendo pessoas célebres ou infame, que foi inspirada pela versão radiofônica de A Marcha do Tempo.  O objetivo de Rochemont era “reencenar” o passado de um modo ao mesmo tempo convincente e divertido, usando atores e atrizes profissionais nos papéis de personagens históricos conhecidos. A série foi anunciada como “O primeiro curta-metragem diferente desde Mickey Mouse” e foi exitosamente distribuída pela Columbia Pictures. A maioria dos atores da nova série vinham do teatro, muitos dos quais aparecia em filmes pela primeira vez, entre eles Charles Coburn, que interpretava o político do final do século XIX, William M. Tweed, conhecido como o “Czar de Nova York”.

Estes foram os antecedentes do homem que, aos 35 anos de idade, foi contratado para lançar o novo projeto ambicioso de Roy Larsen, a Marcha do Tempo, nos cinemas. Em 1 de fevereiro de 1935, o primeiro exemplar da série foi lançado no Capitol Theatre em Nova York e quase simultaneamente em 71 cinemas de primeiro lançamento através do país. Com duração de 22 minutos, cobrindo uma ampla variedade de assuntos, em um estilo que os produtores chamavam de “jornalismo pictórico”.

Entre os principais colaboradores de Louis de Rochemont estavam seu irmão Richard, que por muitos anos comandou uma operação agressiva muito eficiente para a Marcha do Tempo na Europa; John Grierson, Harry Watt, Len Lye, que estavam criando o movimento documentarista britânico;  Gunther von Fritsch (conhecido depois por sua participação na série de horror de Val Lewton) e Franklin Schaffner (diretor de O Planeta dos Macacos / Planet of the Apes e outros bons filmes dos anos 60-70); Jack Glenn, realizador dotado de muita energia e tenacidade, responsável por mais de 121 dos 290 episódios de A Marcha do Tempo.

Rochemont contou ainda com três diretores musicais (John Rochetti, Louis De Francesco, Jack Shaindlin); o chefe de montagem Lothar Wolff (que trabalhou com grandes diretores como G. W. Pabst, Fritz Lang, Rex Ingram e Abel Gance); vários roteiristas destacando-se Jimmy Shute e John Martin; Tom Orchard, braço direito de Louis que exerceu várias atividades durante os anos 30; os cameramen Jimmy Hodgson, Victor Jurgens, Peter Hopkinson, Frank Follette, Eric Salomon, Julian Bryan e técnicos de montagem e corte como Jack Bradford e Morris Roizman, para citar apenas os mais importantes. Porém o mais popular de seus colaboradores foi sem dúvida (Cornelius) Westbrook Van Voorhis, cuja voz poderosa e autoritária narrou A Marcha do Tempo durante toda a sua história, empolgando os quando dizia o bordão “Time … Marches On!”. Em 1936 a Academia ofereceu um Oscar Especial para A Marcha do Tempo “por sua importância para o Cinema e por ter revolucionado um significativo ramo da indústria – o jornal cinematográfico”. O episódio da série, A Chance to Live / 1949, estudo sobre os órfãos empobrecidos e brutalizados na Itália do pós-guerra, concorreu ao Oscar com o filme de animação So Much for So Little da Warner Bros. na categoria de Melhor Documentário Curto, ocorrendo um empate entre as duas realizações.

Primeiramente, cada cine-jornal de A Marcha do Tempo tinha vários segmentos, mas desde 1938 passou a abordar apenas um tópico, como foi o caso de Inside Nazi Germany, feito para condenar a militarização, opressão e ideologia do regime Nazista. Em 1940, Rochemont produziu e dirigiu o primeiro longa-metragem de A Marcha do Tempo, The Ramparts We Watch, dramatização do impacto de Segunda Guerra Mundial em uma pequena cidade americana. Em 1942, produziu We Are the Marines e seu irmão Richard cuidou de The Story of the Vatican / 1941 e The Golden Twenties / 1950.

Em 1943, Louis se juntou à 20th Century-Fox, para a qual produziu, no ano seguinte, o documentário Belonave / The Fighting Lady, premiado com o Oscar. Após a Segunda Guerra Mundial, ainda como produtor da Fox, ele foi pioneiro na filmagem de longas-metragens de ficção em estilo semi-documentário, destacando-se os excelentes dramas de espionagem A Casa da Rua 92 / House on 92nd Street / 1945 e 13, Rua Madeleine / 13, Rue Madeleine / 1946, ambos dirigidos por Henry, e o drama criminal O Justiceiro / Boomerang /.1947, dirigido por Elia Kazan).

Posteriormente, Rochemont tornou-se produtor independente, formando a Louis de Rochemont Associates com ex-colegas de A Marcha do Tempo. Seus filmes subsequentes: Fronteiras Perdidas / Lost Boundaries. 1951 – O Direito de Viver / The Whistle at Eaton Falls. 1952 – Caminhe para o Leste / Walk East on Beacon! 1953 – Martim Lutero / Martin Luther. 1955 – Cinerama Holiday. 1958 – Windjammer. 1960 – Contra Espionagem / Man on a String. 1961 – Em Roma na Primavera / The Roman Spring of Mrs. Stone..

Rochemont atuou ainda como produtor de fachada para A Revolução dos Bichos / Animal Farm / 1954, filme de animação de propaganda anticomunista, financiado pela Central Intelligence Agency (CIA). Esta agência forneceu a quantia necessária para Rochemont adquirir os direitos de filmagem da sátira política de George Orwel e ele contratou o casal de animadores britânicos John Halas e Joy Batchelor para dirigir o filme, que foi  apresentado no Brasil em  dezembro de 1962  durante   o   festival “Panorama do Cinema de Halas e Batchelor”, organizado pela Cinemateca do MAM em colaboração com o British Council,  com a presença dos cineastas..

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Um fato curioso pouco conhecido dos fãs de cinema: em 1941, a Columbia Pictures firmou um contrato com a companhia Lumiton, de Buenos Aires, para distribuição no Brasil do filme Embrujo, cujo argumento versava sobre os amores de D. Pedro I com Domitila de Castro Canto e Melo e que foi exibido entre nós como o título de A Marquesa de Santos.

O filme foi dirigido por Enrique Telémaco Susini, autor do roteiro de parceria com o poeta, professor, ensaista e conferencista Pedro Miguel Obligado. Susini (1891-1972) foi um empresário argentino e pioneiro da mídia. Em 1920, liderou o esforço para a primeira transmissão radiofônica na Argentina e subsequentemente fundou uma das primeiras estações de rádio regulares do mundo. Durante os anos vinte e trinta ele se tornou um empresário de sucesso na indústria nascente do rádio e do cinema. Além de seus interesses comerciais, Susini era um artista talentoso. Trabalhou como diretor de teatro na Argentina e Itália e dirigiu 5 filmes, um italiano (Noites do Danúbio / Finisce Sempre Cosi / 1939) e 4 argentinos (Los Tres Berretines, / 1933; Ayer y Hoy / 1934; La Chismosa / 1938; A Marquesa de Santos / Embrujo / 1941, produzidos pela Lumiton, que ele fundou em 1932 no início da Idade de Ouro do Cinema Argentino com outros sócios e na qual trabalhou o famoso diretor de fotografia John Alton.

 Alice Barrié e Georges / Jorge Rigaud em uma cena de A Marquesa de Santos

Entre os intérpretes de A Marquesa de Santos destacavam-se Alice Barrié (Domitila), Ernesto Vilches (José Bonifácio), Pepita Serrador (Imperatriz Leopoldina), Carlos Tajes (Chalaça) e Georges Rigaud, no papel de D. Pedro.

Pedro Jorge Rigato Delissetche, mais conhecido pelos seus nomes artísticos George Rigaud ou Jorge Rigaud nasceu em Buenos Aires e, entre 1932 e 1981, construiu uma carreira internacional extensa, compreendendo o cinema francês, americano, italiano, britânico, alemão, espanhol e argentino. Ele morreu em um acidente em Leganés (município localizado na província de Madrid), atropelado por uma motocicleta.

Colhí na revista A Scena Muda estas informações sobre a filmagem de Embrujo, que reproduzo tal como está escrito: “O Sr. Susini, não somente levou fotos destinadas a autenticar ambientes do filme, como contratou quatro pessoas do Rio como integrantes do ‘cast’.  Uma dessas era a artista do teatro popular, Celeste Aida, que iria fazer o papel de macumbeira numa cena de bruxaria (embrujo, feitiço), tendo-se submetido a provas e sido contratada. Infelizmente certas demoras vieram perturbar a viagem de Celeste não podendo ela tomar parte no filme. Dos outros brasileiros, peritos em capoeiragem, somente dois. Puderam ir a Buenos Aires para filmar as cenas de lutas entre capoeiras e outros arruaceiros. Eram três os contratados pelo Sr. Susini, mas apenas dois chegaram a Buenos Aires, após inúmeros contratempos … O filme para o Brasil é falado em português, cuja dublagem foi realizada em Buenos Aires. A cinematografia argentina presta, desta maneira, fidalga homenagem ao Brasil, trazendo para a tela uma página de nossa história política, celebrizada pela galantaria de Pedro I e as angústias da Imperatriz, mártir dos amores levianos do seu augusto e estouvado esposo”.

Carlos Tajes ,Alicia e Rigaud em A Marquesa de Santos

A Marquesa de Santos foi lançado no Rio de Janeiro no Cinema Plaza em conjunto com as salas Astoria, Olinda, Ritz e Parisiense, pertencentes ao Circuito Vital Ramos de Castro. Em São Paulo, a produção argentina foi apresentada no Cinema Rosário, situado na parte inferior do Edifício Martinelli no Anhangabaú, em avant-première de caridade.

Interessante, personagens da nossa história serem retratados por artistas portenhos numa produção caríssima para a época, filmada com muito luxo e esplendor, tanto no vestuário quanto na cenografia, tendo ainda canções e quadros coreográficos afro-cubanos como atrativo. Porém, infelizmente, segundo o crítico Domingo de Nubila, o romance entre o nosso monarca e Domitila de Castro Canto e Melo foi narrado numa linguagem pouco cinematográfica, sem o menor poder de sugestão.

Convém acrescentar que Rigaud não tinha a menor semelhança física como o nosso galante imperador, mas isso costuma acontecer com frequência no mundo imprevisível do cinema.

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MADELEINE RENAUD (1900-1994). Nome verdadeiro: Lucie Madeleine Renaud. Local de nascimento: Paris, França.

Madeleine Renaud

Ainda mocinha leu uma fábula por ocasião de uma festa de caridade. Por acaso, o ator Maurice de Féraudy estava lá e aconselhou sua mãe a encaminhar Madeleine para o teatro. Mamãe aceitou o conselho com a condição de que a filha cursasse o Conservatório e entrasse para a Comédie Française. A jovem saiu do Conservatório com seu primeiro prêmio (no papel de Agnès de “L’École des Femmes” de Molière – empatada com Marie Bell) e entrou para a prestigiosa companhia teatral fundada por Richelieu.

Em 1922, aos dezoito anos de idade, casou-se com o ator Charles Granval, perto de vinte anos mais velho do que ela. “Sem Granval, ela seria uma boa comediante. Sob sua influência, ela se tornou artista” (diria Jean-Louis Barrault). Membro permanente da Comédie desde 1928, Madeleine interpretou as jovens das peças de Molière (Henriette, Angélique, Marianne) e depois as coquetes de Marivaux e de Beaumarchais.

Madeleine iniciou sua carreira na cena muda em Vent Debout / 1923 de René Leprince, seguindo-se algum tempo depois La Terre qui Meurt / 1927 de Jean Choux. No início do cinema falado, distinguiu-se em Jean de La Lune, também de Jean Choux, como Marceline, ao lado de René Levèfre (Jean de la Lune) e Michel Simon (Clo Clo), e logo em seguida fez três filmes dirigidos pelo americano Harry Lachman (Mistigri / 1931; A Costureirinha da Província / La Couturière de Luneville /1932 e La Belle Marinière / 1932) inusitados, porque embora rodados na Paramount de Joinville, não eram versões de filmes hollywoodianos.

Madeleine ganhou mais notoriedade na tela em La Maternelle / La Maternelle / 1933 de Jean Benoît-Levy e Marie Epstein, no qual era Rose, jovem de origem burguêsa que trabalha em uma escola pobre e adota uma menina  abandonada. Rose é pedida em casamento por um médico e a criança, não podendo suportar o que ela ressente como uma traição, tenta se suicidar.

Ainda nesse período, Túnel Submarino / Le Tunnel / 1933 (versão francêsa) de Kurt Bernhardt e Primerose / 1934 de René Guissart  deram-lhe uma visibilidade ainda maior, reforçada graças a sua intervenção em um dos grandes filmes de Julien Duvivier, Maria Chapdelaine / 1934. No Canadá, Maria Chapdelaine é cortejada por três homens: um caçador  (François / Jean Gabin), um lenhador (Eutrope / Alexandre Rignault) e um citadino que vem regularmente comerciar na região (Lorenzo / Jean-Pierre Aumont). Ela prefere François, mas este morre de frio, ao enfrentar imprudentemente uma tempestade. A expressão no rosto de Madeleine Renaud, quando Maria avista o corpo inerte do seu amado, enrolado no cobertor, ninguém jamais esquece.

Após participar de mais alguns filmes, a atriz antigiu o auge de sua capacidade interpretativa em quatro filmes notáveis realizados  por Jean Grémillon: O Homem que Viveu Duas Vidas / L’Étrange Monsieur Victor / 1938; Águas Tempestuosas / Remorques / 1941; Lumière d’Été / 1943 e O Céu lhe Pertence (TV) / Le Ciel est à Vous / 1944. No primeiro, ela é a encantadora Madeleine, esposa do gordo e próspero Victor Agardanne (Raimu), que vive uma vida dupla de um comerciante honesto e respeitado durante o dia, que à noite se torna chefe de uma quadrilha de ladrões; no segundo, ela é Yvonne, que sofre de uma doença cardíaca enquanto seu marido, o capitão de um rebocador (Jean Gabin) se deixa seduzir por outra mulher (Michèle Morgan); no terceiro, ela é Cri-Cri, proprietária de um hotel nos Alpes e antiga amante de um aristocrata perverso (Paul Bernard),  implicado em um assassinato; no quarto, ela é Thérèse, cônjuge de Pierre Gauthier (Charles Vanel), proprietários de uma pequena garagem, que se apaixonam pela aviação, e Thérèse acaba batendo o recorde feminino  de distância em linha reta.

Nos anos cinquenta e sessenta, Madeleine fez mais alguns filmes (sendo os mais importantes O Prazer / Le Plaisir / 1952 de Max Ophuls, como Julia Tellier no segmento “La Maison Tellier” e Assim Deus Mandou / Les Dialogues des Carmélites / 1960, como a primeira Madre Superiora), e vários telefilmes, tendo sido o derradeiro deles, Oh! Les Beaux Jours, baseado na peça de Samuel Beckett, no qual ela atuou ao lado de seu segundo marido, Jean-Louis Barrault. Seu último filme foi La Lumière du Lac / 1988 de Francesca Comencini.

Madeleine Renaud e Jean-Louis Barrault estiveram duas vêzes no Brasil, estreando com sua companhia teatral no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, em 17 de maio de 1950 com as peças “La Seconde Surprise de L ‘Amour” de Marivaux e “Les Fourberies” de Scapin de Molière em 7 de maio de 1954 com as peças “Oedipe” de André Gide e “Amphitryon” de Molière. No repertório que trouxeram, constava também, entre outras, “Hamlet” de William Shakespeare, em uma tradução de André Gide.

VIVIANE ROMANCE (1912-1991). Nome verdadeiro: Pauline Ronacher Ortmans. Local de nascimento: Roubaix, Nord , França.

Viviane Romance

Estréia no mundo do espetáculo aos treze anos de idade como dançarina  no Teatro Sarah Bernhardt. Aos quatorze anos, junta-se à trupe do Moulin Rouge, onde chamou atenção quando esbofeteou a grande Mistinguett, que havia cometido a infelicidade de lhe falar de uma maneira um pouco rude. Ela parte então para dançar o can-can no Bal Tabarin e, aos dezesseis anos, passa para a opereta e o teatro de boulevard. Eleita Miss Paris aos dezoito anos, Viviane provoca um novo escândalo, quando se descobre que ela está grávida. Destituída de seu título, ganha em compensação uma certa notoriedade.

Viviane apareceu no cinema em 1929, trabalhando como figurante e depois fazendo

pequenos papéis (v. g. em Liliom / Liliom / 1934 de Fritz Lang; A Bandeira / La Bandera / 1935 de Julien Duvivier; Princesa Tam Tam / Princesse Tam Tam /  1935 de Edmond T. Gréville), até conquistar um lugar mais importante no elenco de Camaradas / La Belle Équipe / 1934. Neste filme exemplar de Julien Duvivier, Viviane é Gina, a jovem que provoca uma rivalidade amorosa entre Charles (Charles Vanel), seu ex-marido, e Jean (Jean Gabin), dois operários desempregados que ganharam o prêmio da loteria juntamente com outros três colegas, e resolveram se associar, para construir um restaurante.

A partir daí, Viviane encontrou mais oportunidades de demonstrar seu talento como Molly em O Puritano / Le Puritain / 1937 de Jeff Musso; Lolita em O Ídolo das Mulheres / Naples au Baiser de Feu / 1937 de Augusto Genina; como Hilda em  Traidora / L ‘Homme à Abattre / 1937 de Léon Mathot; como Adrienne Robineau em O Homem que Vivia Duas Vidas / L’Étrange Monsieur Victor / 1937 de Jean Grémillon; Gaby em Mademoiselle Docteur / Salonique, nid d’espions / 1937 de G.W. Pabst; Blanche du Placet em O Jogador / Le Joueur  de Louis Daquin (versão francêsa de Der Spieler de Gerard Lamprecht); Safia em Pecadoras de Tunis / La Maison du Maltais / 1938 de Pierre Chenal; Régine em Prisão de Mulheres / Prison des Femmes / 1938 de Roger Richebé; Mercedes em Gibraltar / Gibraltar / 1938 de Fedor Ozep; Angélica em Angélica / La Rose du Sang / 1939 de Jean Choux; Mireille em A Escrava Branca / L’Esclave Blanche / 1939 de Marc Sorkin;  Clara Véry em À Uma da Madrugada / La Tradition de Minuit / 1939 de Roger Richebé.

Sua presença no melodrama romântico e exótico Pecadoras de Tunis é inesquecível. Como Safia, uma prostituta européia que espera um filho de Matteo (Marcel Dalio),  um vagabundo, poeta e contador de histórias e depois, pensando que ele está morto, casa-se com um arqueólogo rico (Pierre Renoir), vindo a ser chantageada por um escroque (Louis Jouvet), Viviane celebra  toda a  sua beleza e o seu poder de sedução.

Nos anos quarenta, ela prosseguiu sua carreira, participando de quatro filmes, tendo como parceiro seu então marido, Georges Flamant (Vénus Aveugle / 1941, um dramalhão de Abel Gance; Cartacalla, reine des gitans / 1942 de Léon Mathot; Feu Sacré / 1942 de Maurice Cloche; Une Femme dans la Nuit / 1943 de Edmond T. Gréville), seguindo-se algumas realizações mais apreciáveis: Os Amores de Carmen / Carmen / 1945 de Christian-Jacque; Manon, a 326 / La Route du Bagne de Léon Mathot; A Tentadora / La Boîte aux Rêves / 1945 de Yves Allégret;  O Colar da Rainha / L’Affaire du Collier de la Reine / 1946, no qual ela interpreta o papel de Jeanne de la Motte, personagem central de um caso histórico célebre; Pânico / Panique / 1946 de Julien Duvivier; e Maya, a Desejável / Maya de Raymond Bernard.

O melhor foi Pânico, baseado em um romance de Georges Simenon, cujo protagonista é um fotógrafo amador e misantropo, Monsieur Hire (Michel Simon),  tido como suspeito de um crime. Viviane é Alice, amante do verdadeiro asssassino (Paul Bernard), que faz caírem as supeitas sobre Hire, secretamente apaixonado por ela.

Nas décadas subsequentes, Viviane fez mais dezesseis flmes, alguns na Itália; atuou como co-roteirista e / ou produtora em alguns deles; e encerrou suas atividades na tela em Nada / 1974 de Claude Chabrol.  Seus dois melhores filmes nesse período foram As Pecadoras de Paris / L’Affaire des Poisons / 1955 de Henri Decoin, no qual interpretou a envenenadora La Voisin e Gangsters de Casaca / Mélodie en Sous-Sol / 1962 de Henri Verneuil, no qual interpretou a esposa de um gângster sexagenário (Jean Gabin), recém saído da prisão, que planeja assaltar o Cassino de Cannes.

SIMONE SIGNORET (1921-1985). Nome verdadeiro: Simone Henriette Charlotte Kaminker. Local de nascimento: Wiesdaden, Alemanha.

Simone Signoret

Seu pai, André Kaminker, era um oficial do exército, judeu de descendência polonesa nascido na França e sua mãe, Georgette (Signoret) Kaminker, francesa católica originária da Provença. Simone nasceu na Alemanha renana então ocupada pelos francêses após a Primeira Guerra Mundial mas cresceu em Paris onde, depois de concluir seus estudos secundários, a fim de ajudar no sustento de sua familia, trabalhou como secretária para um jornal colaboracionista francês, dirigido por Jean Luchaire. Durante a Ocupação, ela frequentava o Café de Fiore em Saint-Germain-des-Prés, onde se reunia um grupo de artistas e escritores. A essa altura, Simone desenvolveu um interesse pela arte de interpretar e foi encorajada por seus amigos, a seguir a profissão de atriz.

Em 1942, graças à filha de seu patrão, a atriz Corinne Luchaire, ela começou a aparecer como figurante (v. g. Os Visitantes da Noite / Les Visiteurs du Soir / 1942 de Marcel Carné) ou em pequenos papéis (v. g. Lily, uma  taberneira em Les Démons de l’Aube /1945 de Yves Allégret), adotando o sobrenome de solteira de sua mãe, para esconder suas raízes judaicas. De modo que sua carreira cinematográfica iniciou-se verdadeiramente em 1946 com Hotel Clandestino / Macadam / 1946 de Marcel Blistène (supervisionado por Jacques Feyder), que lhe proporcionou o prêmio Suzanne-Bianchetti de atriz revelação.

Seguiram-se duas participações importantes em Fantômas / Fantômas / 1947 de Jean Sacha (como Hélène ao lado de Marcel Herrand / Fantômas) e no filme inglês de  espionagem  Heróis Anônimos / Against the Wind / 1947 de Charles Crichton; porém foi Yves Allégret (com quem vivia desde 1943 e se casou em 1948 depois do nascimento de uma filha, Cathérine Allégret), que ofereceu a Simone seus primeiros grandes papéis em Escravas do Amor / Dédée d’Anvers / 1947 e A Cínica / Manèges / 1950.

No primeiro, ela é Dédée, prostituta em um bar de propriedade de um ex-gângster simpático, M. René (Bernard Blier) e “protegida” de um rufião, Marco (Marcel Dalio). Ela se apaixona por Francesco (Marcel Pagliero), capitão de um cargueiro especializado em contrabando de armas. Marco não quer perder o seu ganha-pão e mata Francisco. Dédée e René executam Marco, ela retoma seu lugar ao lado do patrão, e a vida continua. No segundo, ela é Dora, que sofreu um acidente de automóvel e está gravemente ferida e inconsciente em uma clínica. À sua cabeceira encontram-se seu marido, Robert (Bernard Blier), e sua mãe, uma mulher, gorda e vulgar (Jane Marken). Robert, dono de uma escola de equitação, sacrificou tudo pela felicidade de Dora. A mãe revela a Robert que a filha não se casou com ele por amor, mas pelo seu dinheiro. Enquanto ela fala, Robert revê certos momentos de sua vida com Dora. Ela enganou-o várias vezes, e quando foi se encontrar com seu último amante, é que se acidentou. Robertse afasta, abandonando definitivamente Dora, que ficará paralítica.

Em 1949, Simone deixa Allégret por um jovem cantor descoberto por Edith Piaf, Yves Montand; eles se casam em dezembro de 1951. Na década de cinquenta, a  bela sensual e talentosa Simone tornou-se uma estrela, incorporando em sua filmografia trabalhos de alto teor artístico como Conflitos de Amor / La Ronde / 1950 de Max Ophuls (como Léocadie, a prostituta); Amores de Apache / Casque d’Or / 1951 de Jacques Becker; O Último Endereço / Sans Laisser d ‘Addresse / 1951 de Jean-Paul le Chanois; Teresa Raquin / Thérèse Raquin / 1953 de Marcel Carné; As Diabólicas / Les Diaboliques / 1954 de Henri-Georges Clouzot; A Morte no Jardim / La Mort en ce Jardin / 1956 de Luis Buñuel; As Virgens de Salem / Les Sorcières de Salem / 1957 de Raymond Rouleau; Almas em Leilão / Room at the Top / 1959 de Jack Clayton.

O desempenho de Simone em todos esses filmes foi admirável, mas creio que sua atuação mais marcante foi em Teresa Raquin. Casada com seu primo Camille Raquin (Jacques Duby), de saúde frágil, Thérèse não é feliz, e se torna amante de Laurent, um caminhoneiro italiano (Raf Vallone). No curso de uma viagem de trem, após uma violenta discussão, Camille é morto por Laurent. O inquérito policial conclui que a morte de Camille foi um acidente, mas o destino intervém na pesoa de Riton (Roland Lesaffre), um marinheiro que testemunhara o crime, e começa a chantagear o casal de amantes. Simone consegue passar da frustação resignada ao êxtase do amor, depois à tristeza, ao ódio e ao medo. Uma criação excepcional da renomada atriz.

Em 1959, ela parte para os Estados Unidos com Yves Montand, que fôra convidado para atuar ao lado de Marilyn Monroe em Adorável Pecadora / Let’s Make Love / 1960 de George Cukor. Depois de ter ganho o Oscar de Melhor Atriz por sua interpretação em Almas em Leilão, retornou à França enquanto uma relação – conhecida por todos – se estabeleceu entre Montand e Marilyn durante alguns meses; entretanto, o ator francês reuniu-se com sua esposa após a promoção do filme. Na sua autobiografia, “La Nostalgie n’est plus ce qu’elle était”, Simone referiu-se ao episódio Marilyn com muita elegância e inteligência.

Ela voltou a Hollywood para fazer A Nau dos Insensatos / Ship of Fools  / 1965  com Stanley Kramer e A Gaivota /  The Sea Gull / 1968  com Sidney Lumet e, no decorrer das décadas de sessenta e setenta, continuou trabalhando muito (sobressaindo O Dia e a Hora / Le Jour et l’Heure / 1962 de René Clement; Chamada para um Morto / The Deadly Affair / 1966, de novo sob as ordens de Lumet; O Exército das Sombras / L’Armée des Ombres / 1969 de Jean-Pierre Melville; A Confissão / L ‘Aveu / 1970 de Costa-Gravas) e iluminou três filmes de Pierre Granier-Deferre com suas confrontações com Jean Gabin ( O Gato / Le Chat / 1971); Alain Delon ( A Viúva / La Veuve Couderc / 1971) e Philipe Noiret (L’Étoile du Nord / 1982).

No palco, suas intervenções como Regina Giddens na versão teatral francêsa de “The Little Foxes” de Lillian Hellman e como Lady Macbeth, contracenando com Alec Guiness, no Royal Court Theatre em Londres, não foram bem recebidas por alguns críticos.

Seu último papel no cinema foi em Guy de Maupassant / 1982 de Michel Drach, como a progenitora do célebre escritor, encarnado por Claude Brasseur.

SIMONE SIMON (1910-2005). Nome verdadeiro: Simone Thérèse Fernande Simon. Local de nascimento: Béthune, Marseille, França.

Simone Simon

Filha de Henri Louis Firmin Champmoynat, engenheiro francês judeu que durante a Segunda Guerra Mundial serviu como piloto, foi capturado, e faleceu em um campo de concentração e de Emma Maria Domenica Giorcelli, dona-de-casa italiana, Simone passou a infância na Provença e em Madagascar. A princípio pensou em ser desenhista de moda porém, aos vinte anos de idade, chamou a atenção do diretor Viktor Tourjansky em um restaurante, e este providenciou sua estréia na tela em Le Chanteur Inconnu / 1931.

Seguiram-se pequenos papeís em alguns filmes, entre os quais se destacam um de Marc Allégret (La Petite Chocolatière / 1932), dois de Carmine Gallone (Un Fils d’Amérique / 1932 e Le Roi des Palaces / 1932), e um de Maurice Tourneur (Le Voleur / 1933) até o reencontro de Simone com Allégret em Lac aux Dames / 1934, quando iniciou para valer sua carreira cinematográfica. No papel de uma mocinha um pouco feérica justamente batizada de Puck, Simone Simon, com aquele rosto de gata e uma doce sensualidade ofuscou a atriz principal, Rosine Dérean. As cenas de amor foram abordadas pudicamente, mas a cena da granja (com Jean-Pierre Aumont) fez vibrar mais de um coração palpitante.

Depois de atuar em mais um filme de Tourjansky, Olhos Negros / Les Yeux Noirs / 1935 e de Allégret, Les Beaux Jours / 1935, Simone foi para Hollywood contratada pela Fox onde trabalhou em cinco filmes: como Marie Claudel, aluna de uma escola particular para moças da sociedade em Dormitório de Moças / Girl’s Dormitory / 1936 de Irving Cummings; como Marie Armand um pequeno papel em Mulheres Enamoradas / Ladies in Love / 1936 de Edward H. Griffith, estrelado por Janet Gaynor, Loretta Young e Constance Bennett; como Diane em Sétimo Céu / Seventh Heaven / 1937 de Henry King, refilmagem do clássico de 1927 dirigido por Frank Borzage, tendo a seu lado James Stewart no papel  de Chico, que antes fôra de Charles Farrell; como Yvette Guerin, cantora envolvida em uma rivalidade entre um chefe de orquestra e um colunista  em Não Me Queiras Tanto / Love and Hisses / 1937 de Sidney Lanfield; e como Reneé Le Blanc, cantora de boate confundida com uma “cavadora de ouro” chamada Josette, na deliciosa comédia Josette / Josette / 1938 de Allan Dwan.

Simone retornou à França para ser em uma das obras-primas de Jean Renoir, A Besta Humana / La Bête Humaine / 1938, Séverine, jovem mulher adúltera que instiga Lantier (Jean Gabin), um maquinista apaixonado por ela, a eliminar seu marido. Porém, Lantier, sem poder controlar seus impulsos mórbidos, apunhala Séverine e depois, desesperado, ele se joga de uma locomotiva em movimento.

Retornando à “Terra do Cinema” durante a guerra, contratada pela RKO, Simone ficou devendo a William Dieterle, um de seus melhores filmes americanos, O Homem que Vendeu a Alma / All That Money Can Buy / 1941, adaptação cinematográfica do romance de Stephen Vincent Benet, “The Devil and Daniel Webster”, na qual ela era Belle, a enviada de Mr. Scratch (Walter Huston), na realidade o Diabo, para tentar um fazendeiro pobre (James Craig) que fizera um pacto com Lucifer, para obter sete anos de prosperidade.

Logo em seguida, o produtor Val Lewton escolheu Simone para ser Irena Dubrovna, uma garota da Sérvia, desenhista de moda que vive na cidade de Nova York, obcecada pela idéia de que é descendente de uma antiga raça de mulheres felinas, as quais, quando excitadas, transformam-se em panteras. Ela foi uma escolha perfeita para esse papel neste filme de horror superlativo de Lewton-Turner e depois apareceu brevemente como o fantasma de Irina na continuação, A Maldição do Sangue de Pantera / The Curse of the Cat People / 1944 de Robert Wise.

Um terceiro filme de valor feito por Simone na RKO, produzido por Lewton, foi Mademoiselle Fifi / 1944 de Robert Wise como Elizabeth Rousset, uma lavadeira francêsa que, durante a Guerra Franco-Prussiana de 1870, embarca em uma carruagem, e quando esta para em uma estalagem no meio do caminho, um oficial prussiano, apelidado de Mademoiselle Fifi, convida-a para jantar, e ela recusa. Na manhã seguinte, os demais passageiros são informados de que ficarão detidos até que Elizabeth mude de idéia. A princípio, seus companheiros de viagem a apoiam; mas depois, eles a pressionam para que sacrifique seus princípios para o bem do grupo.

No final dos anos quarenta, Simone fez Pétrus / 1946 de Marc Allérgret com Fernandel; O Porto da Tentação / Temptation Harbor / 1947 de Lance Comfort, na Inglaterra, com Robert Newton e, entre mais uns outros de pouca importância, integrou o elenco estelar de Conflitos de Amor / La Ronde / 1950 (como Marie, a criada) e O Prazer / Le Plaisir / 1952 (como Josephine no segmento “Le Modèle”), ambos dirigidos por Max Ophuls e se confrontou com Edwige Feuilère em Olivia / Olivia / 1951 de Jacqueline Audry. Seu derradeiro filme foi La Femme en Bleu / 1957 de Michel Dréville.

Simone nunca se casou. Segundo consta, ela teve um relacionamento amoroso com George Gershwin e parece que o compositor escreveu “Love Walked In” com Simone no seu pensamento.

Entretanto, seu “love affair” mais notório foi com o agente duplo e espião, o iugoslavo Dusko Popov. Durante a produção de Sangue de Pantera, Simone estava sob vigilância do FBI por causa de sua associação com Popov.

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ESTRELAS DO CINEMA FRANCÊS  ANOS 30-60 – III

GINETTE LECLERC (1912-1992). Nome verdadeiro: Geneviève Lucie Menut. Local de nascimento: Paris, França.

GInette Leclerc

Nasceu em Montmartre, onde seus pais, Louis Menut e Suzanne Fauth, tinham uma joalheria. Em 1930,casou-se aos dezoito anos de idade, com um dançarino dezesseis anos mais velho, Lucien Leclerc, de quem se divorciou em 1939.

A partir de 1932, começou no cinema como figurante até que Claude Autant-Lara lhe confiou um papel pequeno em Ciboulette / 1933, seguindo-se outras intervenções de pouca importância (v.g. uma concorrente a Miss em Toto / 1933 de Jacques Tourneur; uma criada em L ‘Hôtel du Libre Échange / 1934 de Marc Allégret) ou de maior destaque  (v. g. Romilda Pescatore em O Homem que Voltou do Outro Mundo / L’Homme de Nulle Part / 1936 de Pierre Chenal; Renée em Mulheres sem Homens / Prison sans Barreaux / 1938 de Léonide Moguy) antes dela se tornar célebre como Aurélie em A Mulher do Padeiro / La Femme du Boulanger / 1938 de Marcel Pagnol.

Nesta crônica camponesa tão rica de verdade humana quanto os outros filmes provençais do diretor, Aurélie, esposa de Aimable Castanet (Raimu), o novo padeiro da aldeia de Sainte-Cécile, foge com um pastor de ovelhas e o pobre marido, desesperado, não tem mais ânimo para o trabalho. Ele se embriaga, abandona o forno e quer se enforcar. Os aldeões então se organizam para trazer a infiel Aurélie de volta. É um estudo preciso das reações que a infelicidade provoca em um homem simples de coração e Ginette não se intimidou ao contracenar com Jules Muraire, o incomparável Raimu.

Entretanto, seus dois melhores papéis foram Denise, a mulher coxa apaixonada pelo médico (Pierre Fresnay) em Sombras do Pavor / Le Corbeau / 1943, uma das obras-primas de Henri-Georges Clouzot e Marthe, em Val d’Enfer / 1943, drama realista de Maurice Tourneur, no qual se entrecruzavam as relações de um homem rude (Gabriel Gabrio) com sua família e a influência maléfica de uma “mulher fatal”, à qual Ginette emprestou sua sensualidade à flor da pele

Durante a Ocupação, Ginette, Tino Rossi, Jean Tissier, Georges Marchal e outros atores da época, mantiveram uma boate com o companheiro dela, Lucien Gallas, que acolheu o meio parisiense de colaboracionistas e ocupantes. Após a Libertação, ela foi detida por quase um ano, por ter trabalhado para a firma alemã Continental Depois que saiu da prisão, Ginette não encontrou mais grandes papéis. Não obstante, participou de alguns bons filmes como Un Homme Marche dans la Ville / 1949 de Marcel Pagliero, O Prazer / Le Plaisir / 1951 de Max Ophuls; Noites de Bruma / Gas-oil / 1955 e O Rei dos Falsários / Le Cave se Rebiffe / 1961 de Gilles Grangier. Seu último filme foi La Barricade du Point du Jour / 1977 de René Richon, porém continuou trabalhando em séries de televisão até 1981.

Ginette Leclerc foi, durante anos, a representação da fêmea perversa e da vampe do bas-fonds. Ela costumava dizer: “Eu sou a atriz que fez o trottoir por mais tempo e a que foi assassinada mais frequentemente”.

MICHÈLE MORGAN (1920 –   ). Nome verdadeiro: Simone Renée Roussel. Local de nascimento: Neuilly-sur-Seine (Hauts-de-Seine), L’Ile de France, França.

MIchèle Morgan

Seu pai, chefe de serviço de uma firma de exportação de perfume, ficou desempregado após a crise de 1929. Em 1933, ele instala sua família em Dieppe, onde abre uma mercearia, que vai a falência dois anos mais tarde. Em 1935, Michèle decide partir na companhia de seu irmão mais moço, Paul, para a casa de seus avós em Paris. Por intermédio de agências de talentos, sob o pseudônimo de Simone Morgan, ela consegue seus primeiros trabalhos como figurante em La Vie Parisienne / 1935 de Robert Siodmak e em Mademoiselle Mozart / 1935 cujo realizador, Yvan Noé, lhe aconselha a  fazer um curso de arte dramática. Matriculada nas aulas de René Simon, a linda mocinha de olhos verdes passa a adotar o nome artístico de Michèle Morgan.

Mais algumas aparições breves e ela obtém enfim o principal papel feminino em dois filmes de Marc Allégret: Nathalie Roguin em Mulher Fatal / Gribouille / 1937 e Françoise Massart em Veneno / Orage / 1938, em ambos perturbando a vida de dois chefes de família – respetctivamente um jurado dono de uma loja de bicicletas (Raimu) e um engenheiro da província  (Charles Boyer) – e causando sensação com seus olhos, seu rosto, sua voz, seu charme misterioso.

A consagração definitiva de Michèle deu-se no admirável Cais das Sombras / Quai des Brumes / 1938 da dupla Marcel Carné -Jacques Prévert, no qual ela é Nelly, uma  jovem triste, assediada por seu tutor (Michel Simon) e pelo líder de um bando de malandros (Pierre Brasseur), que vive uma curta aventura com um desertor (Jean Gabin). Sua silhueta molhada, sua capa de chuva preta e seu gorro tornou-se o símbolo da atriz e a cena em que Gabin lhe diz docemente, “T’as des beaux yeux, tu sais”, digna de uma antologia cinematográfica.

Antes de partir para os Estados Unidos, Michèle fez L ‘Entraineuse / 1938 de Albert Valentin; Recife de Coral / Le Récif de Corail / 1939 de Maurice Gleize, Les Musiciens du Ciel / 1939 de Georges Lacombe e, principalmente, Águas Tempestuosas / Remorques / 1940 de Jean Grémillon (no qual interpreta o papel de Catherine, a agente do destino, que vai perturbar a existência tranquila de André  / Jean Gabin, deixando-o em um conflito psicológico entre o dever e o desejo) e A Lei do Norte / La Loi du Nord / 1939 de Jacques Feyder, mas lançado em 1942, amputado pelos ocupantes e com outro título, La Piste du Nord (no qual interpreta o papel de Jacqueline Bert, a secretária de um industrial que assassinara o amante de sua mulher. Ela foge com ele para a solidão branca do Grande Norte canadense, onde é protegida pelo patrão / Pierre Richard-Wilmm, por um caçador, Jacques Terrane / Jean Gabin e por um guarda da Policia Montada / Charles Vanel, e acaba morrendo de fadiga, devido às dificuldades da viagem em uma região tão árida).

Lembrando-se de que assinara um contrato com a RKO e pouco disposta a satisfazer as exigências alemãs, Michèle passa pela zona sul da França à Espanha, à Portugal,  chega em Nova York, e vive durante a Segunda Guerra Mundial em Los Angeles. Dessa sua estadia na “Terra do Cinema” resultaram quatro filmes – E As Luzes Brilharão Outra Vez / Joan of Paris /1942 de Robert Stevenson; Encontro em Londres / Two Tickets to London / 1943 de Edwin L. Marin; Passagem para Marselha / Passage to Marseille / 1944 de Michael Curtiz e A Lua a seu Alcance / Higher and Higher / 1943 de Tim Whelan – e, em 1946, ela ainda fez A Senda do Temor / The Chase de Arthur Ripley, filme noir baseado em um romance de William Irish. Em setembro de 1942, Michèle casou-se com o ator americano William Marshal, com o qual teve um filho. Em 1950, ela se casaria com outro ator, Henri Vidal, e após seu falecimento em 1959, tornou-se a companheira do cineasta Gérard Oury.

Após a guerra, Michele trabalhou com bons diretores europeus (Jean Delannoy: Sinfonia Pastoral / La Symphonie Pastorale / 1946); Carol Reed: O Ídolo Caído / The Fallen Idol / 1947); Alessandro Blasetti: Fabiola / Fabiola / 1949), tendo recebido o prêmio de Melhor Interpretação Feminina no Festival de Cannes em 1946 pelo papel de Gertrude, a menina orfã cega que fôra recolhida quando menina por um pastor Jean Martin (Pierre Blanchar). Ao se tornar uma bela jovem, ela desperta o amor de seu filho Jacques (Jean Desailly) e dele próprio. Quando é operada e recobra a visão, incapaz de aceitar o amor de Jacques e desapontada com a afeição que Martin lhe devota, ela foge. O pastor sai à sua procura e a encontra morta.

Nos anos 50, os filmes mais importantes de MIchèle foram Le Chateau de Verre / 1950 de René Clement; L’Étrange Madame X / 1950 de Jean Grémillon; Amar-te é Meu Destino / La Minute de Verité / 1952 de Jean Delannoy; Os Orgulhosos / Les Orgueilleux / 1953 de Yves Allégret; As Grandes Manobras / Les Grandes Manoeuvres / 1955; O Homem que vendeu a Alma / Marguerite de la Nuit / 1955 de Claude Autant-Lara.

Merece destaque a sua atuação em Os Orgulhosos, como Nellie, uma turista que vive uma história de amor e redenção com George (Gérad Philipe), médico francês em uma pequena cidade mexicana, onde ele se tornou alcólatra e vive como um mendigo e, vindo o marido a falecer, vítima de uma epidemia de meningite, ela fica sozinha e sem recurso. O equilíbrio do filme dependia da atuação dos dois intérpretes centrais e cada qual tem um momento solo excepcional. O de Michèle Morgan acontece no quarto de hotel enquanto Nellie, tentando se livrar do calor, se despe com certo erotismo. O de Gérard Philipe ocorre quando George dança na taberna, servindo de espetáculo, abjetamente, em troca de uma garrafa de aguardente.

Nas décadas de 60 e 70, Michèle continuou em atividade diante das câmeras, além de fazer breves aparições em alguns filmes, a última das quais em Stanno Tutti Bene / 1990 de Giuseppe Tornatore.

GABY MORLAY (1893 – 1964). Nome verdadeiro: Blanche Pauline Fumoleau. Local de nascimento: Angers, Maine-et-Loire, França.

Gaby Morlay

Seu primeiro filme foi La Sandale Rouge / 1912 de Henry Houry, adaptação de uma peça que acabara de interpretar no teatro, onde começara, no mesmo ano, na revista ”Potins et Patins” e doravante, ela dividiria sempre seu tempo entre o palco e a tela. Depois de atuar como parceira de Max Linder (v. g. Le Vacance de Max / 1913) e depois estrela de sua próprias comédias (v. g. Le Chevalier de Gaby / 1920), Gaby apareceu em outros filmes mudos, incluindo Les Fils du Flibustier / 1922 de Louis Feuillade e o notável Les Nouveaux Messieurs / 1929 de Jacques Feyder, sátira incisiva do mundo politico, na qual ela faz uma bailarina medíocre, cujo amor é disputado por dois politicos: o eletricista do teatro, antigo sindicalista (Albert Préjean) e um aristocrata (Henry Roussell).

No cinema falado, seus papéis de destaque na primeira parte da década de trinta foram em Acusada, Levante-se !/ Accusée, Levez-vous / 1930 e  A Bailarina Andalusa / Maison de Danses / 1932 de Maurice Tourneur; Depois do Amor / Après l ‘amour / 1931 e Traição Sublime / Il Était une Fois / 1933 de Léonce Perret; O Grande Industrial / Le Maître des Forges / 1934 de Abel Gance,  culminando com  a sua interpretação de Clara Stuart, a cantora que, em A Felicidade / Le Bonheur / 1935 de Marcel l’Herbier, se relaciona com um desenhista satírico de um jornal anarquista (Charles Boyer), que tentara matá-la.

Na segunda metade do referido decênio, sobressaíram na filmografia de Gaby: Samson / 1936 de Maurice Tourneur; Vertigem de uma Noite / La Peur / 1936 de Viktor Tourjansky; Noites de São Petersburgo / Les Nuits Blanches de Saint Petersburg / 1938 de Jean Dréville; Les Amants Terribles / 1936 de Marc Allégret; Quadrille / 1938 de Sacha Guitry; e dois filmes histórico-biográficos, Verdi / Giuseppe Verdi / 1938 de Carmine Gallone, no qual fez o papel de Giuseppina Strepponi, a amante do grande compositor e Eduardo VII / Edouard VII / 1939 de Marcel l’Herbier, no qual personificou com muita propriedade a Rainha Vitória.

Nos anos quarenta, entre vários outros papéis, Gaby foi Désirée Clary adulta (ao lado de Sacha Guitry), em Le Destin Fabuleux de Desirée Clary / 1942 de Sacha Guitry; Rosa Mamai (com sotaque provençal ao lado de Raimu) em L’Arlésienne / 1942 de Marc Allégret; Louise Jarraud, no seu apogeu melodramático como a governanta de três gerações em O Véu Azul / Le Voile Bleu / 1942, um êxito comercial formidável de Jean Stelli; e, principalmente, em Un Revenant / 1946, um dos melhores filmes de Christian-Jacque, como Geneviève Gonin, a mulher amada de Jean-Jacques (Louis Jouvet), que volta para a sua cidade natal como diretor de uma companhia de balé para se vingar daqueles que, vinte anos atrás, tentaram matá-lo para evitar seu  casamento com ela.  Após certos acontecimentos, Jean-Jacques finge um amor eterno por Geneviève e depois a abandona.

Entre os derradeiros filmes de Gaby nos anos cinquenta, ainda são encontradas boas intervenções dela em: Sua Majestade o Sr. Carloni / Prima Comunione de Alessandro Blasetti / 1950 (como Maria Carloni, a mulher do Sr. Carloni / Aldo Frabrizi); Ana / Anna de Alberto Lattuada / 1951 (como a Madre Superiora de Ana / Silvana Mangano); O Prazer / Le Plaisir / 1952 de Max Ophuls (como a mulher de Ambroise  / Jean Galland no segmento La Masque); L ‘Amour d’une Femme / 1953 de Jean Grémillon (como a professora Germaine Leblanc); Papa, Maman, la Bonne et Moi / 1954 de Jean_Paul le Chanois (como Gabriele Langlois, a Maman da família); Crime e Castigo / Crime et Châtiment / 1956, de Georges Lampin, versão modernizada do romance de Dostoievski (como Madame Brunel, a mãe do criminoso). Gaby fez filmes até 1964, quando encerrou sua carreira no cinema em Monsieur, de Jean-Paul le Chanois, cujo papel principal coube a Jean Gabin.

Em julho de 1932, Gaby Morlay e sua companhia teatral apresentaram-se no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, estreando no dia 26 com a peça “Le Fauteil 47 de Louis Verneuil.

Micheline Presle

MICHELINE PRESLE (1922 – ). Nome verdadeiro: Micheline Nicole Julia Émilien Chassagne. Local de nascimento: Paris, França. Filha de Robert Chassagne,  industrial importante e de Yvonne Bacelier, pintora nas horas vagas, ela demonstrou interesse pela arte dramática desde a infância, encenando peças com seu irmão. Sua primeira experiência teatral deu-se quando fez um teste para o diretor Christian Stengel, amigo de seu padrinho. Stengel colocou-a como figurante em um pensionato para moças ricas, onde se desenrolava a história de Je Chante / 1938, estrelado por Charles Trenet. Logo dois grandes diretores a convidaram: G.W. Pabst para A Lei Sagrada / Jeunes Filles en Détresse / 1939 (no qual Micheline era a filha de um advogado, Maître Presle (André Luguet) e o sobrenome deste personagem lhe sugeriu seu sobrenome artistico, pois até então usava o pseudônimo de Micheline Michel) e Abel Gance para Paraíso Perdido / Paradis Perdu / 1939 (no qual Elvire Popesco era a estrela, porém Micheline chamou mais atenção em um papel duplo: Janine, a mãe, uma ajudante de modista amada por um pintor e Jeannette, a filha que ela  deu à luz  antes de morrer).

Na década de quarenta, Micheline fez três filmes com Marcel l’Herbier, La Comédie du Bonheur (ao lado de Michel Simon e Ramon Novarro), Histoire de Rire / 1942 (com Fernand Gravey), e o melhor dos três, A Noite Fantástica / La Nuit Fantastique (de novo com Gravey).

Entretanto, seus maiores triunfos ocorreram no período compreendido entre os meados do decênio mencionado até os anos cinquenta:  Félicie Nanteuil / 1945 de Marc Allégret, Nas Rendas da Sedução (TV) / Falbalas / 1945 de Jacques Becker; Boule de Suif / 1945 de Christian-Jaque; e Adúltera / Le Diable au Corps / 1947 de Claude Autant-Lara. No primeiro, Micheline  compõe com perfeição uma jovem atriz (Félicie) que, após a morte e a maldição de seu Pigmalião (Claude Dauphin), penetra em um universo obsessional quase fantástico de angústia e de terror. No segundo, ela é Micheline, conquistada por um grande costureiro parisiense (Raymond Rouleau) que, depois rejeitado por ela, se suicida. No quarto, assume a personalidade de Marthe, que se torna amante de um rapaz (Gérard Philipe) enquanto seu marido (Maurice Lagrenée) está lutando na guerra de 14.

Micheline casou-se com o ator americano William Marshal (ex-marido de Michèle Morgan) em 1950, e tentou em vão agradar às platéias americanas, fazendo em Hollywood: A Vingança do Destino / Under my Skin / 1950 de Jean Negulesco; Guerrilheiros das Filipinas / American Guerrilla in the Philipines / 1950; e Aventuras do Capitão Fabian / Adventures of Captain Fabian / 1951, produzido e dirigido por Errol Flynn e seu marido.

Divorciada em 1954, Micheline voltou para França com sua filha, a futura atriz e diretora Tonie Marshall, e continuou a brilhar no filmes francêses, aparecendo também no palco. Seus trabalhos de maior destaque nessa fase de sua carreira foram em: La Dame aux Camélias / 1953 de Raymond Bernard e o magnífico  L’Amour d’une Femme / 1953 de Jean Grémillon.  Neste filme belíssimo, Micheline é uma jovem médica, Marie Prieur, que se apaixona por um engenheiro (Massimo Girotti). Ele deseja esposá-la e quer obrigá-la a deixar a medicina; mas acaba compreendendo que Marie, cuja vocação é um verdadeiro sacerdócio, não pode ser só dele, No final da década, a atriz  integrou o elenco de Entrevista com a Morte / Blind Date / 1959 de Joseph Losey.

Nos anos 60, Micheline participou de mais alguns filmes importantes (O Vigarista / Le Baron de l’Ecluse / 1960; Assassino / L’Assassin / 1961 de Elio Petri; Criminosos não Merecem Prêmio / The Prize / 1963 de Mark Robson; A Caça ao Homem / Le Chasse à l’Homme / 1964 de Edouard Molinaro; A Religiosa / La Religieuse / 1966 de Jacques Rivette; Esse Mundo é dos Loucos / Le Roi du Coeur / 1966 de Philipe de Broca) e continuou pelos anos seguintes trabalhando incansavelmente no cinema e na televisão, somente pondo um fim na sua trajetória cinematográfica em 2012 com Rue Mandar de Idit Cabula.

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DANIELLE DARRIEUX (1917-2017). Nome verdadeiro: Danielle Yvonne Marie Antoinette Darrieux. Local de nascimento: Bordeaux, França.

Danielle Darrieux

Seu pai era um oftalmologista de origem bordelesa e sua mãe tinha ascendência alsaciana e polonesa (família Witowski). A morte prematura do pai, quando ela tinha sete anos de idade, obrigou sua mãe a dar lições de canto para subsistir. Danielle demonstrou muito cedo o gosto pela música. Era dotada de uma voz miúda, mas afinada e límpida. Estudou piano e fez seus estudos de violoncelo no Conservatório de Música. O marido de uma das alunas de sua mãe, que trabalhava esporadicamente no cinema, sugeriu que ela levasse Danielle à presença dos produtores Charles Delac e Marcel Vandal, porque eles estavam procurando desesperadamente uma mocinha para seu próximo filme. Danielle se apresentou, foi aprovada, e estreou na tela, aos quatorze anos de idade, em Le Bal / 1931 de Wilhelm Thiele, usando o pseudônimo de Lydie Danielle. Em seguida, assinado um contrato, Delac e Vandal a emprestaram para outros produtores.

A primeira fase de sua carreira, foi marcada principalmente por comédias românticas com Albert Préjean (v. g. La Crise est Finie / 1934 de Robert Siodmak; Pequena Sapeca / Quelle Drôle de Gosse / 1935 de Leo Joannon; Cuidado com Ela / Le Controleur des Wagons-Lits / 1935 de Richard Eichberg) e Henri Garat (A Dupla do Barulho / Un Mauvais Garçon / 1936 de Jean Boyer) ou por comédias musicais ao lado do tenor polonês Jan Kiepura (Meu Coração te Chama / Mon Coeur t’appelle / 1934 de Carmine Gallone; Amo Todas as Mulheres / J’aime Toutes les Femmes / 1935 de Carl Lamac). Durante esse período, fez também Volga em Chamas / Volga en Flammes / 1933 de Victor Tourjansky e Semente do Mal / Mauvaise Graine / 1934 realizado por um cenarista austríaco exilado, fugitivo da Alemanha nazista, Billy Wilder.

Em 1935, Danielle casou-se com Henri Decoin e ele conseguiu persuadí-la de que era capaz de interpretar grandes papéis dramáticos. Assim vieram Mulher Mascarada / Le Domino Vert / 1935 de Henri Decoin (versão francêsa); Mayerling / Mayerling de Anatole Litvak; Taras Bouba / Tarass Boulba de Alexis Granowsky; Port Arthur de Nicolas Farkas (versão francêsa); Katia, a Czarina sem Corôa / Katia de Maurice Tourneur; Mulher Mascarada / Le Domino Vert / 1934, versão francesa de um filme alemão de Herbert Selpin dirigida por Henri Decoin, e Abuso de Confiança / Abus de Confiance / 1937 de Henri Decoin. Em seguida ela fez novamente com Decoin, a comédia Senhorita Minha Mãe / Mademoiselle ma Mère / 1937 e, depois de uma experiência na Universal em Sensação de Paris / The Rage of Paris / 1938 de Henry Koster, tendo como parceiro Douglas Fairbanks Jr., submeteu-se novamente ao comando de seu mentor Decoin em Retour à l’aube / 1938; Battement de Coeur / 1939 e Premier Rendez-vous / 1941.

No restante dos anos quarenta, Danielle trabalhou por exemplo com André Cayatte (La Fausse Maîtresse / 1942); Raymond Bernard (Até Logo, Querida! /Adieu Chérie / 1945); Marcel l’Herbier (Ao Petit Bonheur / 1945);  Leonide Moguy (História de um Pecado / Bethsabée / 1947); Pierre Billon (Entre o Amor e o Trono / Ruy Blas / 1947); Claude Autant-Lara (Meu Amigo, Amélia, e Eu / Occupe-toi d’Amélie / 1949), tornando-se nesse decenio e no próximo, a encarnação do charme  e da feminilidade francêsa .

Durante a Ocupação, contratada da Continental, sociedade produtora alemã instalada em Paris, Danielle foi vista em recepções e sessões de gala sob a sombra da cruz gamada e participou daquela famosa viagem a Berlim em 1942 que a cobriria de opróbio bem como a outros atores que a fizeram como Albert Préjean, Suzy Delair e Viviane Romance. A atriz explicou depois sua atitude: estava casada com oembaixador da República Dominicana na França, Porfirio Rubirosa, que fôra suspeito de espionagem, detido e internado na Alemanha. A viagem, disse ela, foi para vê-lo, e sofrendo acusações de colaboracionista, Danielle afastou-se da Continental, saindo de cena por três anos.

Na década de cinquenta, a atriz atingiu o auge de sua vida artística e fama internacional com uma série de filmes memoráveis: Conflitos de Amor / La Ronde / 1950 (como a mulher casada) (como Madame Rosa no segmento “La Maison Tellier”); O Prazer / Le Plaisir / 1951 e Desejos Proibidos / Madame de … / 1953 a trilogia de Max Ophuls; Amor Traído / La Verité sur Bébé Donge / 1951 de Henri Decoin; 5 Dedos / Five Fingers / 1951 de Joseph L. Mankiewicz; O Vermelho e o Negro / Le Rouge et le Noir / 1954 de Claude Autant-Lara, As Mulheres dos Outros / Pot Bouille / 1956 e Marie Octobre /  Marie Octobre / 1959 de Julien Duvivier; O Amante de Lady Chatterley / L’Amant de Lady Chatterley / 1955 de Marc Allegret; As Pecadoras de Paris / L’Affaire des Poisons / 1955 de Henri Decoin; Alexandre Magno / Alexander the Great /  1956 de Robert Rossen; Vício Maldito / Le Désordre et la Nuit / 1958 de Gilles Grangier, além de integrar os elencos estelares dos filmes de Sacha Guitry Napoleão /  Napoleon / 1954 e Si Paris nous était Conté / 1955.

Para mim, o melhor papel de Danielle foi Elizabeth d’Onneville, chamada de Bébé, a mulher sentimentalmente decepcionada que envenenou o marido (Jean Gabin) após dez anos de matrimônio, sendo inesquecível a cena final de Amor Traído, quando Bébé, como um autômato, acompanha o juiz de instrução que veio para prendê-la. Esse filme sombrio e desesperado, com uma construção dramática rigorosa e fiel ao universo dos romances de Georges Simenon, não teria sido tão bom sem o concurso interpretativo da grande atriz.

Dos anos sessenta em diante Danielle continuou trabalhando no cinema e seu último filme, aos 93 anos de idade, foi Pièce Monté / 2010 de Denys Granier Deferre, uma longevidade cinematográfica realmente espantosa …  sem falar na sua atividade intensa no teatro e em telefilmes e minisséries.

MARIE DÉA (1912-1992). Nome verdadeiro: Odette Alice Marie Deupès. Local de nascimento: Nanterre (Hauts-de-Seine), França.

Marie Déa

 Estudou direito e seguiu paralelamente o curso de arte dramática com Georges Le Roy e René Simon até que Gaston Baty colocou-a em algumas peças de sua trupe teatral no Théâtre Montparnasse. Ela acabara de trabalhar como figurante em La Vierge Folle / 1938 de Henri Diamant-Berger quando Maurice Cloche  lhe ofereceu o papel feminino  mais importante de Nord-Atlantique / 1939. No mesmo ano, Marie foi escolhida por Robert Siodmak para ser, em Ciladas / Pièges, Adrienne Charpentier, amiga das dançarinas vítimas de um maníaco sexual, transformada em isca para a captura do criminoso. Neste filme, Marie teve oportunidade de contracenar como Maurice Chevalier, Pierre Renoir e Erich von Stroheim, saindo-se muito bem diante de tão eminentes artistas. Porém foram os anos quarenta que consagraram a glória efêmera de Marie Dea, sobressaindo os três  filmes que lhe garantiram um lugar de prestígio no cinema francês: Premier Bal / 1941 de Christian-Jaque, no qual ela era Nicole Noblet uma das irmãs (a outra era Danielle, interpretada por Gaby Sylvia) apaixonadas por um jovem médico (Raymond Rouleau); Os Visitantes da Noite / Les Visiteurs du Soir / 1942 (mas lançado em 1945) no qual marcava sua presença como Anne,  a filha do castelão por quem o menestrel Gilles (Alain Cuny), enviado pelo Diabo, se apaixona; e Orfeu / Orphée / 1949 de Jean Cocteau,  desempenhando o papel de Eurídice  nesta transposição do mito célebre para a Saint-Germain-des-Prés do imediato pós-guerra.

Até os anos sessenta, dos filmes que Marie fez, merecem ser mencionados Le Journal tombe à cinq heures de Georges Lacombe, descrição viva do ambiente do jornalismo; Secrets / 1943 de Pierre Blanchar, filme sensível inspirado em “Un mois à la Campagne” de Tourgueniev; os dois filmes sobre Rouletabille (Rouletabille joue et Gagne  / 1947 e Rouletabille contre la Dame de Pique / 1948), por causa da fama do  jornalista-detetive criado por Gaston Leroux; e Dois São Culpados / 56 Rue Pigalle / 1949 de Willy Rozier, drama criminal envolvendo adultério, chantagem e assassinato. Dos anos sessenta até 1979, continuou trabalhando no cinema, encerrando sua carreira com Subversion de Stanislas Stanojevic. Em 29 de fevereiro de 1992, Marie visitava uns amigos, quando irrompeu um incêndio na casa deles. Hospitalizada, ela veio a falecer no dia seguinte em virtude de um ataque cardíaco.

SUZY DELAIR (1917- 2020). Nome verdadeiro: Suzanne Pierrette Delaire. Local de nascimento: Paris, França.

Suzy Delair

 Filha de um fabricante de selas e de uma costureira, foi primeiramente aprendiz de modista no ateliê de Suzanne Talbot e, aos 16 anos de idade começou a trabalhar como figurante no cinema, mas foi no music-hall que ela conheceu o sucesso, apresentando-se nos teatros Bouffes Parisiens, Bobino, Casino Montparnasse, Européen, Étoile, Folies-Bellevile, no cabaré de Suzy Solidor e nas revistas de Mistinguette ou de Marie Dubas.

Foi seu encontro com Henri-Georges Clouzot, então roteirista (e seu companheiro na vida real), que impulsionou sua carreira cinematográfica. Clouzot havia adaptado em 1941, um romance policial do belga Stanislas André Steeman que resultou no filme Les Dernier des Six, dirigido por Georges Lacombe, no qual Pierre Fresnay fazia o papel do comissário Wens e Suzy o da cantora Mila Malou, a amante do policial.

O espetáculo fez tanto sucesso que Arnold Greven, o manda-chuva da Continental (que havia ele próprio escolhido Suzy ente outras candidatas), ordenou uma continuação, O Assassino Mora no 21 / L’Assassin Habite au 21 / 1942, desta vez com Clouzot na direção. Neste filme criminal com toques de humor, semeado de tipos pitorescos e de mortes, Pierre Fresnay interpretava o comissário Wens com o fleuma de um policial britânico e Suzy Delair divertia a platéia como a sua turbulenta companheira, que também gostava de brincar de detetive, formando uma dupla parecida com aqueles casais das comédias românticas americanas dos anos trinta.

No mesmo ano, Suzy havia igualmente encantado o público no seu primeiro papel principal, cantando os refrões de Maurice Yvain, filmados por Richard Pottier em Défense d ‘aimer. Marcel l’Herbier esperava divulgar melhor as qualidades vocais de Suzy em Vie de Bohème, rodado pouco depois, porém o filme só foi lançado em 1945 e passou despercebido.

Um pouco ofuscada por Louis Jouvet no papel duplo do ladrão Isnard e do homem honesto Dupon em Estranha Coincidência / Copie Conforme / 1946 de Jean Dréville, Suzy interpretou duas sósias, Fernande e Yvette, em Par la Fenêtre / 1947 de Gilles Grangier; mas tudo isto significou pouco diante de Crime em Paris / Quai des Orfévres, que Clouzot lhe ofereceu em 1947, sem sombra de dúvida a obra-prima em comum dos dois artistas. Novamente ao lado de Louis Jouvet (como o inspetor Antoine), Suzy compôs maravilhosamente a personagem de Jenny Lamour, a cantora do music-hall suspeita de ter matado um velho produtor libidinoso, que lhe prometera emprego no mundo do cinema enquanto Clouzot inspecionava com sua câmera virtuosa o ambiente do espetáculo e os tipos humanos que nele circulam.

A atriz nunca mais fez algo melhor na tela embora tivesse participado ainda de outro filme notável, – Mulher Cobiçada / Pattes Blanches / 1948 de Jean Grémillon, como Odette, a noiva prestes a se casar, que despertava violenta paixão no aristocrata Keriadek (Paul Bernard), apelidado de Patas Brancas, e acabava sendo assassinada por ele.

Como coadjuvante, Suzy esteve ao lado da dupla Stan Laurel e Oliver Hardy no seu último filme, Utopia / Atol; K / 1950 dirigido por Leo Joannon; de Fernandel em Costureiro de Senhoras / Le Couturier de ces Dames / 1956; e se submeteu ao comando de dois grandes diretores, integrando o elenco de Gervaise – a Flor do Lôdo / Gervaise / 1955 de René Clement – como Virginie Poisson, a pérfida inimiga da protagonista (Maria Schell), que lhe dava uma surra memorável em determinada situação da trama – e de Rocco e seus Irmãos / Rocco e i suoi Fratelli / 1960 de Luchino Visconti no papel de Luisa. Seu filme derradeiro foi Oublie-moi, Mandoline / 1976 de Michel Wyn.

DANIELE DELORME (1926- 2015). Nome verdadeiro: Gabrielle Danièle Marguerite Andrée Girard. Local de nascimento: Levallois- Perret, França.

Danielle Delorme

Filha do pintor André Girard, estudou piano para se tornar concertista, mas a guerra obrigou-a a interromper suas aulas. Durante a Ocupação, sua mãe foi deportada e seu pai partiu para o Reino Unido. Ela se refugiou em Cannes, onde frequentou o curso de teatro de Jean Wall, e depois estreou na companhia teatral de Claude Dauphin. Marc Allégret contratou-a, colocando-a em três filmes sucessivos: La Belle Aventure / 1942, Félicie Nanteuil / 1942, mas lançado em 1945 e Les Petites du Quai aux Fleurs / 1944.

Após a guerra, Daniele aperfeiçoou seus conhecimentos dramáticos com Tania Balachova e René Simon, desempenhou papeís pequenos em mais sete filmes (entre eles Les Jeux sont Faits / 1947 de Jean Delannoy e Impasse des Deux-Anges / 1948 de Maurice Tourneur) e, finalmente, em 1949, ganhou renome como Miquette, a mocinha apaixonada pelo teatro em Miquette de Miquette et sa Mère, a adaptação da peça de Flers et Cavaillet por Henri-Georges Clouzot e Gigi, a personagem imaginada por Colette, em O Brotinho e as Respeitosas / Gigi de  Jacqueline Audry, que a dirigiria também em outros dois filmes baseados na célebre escritora, A Ingênua Libertina / Minne l’ingenue Libertine / 1950 e Mitsou / 1956.

Outros filmes relevantes de Daniele nos anos cinquenta foram O Último Endereço / Sans Laisser d’Adresse / 1951 de Jean-Paul le Chanois; La Jeune Folle / 1952 de Yves Allègret; O Curandeiro / Le Guérisseur / 1953 de Yves Ciampi; O Processo Negro / Le Dossier Noire / 1955 de André Cayatte; Os Miseráveis / Les Misérables / 1958 (no papel de Fantine) e aquele que marcou o auge de sua arte: o admirável Sedução Fatal / Voici les Temps des Assassins / 1956 de Julien Duvivier. Com seu rosto de anjo, sua personagem, Catherine, seduz, engana, explora, mata com consciência e frieza e acaba sendo trucidada pelo cão de uma de suas vítimas. Indubitavelmente a melhor criação dessa atriz.

Daniele foi casada com Daniel Gélin de 1945 a 1955 e em 1956 contraiu matrimônio com Yves Robert. Com ele fundou a companhia produtora La Guéville, cujo primeiro sucesso foi A Guerra dos Botões / La Guerre des Boutons / 1961. Nos anos 60 e 70 ela fez mais alguns filmes (com destaque para O 7º Jurado / Le Setième Juré / 1961 de Georges Lautner) e dividiu seu tempo entre o teatro, a atividade de produtora e o exercício de uma função pública, nomeada em 1984 pelo presidente François Mitterand, membro do Conselho Econômico, Social e Meio Ambiente, função que ela exerceu até 1994. Seu derradeiro filme como atriz foi Sortez des Rangs / 1996 de Jean-Denis Robert.

EDWIGE FEUILLÈRE (1907-1998). Nome verdadeiro: Edwige Louise Caroline Cunati Local de nascimento: Vesoul, França.

Edwige Feuillère

Filha do engenheiro Guy Cunati, de nacionalidade italiana e de Berthe Koenig, de origem lorena, após ter cursado o Conservatório de Arte Dramática – já casada com um colega de classe, Pierre Feuillère – estreou profissionalmente (sob pseudônimo de Cora Lynn porque como aluna do Conservatório era proibida de atuar na cena parisiense) em “L’Attaché” de Yves Mirande no Thêatre du Palais Royal, seguindo-se outros compromissos  na revista de Rip, “Par le temps qui Court” no Teatro Danou, “Les Aventures du Roi Pausole” de Arthur Honneger no teatro Buffes-Parisiens etc.

Laureada pelo Conservatório com o primeiro prêmio de comédia, ela foi convocada imediatamente pelo administrador, Émile Fabre, da Comédie Française, quea convenceu de adotar o nome de Edwige Feuillère. Pierre aceitou com orgulho, sem saber que o casal se separaria, porque o marido não suportou mais a notoriedade de sua mulher. Em 1945, ele se suicidou, levando consigo sua segunda esposa, e tendo o cuidado na véspera de ir dizer adeus “à sua Edwige”.

Edwige iniciou sua carreira cinematográfica em Le Cordon Bleu / 1931 do tcheco Karl Anton (rodado na Paramount de Joinville) e, após ter participado de treze filmes, entre os quais sobressaíram Topaze / 1932 de Louis Gasnier, estrelado por Louis Jouvet e duas versões francesas de filmes alemães, Stradivarius / 1935 de Géza von Bolváry e Barcarolle / 1935 de Gerhard Lamprecht, dirigidas respectivamente por Albert Valentin e Roger Le Bon, (exibidas no Brasil apenas as versões originais), Julien Duvivier deu-lhe um papel decorativo em Gólgota3/ Golgotha / 1935 como Claudia Procula, a mulher de Poncio Pilatos.

Muito mais interessante foi sua composição de Lucrécia Borgia no filme Lucrécia Borgia / Lucrèce Borgia / 1935, assinado por Abel Gance, tornando plausíveis os tormentos da personagem, vítima de sua estranha família, e tendo a coragem de sair de uma piscina nuazinha, como Vênus saindo da ondas do mar. Edwige ficou célebre e consolidou sua fama, guiada por bons diretores (v. g. Robert Siodmak (Mister Flow / 1936); Marc Allègret (A Dama de Malaca / La Dame de Malaca / 1937); Raymond Bernard (Marthe Richard, au service de la France / 1937 e J’Étais une Aventurière / 1938); Max Ophuls (Sans Lendemain / 1939 e De Mayerling a Sarajevo / De Mayerling a Sarajevo / 1940); Maurice Tourneur (Coração em Duelo /Mam’zelle Bonaparte / 1941); Jacques de Baroncelli (A Duquesa de Langeais / La Duchesse de Langeais / 1942); Marcel l’Herbier (L’Honorable Catherine / 1942); Jean Delannoy (La Part de l’Ombre / 1945).

Ela fechou a década de quarenta, interpretando dois grandes papéis: a Nastasia Philipovna, cortesã disputada pelo Príncipe Muichkine (Gérard Philipe) e Rogogine (Lucien Coedel) na excelente adaptação do romance de Dostoievski, O Idiota / L’Idiot / 1946 (Dir: Georges Lampin) e a rainha reclusa Natascha, visitada inesperadamente pelo poeta anarquista Stanislas (Jean Marais) em Águia de Duas Cabeças / L ‘Aigle a Deux Têtes / 1947 (Dir: Jean Cocteau).

Nos anos cinquenta, seus filmes marcantes foram: Olivia / Olivia / 1950 de Jacqueline Audry; Amor de Outono / Le Blé en Herbe / 1954 e Amar é Minha Profissão / En Cas de Malheur / 1958 ao lado de Jean Gabin e Brigitte Bardot, ambos dirigidos por Claude Autant-Lara. Ela deixou o cinema (La Chair de l’orchidée de Patrice Chéreau) e a televisão (telefilme La Duchesse de Langeais) em 1975, mas continuou no teatro, onde o público a aplaudiu em peças inolvidáveis como “La Dame aux Camélias” de Alexandre Dumas filho, “Le Partage de Midi” de Paul Claudel e “La Folle de Chaillot” de Jean Giraudoux. Em 1998, a morte de Jean Marais, seu amigo muito querido, afetou-a a tal ponto, que seu coração parou no dia do enterro do ator.

ODETTE JOYEUX (1914-2000). Nome verdadeiro: Odette Joyeux. Local de nascimento: Paris, França.

Odette Joyeux

 Seus pais, que não eram casados, se separaram antes do seu nascimento, e sua mãe cuidou sózinha de sua educação. Odette aprendeu a tocar violão antes de se dedicar ao estudo da dança em uma classe de balé na escola do Ballet de l’Opéra; mas foi despedida por indisciplina.

Então, voltou-se para o teatro, e deu seus primeiros passos como atriz aos 16 anos na peça “Intermezzo” de Jean Giraudoux, sob a direção de Louis Jouvet. Em 1935, ela atuou na peça “Grisou”, escrita por Pierre Brasseur, com quem se casou, nascendo dessa união, sempre tempestuosa, o futuro ator Claude Brasseur.

Odette encontrou o mundo do cinema em dois filmes de Charles de Rochefort, Une Femme a Menti / 1930 e Le Secret du Docteur / 1930. Em 1934, ela contracenou com Jean-Pierre Aumont em Lac aux Dames de Marc Allégret e filmou no mesmo ano com seu marido Valse Éternelle de Max Neufeld e Une Femme qui se Partage de Maurice Canonge. Porém somente em 1938 ascendeu à notoriedade graças a Entrée des Artistes de Marc Allégret, no qual ela era Cécile, aluna do professor Lambertin (Louis Jouvet) no Conservatório de Arte Dramática. Ao saber que o rapaz (Claude Dauphin) por quem está apaixonada, ama outra aluna (Janine Darcey), Cécile elabora sua vingança de modo melodramático: no dia da prova, ela se envenena no palco, acusando-o.

Nos anos quarenta, ela se tornou a intérprete predileta de Claude Autant-Lara, que lhe deu seus melhores papéis em Casamento de Chiffon / Le Marriage de Chiffon / 1941; Lettres d’Amour / 1942; Dulce, Paixão de uma Noite / Douce / 1943 e Silvia e o Fantasma / Sylvie et le Fantôme / 1946. No primeiro filme, Odette foi Corysande – chamada de Chiffon – a jovem que aceita desposar um duque quinquagenário, a fim de dispor de seu dote, para ajudar o rapaz que ama em segredo, e a atriz dominou muito bem esse papel complexo com o qual, segundo ela mesma disse, se identificou profundamente. Nos demais filmes, como Zélie Fontaine, a viúva de vinte anos de idade que aceita receber as cartas de amor endereçadas à mulher do prefeito; como Douce, a adolescente romântica que se apaixona pelo secretário de seu pai e sonha em partir com ele, sem saber que o próprio tem uma amante; e como Sylvie, a moça fantasiosamente apaixonada por um fantasma, Odette demonstrou repetidamente suas qualidades interpretativas.

Na década de cinquenta, Odette integrou o elenco repleto de astros de Conflitos de Amor / La Ronde / 1950 de Max Ophuls e Si Paris nous était Conté / 1955 de Sacha Guitry. Ela participou em 1957 de Le Naïf au Quarante Enfants sob a direção de seu novo marido, Philippe Agostini, e encerrou seu percurso cinematográfico. Paralelamente, seguindo os conselhos de Jean Giraudoux, levou adiante uma carreira literária, publicando vários romances, duas peças de teatro, um ensaio sobre a dança, uma biografia de Nicéphore Niepce, dois livros de memórias, exercendo ainda as funções de dialoguista e/ou adaptadora (v.g. La Mariée est trop Belle / 1956 de Pierre Gaspard-Huit; Sois Belle et Tais-Toi / 1958 de Marc Allégret), cuidando da adaptação de suas obras para a televisão (v. g. série L’Âge Heureux / 1996), e se apresentando nos palcos até 1987.

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ESTRELAS DO CINEMA FRANCÊS  ANOS 30-60 – I

Este artigo é uma homenagem – de maneira sucinta, sem mencionar a filmografia completa das atrizes, limitando-se aos seus filmes principais realizados entre 1930 e 1960 – a algumas grandes estrelas do cinema francês.

Annabella

ANNABELLA (1907-1996). Nome verdadeiro: Suzanne Georgette Charpentier. Local de nascimento: La Verenne-Saint Hilaire, França.

Ainda menina e filha de um diretor de revista turística, Annabella leu um dia o poema de Edgar Allan Poe, “Annabel Lee” e foi dele que extrairia seu nome artístico. Apresentada a Abel Gance, quando tinha dezesseis anos, ele a contratou para seu filme Napoléon / 1927, entregando-lhe o pequeno papel de Violine Fleuri, jovem secretamente apaixonada por Bonaparte. Entretanto, sua carreira cinematográfica realmente se iniciou com Maldone (Jean Grémillon / 1928) e se firmaria quando ela chamou mais a atenção em O Milhão / Le Million / 1931 de René Clair e atuou em outros filmes expressivos como Sonnenstrahl / 1933 de Paul Fejos e sua versão francêsa, Gardez le Sourire / 1933; A Batalha / La Bataille de Nicolas Farkas / 1933; Quatorze Juillet /1933 de novo sob o comando de René Clair; e Lenda de Amor / Marie, Légende Hongroise /1933, novamente sob as ordens de Fejos. Com seu lindo rosto e sua meiguice, ela representou a ingênua por excelência no início do cinema falado e foi a atriz francêsa mais solicitada pelos cineastas na década de trinta.

Entre 1934 e 1936, Annabella reforçou seu prestígio em uma série de filmes importantes: Caravane de Erik Charrell, produzido pela Fox Film (não confundir com a versão americana estrelada por Loretta Young e Charles Boyer); Noites   Moscovitas / Les Nuits Moscovites de Alexis Granowsky; A Bandeira / La Bandera de Julien Duvivier; Os 3 Diabos / Variétés de Nicolas Farkas e sua versão alemã, Varieté (com Hans Albers); Tripulantes do Céu / L’Équipage de Anatole Litvak; Véspera de Combate / Veille D’Armes de Marcel l’Herbier, que lhe deu o Prêmio Volpi  de Melhor Atriz no Festival de Veneza de 1936; e  Anne -Marie / Dominadores do Espaço de Raymond Bernard.

Seguindo sua vocação internacional, Annabella participou, com Henry Fonda, do primeiro filme britânico em Technicolor, Idílio Cigano / Wings of the Morning / 1937 de Harold Schuster. Ainda na Inglaterra, esteve com Conrad Veidt no último filme dirigido pelo grande Victor Sjöstrom, O Poder de Richelieu / Under the Red Robe / 1937 e com David Niven em Ceia no Ritz / Dinner at the Ritz / 1937 de Harold Schuster.

Nos anos que antecederam a Segunda Guerra Mundial, a atriz surgiu ainda em dois filmes francêses de peso, A Fortaleza do Silêncio / La Citadelle du Silence / 1937 de Marcel l’Herbier e Hotel do Norte / Hôtel du Nord / 1938 de Marcel Carné (contracenando com Louis Jouvet, Arletty, Jean-Pierre Aumont), e no filme americano Suez / Suez / 1938 de Allan Dwan, em cujo palco de filmagem encontrou o príncipe encantado, Tyrone Power, com quem se casaria após se divorciar do ator  Jean Murat. Annabella e Tyrone Power estiveram no Brasil em novembro de 1938. Eles se casariam em 23 de abril de 1939 e se divorciariam em 1948.

Durante  a guerra, Annabella fez dois filmes interessantes para o esforço de guerra, Esta Noite Bombardearemos Calais / Tonight We Raid Calais / 1943  de John Brahm e Noites Perigosas / Bomber’s Moon / 1943 de Edward Ludwig.  Após o fim do conflito mundial, merecem ser realçados na sua filmografia, Rua Madeleine 13 / 13 Rue Madeleine / 1946 de Henry Hathaway; Eternel Conflit / 1949 de Georges Lampin; e o filme que ela fez na Espanha ao lado de Antonio Vilar, Don Juan / 1950 de José Luis Sáenz de Heredia, encerrando seu percurso no cinema com Quema el Suelo / 1952.

Arletty

ARLETTY (1898-1992). Nome verdadeiro: Léonie Marie Julia Bathiat. Local de nascimento: Courbevoie, França.

Filha de uma família da classe trabalhadora, ela começou a estudar estenografia. A guerra de 1914 lhe fez perder seu primeiro amor, chamado Ciel, por causa da cor de seus olhos. O drama lhe faria perder todo desejo de se casar. Dois anos depois, seu pai faleceu, e ela, depois de ter sido amante de um jovem banqueiro, resolveu ser modelo, sob o pseudônimo de Arlette, inspirado na heroína do romance “Mont Oriol” de Guy de Maupassant. Seu primeiro diretor no teatro de revista, Armand Berthez, contratou-a como Arletty, para dar uma ressonância mais chique e anglo- saxã ao seu prenome.

Em 1930, Arletty aceitou a proposta de René Hervil de interpretar um papel pequeno no seu filme La Douceur  d’ Aimer ao lado de Victor Boucher. Um ano mais tarde, assumiu um papel principal no filme Un Chien qui Rapporte de Jean Choux, participando de mais sete filmes, antes se encontrar com o diretor Jacques Feyder e sua esposa, a atriz Françoise Rosay, em Pensão Mimosas / Pension Mimosas / 1935, e conhecer o assistente de Feyder, Marcel Carné. Este lhe ofereceria um papel sob medida em Hotel do Norte / Hôtel du Nord / 1938 ao lado de Louis Jouvet, Annabella e Jean-Pierre Aumont, no qual, com sua voz fanhosa e seu sotaque tipicamente parisiense ela seria, como disse Carné,  “a alma do filme”.

Dos meados dos anos 30 ao início dos anos 40, Arletty fez mais oito filmes, merecendo destaque apenas para os que foram dirigidos por Sacha Guitry (Vamos Sonhar / Faisons un Rêve / 1936, Madame e seu Mordomo / Désiré / 1937 e As Pérolas da Corôa / Les Perles de la Couronne / 1937); dois filmes com Michel Simon  (Circonstances Atténuantes / 1939 de Jean Boyer e Fric-Frac / 1939 de Claude Autant-Lara e Maurice Lehmann – neste comparecendo também Fernandel); Tempête / 1940 de Bernard Deschamps, no qual figurava Erich von Stroheim; e Madame Sans –Gêne /1941 de Roger Richebé.

Marcel Carné dirigiu-a em outros grandes filmes além de Hotel do Norte, que foram os melhores de toda a sua carreira artística: Trágico Amanhecer / Le Jour se Lève /1939; Os Visitantes da Noite / Les Visiteurs du Soir / 1942 e O Boulevard do Crime / Les Enfants du Paradis / 1945. Mais forte ainda do que suas personagens dos dois primeiros filmes, Clara, a companheira do adestrador de cães e Dominique, o menestrel (que na realidade era uma mulher) enviado pelo Diabo para um castelo medieval, a sua Garance domina por completo o último filme, amada por quatro homens: Lacenaire, o assassino-poeta (Marcel Herrand); Frédérick Lemâitre, o ator exuberante (Pierre Brasseur); Baptiste Debureau, o mímico (Jean-Louis Barrault); e o conde de Montray (Louis Salou). Na estréia triunfal de O Boulevard do Crime Arletty estava em uma prisão.

Após a Libertação, sua relação amorosa com Hans Jürgen Sohering, um militar alemão, lhe valeu uma pena de prisão de 75 semanas no castelo de La Houssaye-en-Brie. De volta a Paris, percebendo que os papéis que lhe ofereciam não possuiam a amplitude dos de outrora, ela retornou ao teatro em 1947.

Nos anos cinquenta, fez mais um filme com Carné, L’ Air de Paris / 1954 e outros filmes pouco importantes com exceção de Mercado de Amor / Gibier de Potence / 1951 de Roger Richebé e A Grande Paixão / Le Grand Jeu / 1954 de Robert Siodmak, interpretando o papel que fôra de Françoise  Rosay na primeira versão, A Última Cartada / 1934, de Jacques Feyder. No final dos anos cinquenta, Arletty ficou ameaçada de cegueira e em 1962 atuou no seu último filme, Le Voyage a Biarritz de Gilles Grangier.

Françoise Arnoul

FRANÇOISE ARNOUL (1931-  ). Nome verdadeiro: Françoise Annette Marie Mathilde Gautsch. Local de nascimento: Constantina, Franca (hoje Argélia).

Filha de uma atriz de teatro, Janine Henry e de um general de artilharia, Charles Gautsch. Em 1945, quando seu pai continuou seu serviço militar em Marrocos, o restante da família transferiu-se para Paris.

Após estudar arte dramática na “Cidade-Luz”, Françoise chamou a atenção do diretor Willy Rozier, que lhe ofereceu um papel no filme Tormentos do Desejo / Épave / 1949, no qual deveria aparecer despida. Esta aparição fez dela uma estrela aos 18 anos de idade embora tivesse sido dublada na cena em que deveria mostrar a nudez de sua personagem. Sua carinha bonita e felina, sua feminilidade provocante ocultavam ainda as qualidades intrínsecas de atriz.

Ralph Habib deu-lhe papéis de moça perdida (Companheiras da Noite /  Compagnes de la Nuit  / 1953) e ninfomaníaca (Fúria de Amor / La Rage au Corps / 1954), mas ela teve melhores chances com Henri Verneuil (Fruto Proibido / Le Fruit Défendu / 1952 e O Carneiro de Cinco Patas / Le Mouton a Cinq Pates /1954, contracenando em ambos com Fernandel; Os Amantes do Tejo / Les Amants du Tage / 1955 ao lado de Daniel Gélin).

Entretanto, seus melhores filmes devem-se a Jean Renoir (que a chamou para o elenco de French Can Can / French  Can Can / 1955 , no  qual interpretava o papel de Nini, a pequena lavadeira que Danglar / Jean Gabin, o dono do Moulin Rouge,  transformava em uma estrela do cancan) e Henri Decoin (que a dirigiu ao lado novamente de Gabin em Vítimas do Destino / Des Gens Sans Importance / 1956 e a orientou na composição de Suzanne Ménersier, codinome Cora, a jovem que, durante a Ocupação, assume o lugar do marido morto pela Gestado em uma rêde de Resistência em A Gata / La  Chatte / 1958 e sua continuação, A Gata Mostra as Unhas / La Chatte Sort Ses Griffes / 1960). Com esses dois filmes, vestindo uma capa impermeável preta (confecionada por Guy Laroche), que lhe moldava o corpo perfeito, Françoise ascendeu ao topo da bilheteria.

A partir dos anos 60, Françoise apareceu menos nas telas, tendo sido seu último filme até o momento, Beau Rivage / 2011 de Julien Donada.

MIreille Balin

MIREILLE BALIN (1909-1968). Nome verdadeiro: Blanche Mireille Césarine Balin. Local de nascimento: Monte-Carlo, Mônaco.

Ela era a encarnação ideal da mulher fatal sofisticada dos anos trinta. Infelizmente, seu sucesso e sua popularidade duraram pouco, cerca de dez anos apenas. Quando a família mudou-se para Paris, Mireille tornou-se quase que naturalmente manequim da alta costura. Sua iniciação no cinema se efetivou sob o comando de G. W. Pabst, que lhe confiou um papel pequeno na versão francêsa de seu Don Quixote / 1932. Pouco depois, Robert Siodmak escolheu-a para outra intervenção modesta em Le Sexe Faible / 1933. Finalmente, na comédia Si j’étais le Patron / 1934 de Richard Pottier, ela figurou em primeiro plano.

Pouco depois, revelou-se para milhões de espectadores, formando um casal mítico com Jean Gabin em dois clássicos do cinema francês de antes da guerra: O Demônio da Algéria / Pépé le Moko / 1936 de Julien Duvivier e Gula de Amor / Gueule d’Amour / 1937 de Jean Grémillon Mireille foi chamada por Hollywood, aceitou a proposta da MGM, mas não lhe propuzeram nenhum filme, e ela voltou para seu país.

A atriz não conseguiu atingir mais o mesmo pico artístico de seus dois grandes sucessos, que ela acabara de alcançar aos vinte e cinco anos de idade. Incluída em aventuras militares (Alta Espionagem / Le Capitaine Benoît / 1938 de Maurice de Canonge; Coups de Feu / 1939 de René Barberis) e melodramas estrelados por cantores como Tino Rossi (O Ídolo das Mulheres ou O Anjo e a Pecadora / Naples, au Baiser de Feu / 1937 de Augusto Genina, no qual se encontrava também Viviane Romance) ou Tito Schipa (Terra de Fogo / Terre de Feu / 1938 de Marcel l’Herbier) surgiu duas vêzes em 1939 ao lado de Erich von Stroheim em Ménaces de Edmond T. de Gréville e Macao, o Inferno do Jôgo / Macao, l’Enfer du Jeu de Jean Delannoy.

Mireille teve um relacionamento amoroso com Tino Rossi, que terminou em setembro em1941. Após cinco filmes em 1942, entre os quais se destacaram L’Assassin a Peur la Nuit de Jean Delannoy e Dernier Atout de Jacques Becker, ela fez em 1946 sua última aparição no cinema, integrando o elenco de La Dernière Chevauchée de Léon Mathot.

Em setembro de 1944, Mireille foi presa em Beausoleil  com seu amante alemão, Birl Desbok, pelos membros da FFI (Fôrças Francêsas do Interior), quando o casal tentava ultrapassar a fronteira com a Itália. Ela foi espancada e estuprada pelos resistentes embriagados e Desbok provavelmente assassinado ao ser preso, pois ninguém mais ouviu falar dele. No tribunal, acusaram-na de ter atuado no filme fascista Alcazar / L’Assedio dell Alcazar / 1940 de Augusto Genina e nos festivais artísticos da embaixada da Alemanha em Paris. MIreille  foi libertada em janeiro de 1945.

Marie Bell

MARIE BELL  (1900 – 1985). Nome verdadeiro: Marie-Jeanne Bellon Downey. Local de nascimento: Bègles, França.

Passou sua infância na Inglaterra, onde vivia seu pai, de origem irlandesa. Aprendeu dança clássica e estreou na cena londrina aos treze anos de idade. Retornando à França, orientou-se para a arte dramática, primeiramente no Conservatório de Bordeaux e depois em Paris. Em 1921, o primeiro prêmio do Conservatório abriu-lhe as portas da Comédie Française.

Marie Bell seria membro permanente da Comédie de 1928 a 1946 e alí faria uma carreira magistral: Fernand Ledoux dirigiu-a em 1937 em “Les Affaires sont les Affaires” de Octave Mirbeau; para Pierre Dux, em 1938, ele foi a rainha de “Ruy Blas” e depois Roxane em “Cyrano de Bergerac”. As heroínas de Racine ou Corneille lhe convinham particularmente, fôsse Esther ou Chimène.  Em 1942, ela encontrou seu papel predileto: Jean-Louis Barrault dirigiu-a em “Phèdre”. André Malraux disse: “Ver Marie Bell em “Phèdre” é uma chance única de saber o que é o gênio francês”.

Sua trajetória cinematográfica também suscita entusiasmo, tendo atuado como estrela ao lado de Jean Murat em L’Homme à l’Hispano / 1933 de Jean Epstein; Amor e Lágrimas / Poliche / 1934 de Abel Gance; Véspera de Combate / Veille d’Armes / 1935 de Marcel l’Herbier; Pierre Fresnay em  A Vida de um Moço Pobre / Le Roman d’un Jeune Homme Pauvre / 1935 de Abel Gance e La Charrete Fantôme; Vagas Estrelas da Ursa / Vaghe Stelle dell’Orsa / 1939 de Julien Duvivier; Arletty em A Emancipada / La Garçonne / 1936 de Jean de Limur; Raimu e Michel Simon em Noite de Farra / Noix de Coco / 1939 de Jean Boyer.

Entretanto, foram seus dois filmes mais célebres A Última Cartada / Le Grand Jeu / 1933 de Jacques Feyder e Um Carnet de Baile / Un Carnet de Bal / 1937 de Julien Duvivier que a consagraram na História do Cinema Francês. No primeiro, Jacques Feyder confiou-lhe um papel duplo – Florence e Irma, os dois amores de Pierre (Pierre Richard-Willm) – porém Marie nos tocou mais quando, com os cabelos tingidos de preto (como Irma), falou com a voz de sua dubladora, Claude Marcy. No segundo, ela está em todos os esquetes porém, se gostamos de rever sempre esta obra admirável, é mais por causa de seus colegas, Sylvie e Pierre Blanchard, Raimu e Françoise Rosay, Fernandel e Raimu e sobretudo Louis Jouvet como o gângster Pierre Verdier, vulgo Jo, amor de juventude da bela Christine Surgère (Marie Bell), recitando melancolicamente o “Colloque Sentimental” de Verlaine.

Em 1943, no filme de René Le Hénaff, Coronel Chabert  – A Grande Perfídia / Le Colonel Chabert, ao lado de Raimu, Marie impressionou a todos por sua composição perfeita da odiosa condessa Rosine Ferraud, que se recusa a acreditar no retorno de seu marido, veterano sem braço das guerras napoleônicas. No resto de sua filmografia sobressai somente sua participação em Vagas Estrelas da Ursa / Vaghe Stelle dell’Orsa … / 1965 de Luchino Visconti como a mãe de Sandra (Claudia Cardinale) e Gianni (Jean Sorel). Seu último filme foi Les Volets Clos / 1973 de Jean-Claude Brialy.

Em junho de 1947, Marie Bell chegou ao Brasil com sua Companhia Francêsa de Comédias, estreando no Teatro Municipal do Rio de Janeiro no dia 23 com as peças “On Ne Badine Pas Avec L’Amour” de Alfred de Musset e “L’Impromtu de Versailles” de Molière.

Martine Carol

MARTINE CAROL (1920 – 1967). Nome verdadeiro: Marie-Louise Jeanne Nicolle Mourer. Local de nascimento: Saint-Mandé, Val-de-Marne, Île-de-France, França.

Estudou arte dramática com René Simon e começou a fazer testes para o teatro usando o nome de Maryse Arley. Ela obteve alguns papéis no palco inclusive, curiosamente, na peça “Phedre”. Seu amigo e colega de curso, François Périer lhe indicou uma pequena participação no filme La Ferme aux Loups / 1943 e decidiu que ela passaria a se chamar Martine Carol.

Durante a Segunda Guerra Mundial, Martine apareceu em dois filmes bem recebidos pelos críticos: Le Dernier des Six / 1941 de Georges Lacombe  e Les Inconnus dans la Maison / 1942 de Henri Decoin: ela dizia apenas uma palavra ou duas, mas estava no mesmo elenco que Pierre Fresnay e Raimu!  Após uma pequena intervenção em outro filme importante, Os Amantes de Verona / Les Amants de Vérone / 1949 de André Cayatte, ela obteve seu primeiro papel principal em Cuidado com as Louras / Méfiez-vous des Blondes / 1950 de André Hunebelle.

Martine finalmente, ficou famosa com Os Amores de Carolina / Caroline Chérie / 1951, realização de Richard Pottier baseada em um romance de Cécil Saint-Laurent, no qual oferecia algumas cenas despidas (em uma das quais foi dublada por Nadine Tallier) em um ambiente pseudo-revolucionário. O filme originou uma continuação, Caprichos de uma Mulher / Un Caprice de Caroline Chérie / 1952 dirigido por Jean-Devaivre, também de enorme sucesso comercial.

Em 1953, dá-se o encontro de Martine com Christian-Jaque, seu futuro marido e mentor. Sob a direção dele, Martine foi sucessivamente Lucrécia Borgia em Os Amores de Lucrécia Bórgia / Lucrèce Borgia / 1953, Madame du Barry em Madame du Barry / Madame du Barry / 1954, Nana em Naná / Nana / 1955, Lysistrata em um dos segmentos de Destino de Mulher / Destinées / 1954, que contava com a colaboração de vários diretores.

Em 1952 um grande diretor, René Clair, solicitou a presença de Martine no seu Esta Noite é Minha / Les Belles de Nuit e, em 1955, outro cineasta emérito, Preston Sturges, colocou-a em As Memórias do Major Thompson / Les Carnets du Major Thompson. No mesmo ano, foi a vez de Max Ophuls convocá-la para Lola Montès / Lola Montès, e ela demonstrou ser uma atriz de talento, e não apenas um símbolo sexual.

No final dos anos cinquenta e início dos anos sessenta, Martine ainda fez muitos filmes, inclusive em lingua inglêsa (vg. A Brutal Aventura / Action of the Tiger / 1957 de Terence Young; A Dez Segundos do Inferno / Ten Seconds to Hell / 1959 de Robert Aldrich) e Jean Gabin lhe estendeu a mão, arranjando-lhe uma participação em O Rei dos Falsários / Le Cave se Rebiffe / 1961, excelente policial de Gilles Grangier; porém a loura formosa e sensual foi ofuscada pela jovem Brigitte Bardot e pela Nouvelle Vague. Em 1967, aos 47 anos de idade, após crises de depressão e excesso de medicamentos, Martine Carol foi encontrada morta no seu quarto de hotel em Monte-Carlo. Seu último filme foi Hell is Empty / 1967 de John Ainsworth e Bernard Knowles.

Maria Casarès

MARIA CASARÈS (1922-1996). Nome verdadeiro: Maria Victoria Casares Pérez. Local de nascimento: Corunha, Galícia, Espanha.

Filha de Gloria Pérez e Santiago Casares Quiroga, Primeiro Ministro da Espanha Republicana. Em 1931, a família vai para Madrid, onde Maria inicia sua vida teatral. Ao irromper a Guerra Civil Espanhola em 1936 e com a ascenção de Franco, a família é obrigada a deixar o país, instalando-se em Paris. Maria se matricula no liceu Victor-Duruy e aprende o idioma francês. Trava conhecimento através de amigos com o ator Pierre Alcover e sua esposa Colonna Romano, membro permanente  da Comédie Française.

De origem espanhola, o casal estimula Maria a continuar fazendo teatro. Ela tenta entrar para o Conservatório, mas é reprovada por causa do sotaque. Para tentar de novo, Maria frequenta o curso de René Simon, estuda com Béatrix Dussane e finalmente consegue ser admitida no Théâtre des Mathurins, cujos patrões, Marcel Herrand e Jean Marchat montam para ela entre 1942 e 1944, peças de  Synge, Georges Neveu,  Ibsen e Camus. Em 1946, ela interpreta “Roméo et Juliette” de Jean Anouilh pela primeira vez com Jean Villar no Théâtre de l’Atelier. De 1952 a 1954, Maria é contratada  da Comédie Française e, de 1954 a 1959, passa a integrar o TNP de Jean Villar e suas atuações, notadamente como Lady Macbeth, contribuiram muito para a reputação  do Festival de Avignon.

Quatro grandes filmes marcam a carreira cinematográfica de Maria Casarès: O Boulevard do Crime / Les Enfants du Paradis / 1945) de Marcel Carné; As Damas do Bois de Boulogne / Les Dames du Bois de Boulogne / 1945 de Robert Bresson; Amores Eternos ou A Sombra do Patíbulo / La Chartreuse de Parme  / 1947 de Christian-Jaque e Orfeu / Orphée / 1950 de Jean Cocteau. Neles, Maria viveu personagens inesquecíveis pela ordem: a doce Nathalie que disputa com Garance (Arletty) o coração do mímico Baptiste Debureau (Jean-Louis Barrault); a ciumenta e vingativa Hélène que faz seu amante (Paul Bernard) se casar com uma mulher perdida; a Duquesa Gina de San Severina que nutre um amor secreto pelo sobrinho Fabricio del Dongo (Gérard Philipe) e a Princesa da Morte que se  apaixona por Orfeu (Jean Marais) e faz com sua esposa, Eurídice (Marie Déa), morra.

Dos outros filmes que fêz merecem destaque: Desonra / Roger la Honte / 1946 de André Cayatte e Bagarres / 1948 de Henri Calef. Maria continuou trabalhando na televisão até 1989 (na minissérie Les Nuits Revolutionnaires) e no cinema até 1995 (no filme Someone Else’s America de Goran Pashaljevic).

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by AC
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Ele era um contador de histórias clássico, perfeccionista, sempre buscando o realismo e explorando temas envolvendo dramas individualistas de consciência.

Fred Zinnemann

Alfred Zinnemann (1907- 1997), nasceu em Viena, Austria-Hungria, filho do Dr. Oskar e Anna (Feiwel) Zinnemann. Quando criança estudou violino, mas logo percebeu que não tinha talento para ser músico. À custa de muito tédio, ele se formou em Direito pela Universidade de Viena e logo voltou sua atenção para o cinema, impressionado por quatro filmes que viu em vez de assistir às aulas, e que mudariam sua vida: Ouro e Maldição / Greed / 1923 de Erich von Stroheim; O Encouraçado Potemkin / Bronenosets Potyomkin / 1925 de Sergei Eisenstein; O Grande Desfile / The Big Parade / 1925 de King Vidor; A Paixão de Joana D´Arc / La Passion de Jeanne D´Arc / 1928 de Carl Dreyer, obras que ilustravam o potencial criativo do novo meio de expressão. Quando seu pai e toda a família perceberam sua obstinação em penetrar no mundo cinematográfico, eles acabaram concordando, porém insistiram que, se era isso que ele queria, deveria ser propriamente treinado.

Em 1927, aos vinte anos de idade, ele acompanhou um amigo de escola, Gunter von Fritsch, à recentemente fundada École National Supérieure Louis-Lumière em Paris, onde aprendeu os fundamentos da sua futura profissão. Incapaz de conseguir trabalho na França, porque não era cidadão francês, ele foi para Berlim, onde participou de três filmes: Ich Kusse Ihre Hand, Madame / 1929 (Dir: Robert Land); Sprengbagger 1010 / 1929 Dir: Karl Ludwig Achaz-Duiberg) e Menschen am Sonntag / 1929 (Dir: Robert Siodmak, assistido por Edgar G. Ulmer). Billy Wilder escreveu o roteiro e Zinnemann desempenhava a função de assistente do fotógrafo Eugene Shufftan. O filme era uma crônica sobre um fim de semana de alguns berlinenses, rodada em esquema amador, mas ajudou a carreira dos envolvidos, que acabaram se transferindo para os Estados Unidos.

Zinnemann chegou em Nova York em outubro de 1929 com 500 dólares no bolso e uma carta de introdução para o chefão da Universal, Carl Laemmle. Este o encaminhou para o seu diretor de elenco, que o colocou como extra em Sem Novidade no Front / All Quiet on the Western Front / 1930 de Lewis Milestone. Zinnemann apareceu como um soldado alemão e como chofer de ambulância francês. Sua participação como figurante terminou quando ele foi despedido por ter se desentendido com um assistente de direção.

Um encontro importante nestes primeiros tempos em Hollywood foi com outro expatriado austríaco, Berthold Viertel, que havia se transferido para a América como roteirista de F. W. Murnau e agora estava fazendo filmes na Fox.  Zinnnemann trabalhou como assistente de Viertel entre 1931 e 1934. Foi através de Viertel que ele conheceu o homem que exerceria a maior influência artística em sua carreira, Robert Flaherty. Durante seis meses, em Berlim, Zinnemann serviu como seu colaborador em um projeto que infelizmente não foi avante, mas aprendeu muito com o grande documentarista, principalmente a importância que o mestre dava à veracidade como componente fundamental de um filme e à independência de espírito indispensável para realizá-lo.

Quando retornou à América, Zinnemann teve dificuldade de obter trabalho. Em 1932, ajudou Gregg Toland e Busby Berkeley a selecionar ângulos de câmera para as sequências de dança de uma comédia musical com Eddie Cantor, Meu Boi Morreu / The Kid of Spain, dirigida por Leo Mc Carey. Sua estréia na direção deu-se em 1934, indiretamente através de Flaherty. Através dele, ele conheceu outros diretores de documentários, inclusive Henwar Rodakiewicz, que estava previsto para fazer com o grande fotógrafo Paul Strand um documentário encomendado pelo Ministério de Belas Artes do México sobre a revolta de pescadores da região de Alvarado explorados por um negociante inescrupuloso. Como Rodakiewicz tinha outro compromisso, recomendou Zinneman. Embora nos créditos apareça o nome de Gomez Muriel como codiretor, na verdade ele atuou apenas como assistente de direção. Montado por Gunther von Fritsch, o filme revela a influência do cinema de Eisenstein, Pudovkin e Flaherty. De volta a Hollywood, Zinemann escreveu, de parceria com Henwar Roakiewicz, um roteiro intitulado Bonanza sobre um jovem índio mexicano; ele foi vendido para a MGM, mas nunca produzido. Trabalhou ainda durante três dias como “consultor técnico” no filme de William Wyler, Infâmia / These Three / 1936, supervisionando a decoração de um café em Viena e até ousando sugerir um que ângulo de câmera ao diretor.

Em 1937, ao exibir dois rolos de Redes a Jack Chertok, chefe do Departamento de Curtas-Metragens do estúdio, foi aceito e ali trabalhou de 1937 a 1942, participando de 18 curtas: 1938 – Verdadeiro Amigo / A Friend Indeed (Pete Smith Specialty); A História do Dr. Carver / The Story of Dr. Carver (Pete Smith Specialty); Salvando a Vida das Mães / That Mothers May Live (Historical Mysteries); Sono que Mata / Tracking the Sleeping Death (Carey Wilson Miniature); Enquanto a América Dorme / While America Sleeps ( O Crime Não Compensa / Crime Does Not Pay); Agência de Empregados / Help Wanted! (O Crime não Compensa); A Vida lhes Sorri de Novo / They Live Again (Historical Mysteries). 1939 – Profetas do Tempo / Weather Wizards (Pete Smith Specialty); Um Contra o Mundo / One Against the World (John Nesbitt´s Passing Parade); A Flotilha de Lança-Bombas / The Ash-Can Fleet; Vitória Esquecida / Forgotten Victory (John Nesbitt´s Passing Parade). 1940 -O Velho Sul / The Old South (MGM Miniature); Stuffie / Stuffie (Pete Smith Specialty); Um Caminho nas Selvas. / A Way in the Wilderness (John Nesbitt´s Passing Parade); O Grande Intrometido / The Great Medddler (Carey Wilson Miniature). 1941 – Caminho Perdido / Forbidden Passage (O Crime não Compensa); O Último Ato / Your Last Act (John Nesbitt´s Passing Parade). 1942 – Mulher ou Tigre? / The Lady or the Tiger? (Carey Wilson Miniature). Neste período de sua carreira, Zinnemann aprendeu realmente seu ofício. Trabalhando com orçamento reduzido, prazo muito curto e metragem previamente estabelecida (dentro dos limites de um ou dos rolos), tinha de inventar modos cinematográficos de expor o tema rápida e efetivamente. Salvando a Vida das Mães, sobre o Dr. Ignaz Phillip Semmelweiss, pioneiro no uso de antissépticos em obstetrícia, recebeu um Oscar da Academia.

Um Assassino de Luvas

Olhos na Noite

Quando Jack Chertok foi promovido do Departamento de Curtas-Metragens para a produção de filmes de longa-metragem classe B, levou Zinnemann consigo. Dois dramas criminais, modestos em orçamento, mas muito eficientes, inauguraram seu novo contrato de sete anos: Um Assassino de Luvas / Kid Glove Killer e Olhos na Noite / Eyes in the Night, ambos lançados em 1942. O primeiro filme é sobre um político corrupto e assassino. Gerry Ladimer (Lee Bowman), cujo crime e envolvimento com um gângster é eventualmente exposto por um trabalho de laboratório de polícia técnica e científica inteligente, tendo à frente o criminologista Gordon McKay (Van Heflin). No segundo filme, o herói é um detetive cego e de meia-idade, Capitão Duncan Maclain (Edward Arnold, que ajuda uma jovem, Barbara Lawry (Donna Reed) e sua madrasta, Norma (Ann Harding) envolvidas no assassinato de um ator (John Emery), e descobre um bando de espiões nazistas com a ajuda inestimável de seu cão Friday.

A Sétima Cruz

O próximo filme dirigido por Zinnemann, A Sétima Cruz / The Seventh Cross /1944 marcou a entrada do diretor na produção classe A. Baseado em um romance de Anna Seghers, é um drama de guerra contando a fuga de sete homens de um campo de concentração nazista de antes da guerra. O comandante do campo manda erguer sete cruzes e cada fugitivo capturado é torturado e crucificado. Seis homens são presos e mortos. O sétimo prisioneiro, George Heisler (Spencer Tracy), procura ajuda de várias pessoas que, por sua presença, são obrigadas a se expor, algumas aceitando vários riscos pessoais, outras simplesmente lhe virando as costas. O espectador compartilha as angústias e esperanças de Heisler de conseguir embarcar para Holanda, construindo-se um suspense permanente. A atmosfera de constante apreensão deveu-se sobretudo à fotografia de Karl Freund, mentor do expressionismo alemão e à interpretação de Tracy e de bons coadjuvantes como Hume Cronin, Jessica Tandy, Agnes Morehead, Signe Hasso, George Macready, principalmente Cronin, indicado para o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.  Cronin é Paul, velho amigo de Heisler, um operário confuso que pensava que Hitler era um grande homem porque “todo mundo está trabalhando” e depois encontra coragem para salvar seu amigo arriscando a vida de sua família e a própria.

Após a experiência empolgante de A Sétima Cruz, Zinneman assumiu a direção de O Ponteiro da Saudade / The Clock / 1945 mas, depois de uma quinzena de filmagem, foi substituído por Vincente Minnelli por insistência da estrela Judy Garland. Em seguida, Zinneman recusou vários roteiros que lhe foram enviados e acabou sendo suspenso por três semanas.

Finda a suspensão, o estúdio mandou-o de volta para a área do filme B e neste período dirigiu O Pequeno Mr. Jim / Little Mr. Jim / 1946 e Meu Irmão Fala com Cavalos / My Brother Talks to Horses / 1947, ambos aproveitando a popularidade na época do ator infantil Jackie “Butch” Jenkins. Provavelmente desinteressado pelos roteiros que lhe impuzeram, Zinneman desistiu de qualquer esforço e assinou essas produções, narradas com correção, mas que nada acrescentam à sua filmografia.

Perdidos na Tormenta

O diretor teve melhor chance de mostrar sua aptidão cinematográfica quando o produtor suíço Lazar Wechsler, propôs à MGM a realização de um filme, nos moldes do neorealismo italiano, sobre crianças orfãs deslocadas da Segunda Guerra Mundial. Perdidos na Tormenta / The Search / 1949, é um drama pungente do pós-guerra, mostrando o esforço da UNRRA (United Nations Relief and Rehabilitation Administration) para reajustar aqueles menores traumatizados e, em particular, a odisséia de uma mãe (Jarmila Novotna) e de um filho (Ivan Jandl) separados pela voragem que atingiu o solo da Tchecoslováquia. Mostra também a dedicação de um soldado americano na Alemanha, Ralph Stevenson (Montgomery Clift), que ajuda o menino a encontrar sua progenitora. Conduzido em um estilo semidocumentário (sobressaindo aquele início comovente da chegada das crianças ao campo da UNRRA em vagões de gado, seus rostos iluminados pela lanterna de Mrs. Murray / Aline MacMahon), é uma visão austera e dura das consequências da guerra. Apesar do artificialismo de certas situações, o espetáculo tocou o coração do público, e garantiu a Zinneman sua primeira indicação ao Oscar, proporcionando também indicação para Montgomery Clift e de Melhor Roteiro para Richard Shweizer e David Wechsler.

Ato de Violência

O último e melhor filme de Zinnemann na década de quarenta foi Ato de Violência / Act of Violence / 1949, é um drama criminal com uma boa história. Joe Parkson (Robert Ryan) único sobrevivente de um massacre de fugitivos de um campo de prisioneiros durante a Segunda Guerra Mundial, move uma perseguição implacável contra seu ex-companheiro de exército, Frank Enley (Van Heflin), que informara os alemães do plano de evasão. Aterrorizado, Enley foge e se refugia em um bar. Ali conhece uma prostituta (Mary Astor), que arranja um assassino de aluguel para “cuidar” de Parkson. Entretanto, atormentado pelo remorso, Enley intervém no último momento, sacrificando-se para salvar a vida de seu perseguidor. O filme é narrado por Zinnemann em ritmo nervoso, forjando um clima de permanente tensão. As consequências remotas da guerra sobre a psicologia de ex-combatentes, o defeito físico de Parkson, os sentimentos de culpa e de vingança e a notável fotografia contrastada, tanto nos exteriores – filmados realmente de noite – como nos interiores, são elementos dignos dos melhores filmes noir. O encontro de Parkinson com Enley na festa da Convenção e a fuga de Enley pelas ruas da cidade à noite até entrar no bar, onde está a prostituta; a correria de Enley pelo túnel recordando o passado e o seu grito exasperante; o momento final, quando Enley e Parkson caminham um em direção ao outro sob o barulho do trem e do vento enquanto o assassino no carro aponta a arma para matar Parkson, são exemplos veementes da aptidão cinematográfica do diretor.

Esta foi confirmada nos anos cinquenta, com destaque para os títulos que estão em negrito: 1950 – Espíritos Indômitos / The Men, drama passado em um hospital para paraplégicos com Marlon Brando, Teresa Wright, Everett Sloane, indicado Carl Foreman para o Oscar de Melhor História e Roteiro (Stanley Kramer / UA) 1951 – Teresa / Teresa, drama romântico com Pier Angeli, John Ericson, Patricia Collinge, indicados Stewart Stern e Alfred Hayes para o Oscar de Melhor História Original (MGM). 1952 – Matar ou Morrer / High Noon; Cruel Desengano / The Member of the Wedding, drama familiar com Julie Harris, Ethel Waters, Brandon de Wilde, indicada Julie Harris para o Oscar de Melhor Atriz (Stanley Kramer / Columbia). 1953 – A Um Passo da Eternidade / From Here to Eternity. 1955 – Oklahoma! / Oklahoma! musical baseado na peça da Broadway de Rodgers e Hammerstein com Gordon McRae, Shirley Jones, Gloria Grahame, Gene Nelson, Rod Steiger, premiados Robert Russel Bennett, Adolph Deutsch e Jay Blackton com o Oscar de Melhor Música (de musical) e o Departamento de Som da Tood-AO / Fred Hines com o Oscar de Melhor Som (Arthur Hornblow, Jr.  Magna / RKO). 1957 -Cárcere sem Grades / A Hatful of Rain, drama sobre um veterano da Guerra da Coréia viciado em morfina com Eva Marie Saint, Don Murray, Anthony Franciosa, indicado Anthony Franciosa para o Oscar de Melhor Ator (20th Century-Fox. 1959 – Uma Cruz à Beira do Abismo / The Nun´s Story. Em 1951, Zinnemann realizou, com a cooperação da Paramount Pictures, o documentário Benjy, narrado por Henry Fonda e destinado a angariar fundos para o Hospital Ortopédico de Los Angeles.

Matar. ou Morrer

Matar ou Morrer é uma espécie de reverso do western tradicional, não só por ter uma relação com a realidade da época em que foi feito (constituindo-se em uma alegoria do medo que tomou conta da comunidade de Hollywood durante o Macartismo) como também por apresentar um outro tipo de herói. O xerife Will Kane (Gary Cooper) não é mais aquele homem invencível, seguro de si mesmo e dos valores que representa e defende, mas um indivíduo angustiado, desencantado e traído, que finalmente conquistará a sua própria estima e jogará desdenhosamente o distintivo no chão, antes de deixar a cidade que ele salvou contra a vontade dela e que ele despreza. O rigor trágico da construção dramática (obedecendo escrupulosamente à regra clássica das três unidades) e da direção são igualmente fora do comum. A música lancinante lembra sem cessar o tema do abandono e a montagem, bastante seca, é cada vez mais rápida à medida que a tensão aumenta. Os enquadramentos são muito elaborados e carregados de sentido. Por exemplo, o admirável travelling para trás em câmera alta quando Kane caminha sozinho pela rua. Este plano, por si só, resume todo o filme.

A Um Passo da Eternidade

A Um Passo da Eternidade é um drama sobre a vida em uma base militar americana no Havaí pouco antes do ataque japonês a Pearl Harbor, lugar onde se cruzam os destinos de alguns homens e duas mulheres. O soldado Robert E. Lee Prewitt (Montgomery Clift), por ter jurado nunca mais calçar luvas desde que provocara a cegueira de um amigo durante um treinamento no ringue, não cede às pressões do Capitão Dana Holmes (Philip Ober), sendo submetido a uma punição física disfarçada de serviço extra. Karen (Deborah Kerr), esposa promíscua do Capitão, tem um caso com o Sargento Milton Warden (Burt Lancaster). O amigo de Prewitt, Angelo Maggio (Frank Sinatra) torna-se desertor, é preso, sádicamente torturado, e depois morto pelo sargento “Fatso” Judson (Ernest Borgnine). Prewitt apaixona-se pela prostituta Lorene (Donna Reed), que o ama, mas não está disposta a se juntar a um simples soldado. Zinnemann dirigiu com firmeza e sensibilidade esta obra audaciosa na sua crítica incisiva ao exército e profundamente humana na descrição dos problemas pessoais dos personagens, que culmina com a tragédia do bombardeio imprevisível da guarnição. A virtuosidade técnica e artística da produção foi devidamente recompensada com o Oscar Melhor Filme, Diretor, Ator Coadjuvante (Frank Sinatra), Atriz Coadjuvante (Donna Reed), Roteiro (Daniel Taradash), Fotografia preto e branco (Burnett Guffey), Montagem (William Lyon), Som (Departamento de som da Columbia / John P. Livadary) e indicações para Melhor Ator (Burt Lancaster), Atriz (Deborah Kerr), Música de filme não musical (George Dunning) e Figurino preto e branco (Jean Louis).

Uma Cruz à Beira do Abismo

Uma Cruz à Beira do Abismo é uma descrição pungente da vocação religiosa de uma jovem belga, Gabrielle Van der Mal (Audrey Hepburn), desenvolvida com amplitude e profundidade, evoluindo de um convento na Bélgica a um hospital no Congo para finalmente voltar à Bélgica no momento da ocupação alemã durante a Segunda Guerra Mundial. O filme expõe suas dúvidas, seus erros, seu individualismo, sua resistência à obediência absoluta e cega que se exige dela. A câmera penetra na intimidade de uma comunidade religiosa enclausurada com suas cerimônias, suas práticas, suas regras, seus sacrifícios. Zinneman trata magistralmente este tema delicado e complexo e não deixa cair o interesse um só instante durante o longo desenrolar da narrativa. O espetáculo suscitou Indicações ao Oscar de Melhor Filme, Atriz (Audrey Hepburn), Som (George Groves Montagem (Walter Thompson), Música de filme não musical (Franz Waxman).

Nos anos 60 e 70, Zinnemann continuou fazendo bons filmes, sobressaindo os dois cujo títulos estão escritos com traços mais grossos: 1960 – Peregrino da Esperança / The Sundowners, drama com Robert Mitchum, Deborah Kerr, Peter Ustinov, Glynis Johns e indicações ao Oscar de Melhor Filme, Diretor, Roteiro (Isobel Lennart), Atriz (Deborah Kerr) Atriz Coadjuvante (Glynis Johns). 1964 – A Voz do Sangue / Behold a Pale Horse, drama com Gregory Peck, Anthony Quinn, Omar Shariff, Raymond Pellegrin. 1966 – O Homem Que Não Vendeu Sua Alma / A Man For All Seasons. 1973 – O Dia do Chacal / The Day of the Jackal. 1977 – Julia / Julia. 1982 – Cinco Dias de um Verão / Five Days One Summer, drama com Sean Connery, Betsy Brantley, Lambert Wilson, Jennifer Hilary.

O Homem Que Nâo Vendeu Sua Alma

O Homem Que Não Vendeu Sua Alma é um drama histórico-biográfico realçando a personalidade de um homem, coerente e íntegro, fiel a seus princípios e à sua fé. Thomas More (Paul Scofield) se opõe a Henrique VIII (Robert Shaw), que quer se divorciar de Catarina de Aragão para se casar com sua amante Ana Bolena (Vanessa Redgrave). Quando o Cardeal Wolsey (Orson Welles) e depois o terrível ministro Cromwell (Leo McKern) lhe pedem para interceder junto ao Papa para anular o primeiro casamento, Thomas, então nomeado Chanceler do Reino, recusa e passa a correr grande perigo. Zinnemann consegue tornar atraente o que poderia ter sido apenas uma tediosa reconstituição histórica, retratando e analizando com inteligência e moderação o conflito ao mesmo tempo moral, filosófico e político que opõe o rei ao humanista católico, de vida piedosa e tranquila, deixando de lado a vida amorosa tumultuada do soberano. À virtuosidade técnica do diretor somam-se a interpretação de um elenco de grandes atores e um primoroso trabalho fotográfico, cenográfico. A produção ensejou

Oscar de Melhor Filme, Diretor, Ator (Paul Scofield), Roteiro Adaptado (Robert Bolt), Fotografia em cores (Ted Moore) e Figurino em cores (Elizabeth Haffenden, Joan Bridge) além de indicações para Ator Coadjuvante (Robert Shaw) e Atriz Coadjuvante (Wendy Hiller).

O Dia do Chacal

O Dia do Chacal é um thriller de espionagem excelente, baseado no livro best seller de Frederick Forsythe sobre uma tentativa de assassinato do presidente De Gaule por um misterioso matador de aluguel, conhecido como Chacal (Edward Fox). Para vencer o desafio de manter o interesse do espectador por uma história cujo fim ele já sabia (DeGaulle obviamente não foi assassinado) Zinneman usa sua reconhecida virtuosidade técnica com uma precisão matemática. Filmando em estilo de cinejornal, ele mostra os meticulosos preparativos do assassino profissional em paralelo com a investigação do serviço secreto francês, particularmente o Comissário de Polícia Claude Lebel (Michael Lonsdale), sem que o menor detalhe destas duas ações nos escape, mantendo sempre o nível de suspense e o interesse do espectador por uma trama recheada de detalhes, construída com um relógio suíço, com milhões de minúsculas peças que Zinnemann juntou com uma habilidade incrível, propiciando ao montador Ralph Kemplen uma indicação ao Oscar.

Julia

Julia é um drama baseado em um capítulo de “Pentimento: A Book of Portraits”, livro de memórias da renomada dramaturga Lillian Hellman, no qual ela descreve um episódio marcante de sua vida, envolvendo Júlia, nome fictício de uma amiga de infância de família rica que se transformou em uma ativista contra o nazismo. No filme, a certa altura da trama, Lillian (Jane Fonda) reencontra Julia (Vanessa Redgrave) na Rússia e é recrutada por esta para uma missão perigosa: transportar dinheiro clandestinamente para a resistência a Hitler na Alemanha. O roteiro de Alvin Sergeant pula para frente e para trás no tempo à medida em que a história da amizade de Lillian com Julia é contada e, paralelamente, mostra a ligação da dramaturga como escritor Dashiell Hammett (Jason Robards). Zinnemann manipula com esmero estilístico esta estrutura narrativa complexa e cria uma sensação de melancolia que se sustenta ao longo de toda a narrativa. O requinte visual é fortalecido pela fotografia de Douglas Slocombe e o sonoro pela música de Georges Delerue enquanto um conjunto de ótimos atores transmite perfeitamente as emoções de cada personagem. Resultaram Oscar para Jason Robards (Ator Coadjuvante, Vanessa Redgrave (Atriz Coadjuvante), Alvin Sargent (Roteiro Adaptado) e indicações para Melhor Filme, Atriz (Jane Fonda), Ator Coadjuvante (Maximilian Shell), Diretor, Fotografia (Douglas Slocombe), Montagem (Walter Murch, Marcel Durham), Música (Georges Delerue) e Figurino (Anthea Sylbert).

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PARTE 2: 1960-2005

1960 – Fusão da Screen Directors Guild com a Radio and TV Directors Guild, resultando o Directors Guild of America; esta associação confere o D. W. Griffith Award. Herbert Kalmus se aposenta. Dalton Trumbo primeiro dos “Dez de Hollywood” a ter novamente o nome nos créditos de um filme. Introduzida a versão em 70mm do technirama como super technirama 70 em Spartacus / Spartacus (Dir: Stanley Kubrick).

1961 – Estúdio da 20th Century-Fox vendido para a Aluminium Corporation of America (Alcoa) e a área transformada na Century City. Inaugurada a Hollywood Walk of Fame. Formada a Solar Productions (Steve McQueen e Robert E. Relyea). TWA primeira companhia aérea a exibir regularmente filmes a bordo de suas aeronaves (somente para passageiros da 1ª classe). Martin Rackin chefe da produção na Paramount.

1962 – Fusão da MCA com Universal International e Decca, voltando o nome Universal; Lew Wasserman presidente. Darryl Zanuck retorna à 20th Century-Fox como presidente; seu filho Richard Zanuck, chefe da produção.

1963 – As majors estão produzindo 70% da programação de televisão no horário nobre. Introduzida a televisão em cores nos Estados Unidos. Parkway Twin em Kansas City, primeiro cinema com duas salas. Devido a uma ação antitruste, a MCA deixa de ser agência de talentos. Estréia do New York Fim Festival, patrocinado pelo Lincoln Center for the Performing Arts.

1964 – Início do Universal City Studio Tour. Fusão da Association of Motion Picture Producers com Alliance of Television Film Producers resultando na Association of Motion Pictures and Television Producers. Primeiro telefilme apresentado regularmente: See How They Run (Dir: David Lowell Rich).

1965 – O sucesso de A Noviça Rebelde / The Sound of Music (Dir: Robert Wise) inaugura um ciclo de superproduções. O Homem do Prego / The Pawnbroker (Dir: Sidney Lumet) primeiro filme que apresenta uma breve cena de nu feminino que passou sem cortes pela Production Code Administration. Introduzido o filme Super 8mm. Fusão do Theaters Owners of America com Allied States Association of Motion Picture Exhibitors, resultando na National Association of Theatre Owners (NATO). Legião da Decência muda seu nome passando a ser chamada de National Catholic Office of Motion Pictures.

1966 – Paramount comprada pelo conglomerado Gulf+ Western Industries, Inc. (auto-peças, mineração, serviços financeiros); Charles Bluhdorn presidente, Robert Evans chefe da produção. Jack Valenti presidente da MPAA. Código de Produção é revisto. Walt Disney morre; seu irmão Roy Oliver Disney assume o controle da empresa. Criada a National Society of Film Critics.

1967 – United Artists torna-se uma subsidiária da Transamerica Corporation (companhia holding de várias seguradoras). Firma canadense Seven Arts Productions, Ltd. compra a Warner Bros. Formadas a Rastar Productions (Ray Syark); a Cannon Films (Dennis Friedland e Chris Dewey); a New Line Cinema (Robert Shaye); e a Malpaso Productions (Clint Eastwood). Hearst-Metrotone e Universal News cessam suas atividades. Criado o American Film Institute; a partir de 1973, conferidos os Life Achievements Awards.

1968 – Avco Corporation compra a Embassy Pictures, resultando na Avco-Embassy; Joseph E. Levine presidente até 1974. MPAA adota o sistema classificatório, que será imposto pela Code and Ratings Administration (CARA). Formadas a B.B.S. Productions (Berton Schneider, Bob Rafelson e Stephen Blauer), produtora dos films independentes mais importantes de 1969 a 1971 e a Lorimar Productions (Lee Rich e Merv Adelson), produtora de séries de televisão; em 1976, passa a produzir filmes.

1969 – Kinney National Services, Inc. (estacionamentos, casas funerárias), presidida por Steve J. Ross, compra a Warner Bros. – Seven Arts; Ted Ashley chefe da produção. Kirk Kirkorian (magnata dos hotéis) compra a MGM; James T. Aubrey chefe da produção. Formadas a American Zoetrope (Francis Ford Coppola) e a Wildwood Enterprises (Robert Redford e Richard Gregson). Astros da década: Alan Bates, Julie Andrews, Warren Beatty, John Cassavetes, Julie Christie, Faye Dunaway, Mia Farrow, Jane Fonda, James Garner, Elliott Gould, Richard Harris, Rex Harrison, Lawrence Harvey, Dustin Hoffman, Steve McQueen, Shirley MacLaine, Lee Marvin, Walter Matthau, Liza Minnelli, Jack Nicholson, David Niven, Peter O´Toole, George Peppard, Christopher Plummer, VIncent Price, Anthony Quinn, Robert Redford, Katherine Ross, George C. Scott, Peter Sellers, Omar Shariff, Barbra Streisand, Jon Voight, Natalie Wood e Susannah York.

1970 – Formadas a New World Pictures (Roger Corman) e a First Artists Production Company (Sidney Poitier, Paul Newman e Barbra Streisand). O sistema IMAX (abreviatura de maximum image), desenvolvido no Canadá, é apresentado na Exposição de Osaka no Japão. MGM promove leilão de seus adereços e vestuário, e vende parte do estúdio em Culver City. Ted Turner compra a UHF TV Station de Atlanta, que ele batizou de WTBS para a sua companhia Turner Broadcasting System, Inc.; através de sua subsidiária Turner Entertainment Co., a companhia controla os direitos de todos os filmes da MGM de 1924 a junho de 1986; o acervo de filmes da RKO de 1930 a 1957; todos os filmes da Warner Bros. de 1918 a 950.

1971 – Cresce a Hollywood Renaissance (período do final dos anos 60 a meados dos anos 70, quando Hollywood produziu uma quantidade relativamente alta de filmes ousados e inovadores, que pareciam ultrapassar os limites da produção convencional dos estúdios). Tanto o cinema “de arte” da Hollywood Renaissance como o fenômeno quase totalmente oposto dos dispendiosos blockbusters dos gigantescos conglomerados foram definidos pelo termo Nova Hollywood. Inaugurada a Walt Disney World na Flórida. Formada a Lion´s Gate (Robert Altman). Gordon Stulberg, presidente da 20th Century-Fox. Introdução do Sistema Dolby NR (Noise Reduction). Frank Yablans presidente da Paramount. Formada a Viacom, Inc., subsidiária da CBS. Vanished (Dir: Buzz Kulik), filme de televisão de quatro horas planejado para ser exibido em duas noites, inspira as minisséries. Firma japonesa Canon desenvolve as lentes macro zoom.

1972 – Ned Turner chefe de produção na Universal. Kinney forma a Warner Communications, Inc. para supervisionar suas atividades no campo do entretenimento, inclusive a Warner Bros. Criado o Burbank Studios (TBS) quando a Warner Bros. convidou a Columbia Pictures para compartilhar as suas instalações em Burbank. Concebido, por Ely A. Landau, o American Film Theatre, para oferecer versões cinematográficas dos grandes clássicos do palco (v.g. The Iceman Cometh, Rhinoceros, Three Sisters); os direitos de distribuição mundial foram subsequentemente adquiridos pela Telepictures Corporation. Formadas a Zanuck-Brown Productions (Richard Zanuck e David Brown) e a Lucas Film, Ltd. (George Lucas).

1973 – MGM vende seu estúdio e passa a distribuir seus filmes pela United Artists. United Artists adquire os direitos de distribuição dos filmes da MGM para os próximos dez anos. Estréia do sistema OMNIMAX. Início da Home Box Office (HBO), filial da Time, Inc., primeiro serviço de distribuição de programas pagos pela televisão a cabo. O Vigilante / The Blue Knight (Dir: Robert Butler), primeira minissérie, exibida em quatro dias. Crescimento da Mann Theatres Corporation (Ted Mann); em 1986 a companhia foi vendida para a Gulf+ Western. Formadas a Time-Life Films, Inc. conhecida principalmente por ter sido a distribuidora exclusiva das produções da BBC Television nos Estados Unidos.

1974 – Estréia do Sensurround, sistema de efeitos especiais desenvolvido pela Universal Pictures, inicialmente para produzir os tremores de terra em Terremoto / Earthquake (Dir: Mark Robson). Michael Medavoy chefe de produção na United Artists. Câmera Panaflex, usada pela primeira vez por Vilmos Zsigmond em A Louca Escapada / The Sugarland Express (Dir: Steven Spielberg). Barry Diller presidente da Paramount. Inaugurado, por Bill Pence, o Teluride Film Festival no Colorado.

1975 -s Formação da Industrial Light and Magic (George Lucas). Inferno na Torre / The Towering Inferno (Dir: John Guillermin) é a primeira co-produção entre dois grandes estúdios, 2Oth Century-Fox e Warner Communications. Formadas a International Creative Management, Inc. (pela fusão da Creative Management Associates com a International Famous Agency de Marvin Josephson), e a Creative Artists Agency (Michael Ovitz, Ron Meyer, e outros ex-agentes da William Morris). Criada a Los Angeles Film Critics Association. Formada por David P. Cook a locadora de vídeos Blockbuster Entertainment Corporation, com uma loja em Dallas, Texas; em 1987, H. Wayne Huizenga assumiria o controle da companhia e daria início à sua expansão.

1976 – Introduzidos os sistemas VHS e Betamax. Michael Eisner presidente da Paramount. E. Cardon Walker CEO (chief executive officer) da Disney. Introdução do Dolby Stereo, sistema de som ótico estereofônico de quatro canais. Usado pela primeira vez o Steadicam por Haskell Wexler em Esta Terra é Minha Terra / Bound for Glory. Criado o canal acabo Showtime, rival do HBO.

1977 – Formada pela Universal e Paramount, a Cinema International Corporation (CIC), para distribuir filmes fora dos Estados Unidos. MPAA cria o Office of Film Security, para combater a pirataria. Formada a Carolco Service, Inc. (Mario Kassar, Andy Vajna), depois Carolco Pictures, Inc. conhecida como a produtora-distribuidora da série Rambo, estrelada por Sylvester Stallone.

1978 – Formadas a Orion Pictures (Arthur Krim, Robert Benjamin, e outros) e a Goldwyn Company (Samuel Goldwyn Jr.). Os laser-discs da Philips-MCA são comercializados. David Begelman e Al Hirschfield deixam a Columbia após um escândalo financeiro causado por Begelman. Daniel Melnick presidente da Columbia Pictures; Sherry Lansing chefe da produção. Formada a Plitt Theatres, Inc. quando Henry C. Plitt e um grupo de investidores adquiriram a cadeia de cinemas da ABC Television. Alan Ladd Jr. presidente da 20th Century-Fox. Um novo Copyright Act protege a maioria dos filmes por 75anos. Retirado o velho letreiro formando a palavra Hollywoodland, para ser substituído por um novo com a inscrição Hollywood.

1979 – Comprada a Cannon Films por Menahem Golan e Yoram Globus. Formadas a Ladd Company (Alan Ladd Jr., Jay Kanter e Gareth Wigan) e a Miramar Films Corporation (Harvey e Bob Weinstein). Defecção de um grupo de desenhistas da Disney, liderado por Don Bluth, em protesto contra a deteriorização dos padrões artísticos da companhia; um novo presidente, Rn Miller, promoveria mudanças importantes na empresa. Fusão da American International Pictures com a Filmways, Inc. Criado o canal a cabo The Movie Channel. David Begelman presidente da MGM. Cineplex abre seu cinema com 18 salas em Toronto. Desenvolvido, por Ralph Weinger, o processo computadorizado de colorização, usado pela Color Systems Technology de Los Angeles. Astros da década: Woody Allen, Alan Bates, Jacqueline Bisset, Jeff Bridges, Charles Bronson, Ellen Burstyn, Michael Caine, Richard Chamberlain,  Jill Clayburgh, Sean Connery, Robert De Niro, Bruce Dern, Shelley Duval, Clint Eastwood, Richard Gere, Joel Grey, Harrison Ford, Gene Hackman, Goldie Hawn, Diane Keaton, Kris Kristofferson, Jessica Lange, Ali McGraw, Nick Nolte, Ryan O´Neal, Warren Oates, Al Pacino, Vanessa Redgrave, Christopher Reeves, Burt Reynolds, Roy Scheider, George Segal, Sissy Spacek, Sylvester Stallone, John Travolta, e Michael York.

1980 – O Portal do Paraíso / Heaven´s Gate (Dir: Michael Cimino) dá um prejuízo de 40 milhões de dólares, levando a Transamerica a se retirar da indústria e vender a United Artists. Sherry Lansing presidente da 20thCentury-Fo. Criado o canal a cabo Cinemax, complemento do HBO. Raphael Erkes presidente da American International Pictures, que passa a se chamar Filmways Pictures. Formada pelo Polygram Group a PolyGram Pictures; Peter Guber e John Peters produtores associados. Ted Turner cria o canal Cable News Network (CNN). Fundado o Sundance Institute (Robert Redford). Columbia Pictures, MCA / Universal, Paramount e 2Oth Century-Fox anunciam uma parceria com a Getty Oil Company, para criar o canal a cabo Première. Formada a American Marketing Association como associação comercial para pequenos produtores e distribuidores. Lorimar compra a Allied Artists. Dawn Steel vice-presidente encarregada da produção na Paramount.

1981 – 20th Century-Fox comprada pelo magnata do petróleo Marvin Davis; Al Hirshfield presidente. Kirk Kirkorian compra a United Artists da Transmamerica e forma a MGM / UA Entertainment Company. MGM / UA une-se à CIC para criar a United International Pictures (UIP) com a finalidade de distribuir filmes no exterior. Norman Lear e Jerry Parenchio compram a Avco Embassy Pictures e mudam seu nome para Embassy Comunications. David Begelman presidente da United Artists. Orion compra a Filmways. Jeffrey Katzenberg chefe de produção na Paramount.

1982 – Coca-Cola compra a Columbia. Formada a Tri-Star Pictures pela Columbia, HBO e CBS. Os drive-ins entram em declínio porque seus locais se valorizam como imóveis. Peter Guber e Jon Peters deixam a PolyGram e formam Guber-Peters Co. Criada a Island Pictures (Chris Blackwell); de 1983 a 1985, a companhia foi associada com a Alive Films sob a denominação Island / Alive. Lançado pela Eastman Kodak o filme de baixa descoloração. Disney abre o Epcot Center na Flórida. Formada a dupla de produtores independentes Don Simpson / Jerry Bruckheimer, responsáveis juntamente com Steven Spielberg e George Lucas, pelos blockbusters de maior sucesso da década.

1983 – Os contratos de longo prazo estão de volta; os estúdios os celebram com Eddie Murphy, Richard Pryor e Michael Keaton. HBO e CBS unem-se à Columbia Pictures para formar a produtora de filmes Nova, a fim de garantir um fluxo regular de filmes na televisão. Introdução do THX Motion Picture Loudspeaker System, que aumentou a qualidade do som nos cinemas.

1984 – Michael Eisner presidente do Conselho de Administração da Disney; Frank Wells presidente; Jeffrey Katzemberg gerente do estúdio. Disney Productions anuncia a formação da Touchstone Pictures, para produzir filmes destinados às platéias adultas. Cineplex adquire 297 cinemas da cadeia Odeon no Canadá e se torna Cineplex Odeon. LucasFilm, Ltd. Introduz o Edit-Droid (edição digital de imagem); alguns anos depois surgirá o Sound Droid (edição digital de som). Formada a Amblin Entertainment (Steven Spielberg e Kathleen Kennedy).

1985 – Decisão judicial, que obrigou as majors a se desligarem dos ramos de exibição após 1984, é revertida, e ela começam a adquirir cadeias de cinema. News International de Rupert Murdoch compra a 2Oth Century-Fox; Barry Diller chefe da produção. Magnata da TV, Ted Turner, compra a MGM / UA. Dino De Laurentiis forma a Larentiis Entertainment e compra a Embassy Pictures. Formada a Concorde Pictures Corporation (Roger e Julie Corman). Viacom compra a MTV e a Showtime Network, Inc. Publicados Film History: Theory and Practice de Robert C. Allen e Douglas Gomery e The Classical Holllywood Cinema: Film Style and Mode of Production to 1960 de David Bordwell, Janet Staiger e Kristin Thompson.

1986 – Cineplex Odeon compra a cadeia de cinemas Plitt. Alan Ladd jr. presidente da MGM /UA. Ted Turner vende a MGM / UA de volta para Kirk Kirkorian, mas mantém o acervo de filmes. MGM torna-se MGM-UA. Commun ication. George Lucas vende a divisão de computação gráfica da LucasFilm, Ltd. (Pixar Computer) para Steve Job, e ela se torna Pixar Animation. Ted Turner vende o estúdio de Culver City para Lorimar -Telepictures. Dawn Steel presidente da Columbia Pictures. Formada a White Eagle Enterprise, companhia produtora de Sylvester Stallone.

1987 – Fusão da Columbia com a Tri-Star, resultando na Columbia Pictures Entertainment. Formada a Castle Rock Entertainment (Rob Reiner, Alan Horn, Andrew Scheinman, Glenn Padnick e Martin Shafter). Introdução do Dolby SR (Spectral Recording), sistema ótico de quatro canais mais aperfeiçoado, no filme Robocop, o Policial do Futuro / Robocop. Giancarlo Perretti compra o Cannon Group, Inc., que teve sua origem na Cannon Films.

1988 – Após a falência da De Laurentiis Entertainment, Dino De Laurentiis forma com Giancarlo Parretti a Dino De Laurentiis Communications; criada uma produtora subsidiária, Onyx Entertainment.

1989 – Columbia é comprada pela Sony Corporation; presidentes Jon Peters e Peter Guber. Gulf+Western torna-se Paramount Communications, Inc. Fusão da Warner Communications com a Time Inc. para criar a Time-Warner. Formada a Cinergi Prods., Inc. (Andy Vajna). Fusão da Columbia com a Tri-Star para formar a Columbia Pictures Entertainment. Giancarlo Parretti muda o nome do Cannon Group Inc. para Pathé Entertainment Inc. 2Oth Century – Fox muda o nome para Fox Film Corporation. Formada a Turner Pictures, Inc. (Ted Turner) para produzir filmes para o canal a cabo TNT. Astros da década: Rosanna Arquette, Dan Ackroyd, Tom Berenger, Chevy Chase, Cher, William Dafoe, Danny De Vito, Richard Gere, Jeff Goldblum, Harrison Ford, Michael J. Fox, Danny Glover, Ed Harris, Barbara Hershey, Anthony Hopkins, William Hurt, Anjelika Huston, Jeremy Irons, Kevin Kline, Jessica Lange, John Malkovich, Kelly McGillis, Steve Martin, Dudley Moore, Eddie Murphy, Bill Murray, Chuck Norris, Sean Penn, Dennis Quaid, Mickey Rourke, Kurt Russell, Meryl Streep, Donald Sutherland, Kagtleen Turner, Debra Winger e James Woods.

1990 – MCA abre o Universal Studios Park em Orlando, na Flórida. Matsushita Corporation compra a MCA e, com ela, a Universal. Anunciada, por Martin Scorcese, Sidney Poitier, Steven Spielberg, George Lucas, Francis Ford Coppola, Woody Allen, Stanley Kubrick e Robert Redford, a criação da Film Foundation, dedicada à preservação de filmes. Fundada a Fine Line Features, divisão da New Line Cinema para filmes de arte. Giancarlo Parretti compra a MGM – UA de seu acionista majoritário Kirk Kirkorian e forma a MGM – Pathé Communications.

1991 – Sony muda o nome da Columbia para Sony Pictures Entertainment. Giancarlo Parretti é obrigado pelo Banco Crédit Lyonnais, o maior credor de seu estúdio, a entregar as rédeas da MGM – Pathé para Alan Ladd Jr. Formadas a distribuidora October Films (Jeff Lipsky) e a A Band Apart Productions (Quentin Tarantino e Lawrence Bender).

1992 – Time Warner forma uma aliança com a Toshiba Corporation e Itochu& Co. Inaugurada a EuroDisney em Paris.Vídeos são lançados no formato widescreen. Introdução do sistema de som estereofônico digital Dolby com seis canais em Batman, o Retorno / Batman Returns (Dir: Tim Burton) Formadas a Alphaville (Sean Daniel e Jim Jacks) e a Savoy Pictures Entertainment (Victor A. Kaufman e Lewis J. Korman). Crédit Lyonnais assume formalmente o controle da MGM-Pathé Communications, mudando seu nome para Metro-Goldwyn- Mayer. Sherry Lansing presidente da Paramount.

1993 – Disney compra a Miramax Picture. Frank Mancuso presidente da MGM. LucasFim, Ltd. vende o Edit Droid e o Sound Droid (Droid Works) para Avid Technology. Ted Turner compra a New Line e a Castle Rock. Fundada a Digital Domain (James Cameron, IBM, Stan Winston e Scott Ross).

1994 – Viacom compra a Paramount Communications e promove uma fusão com a Blockbuster Entertainment Corporation, a maior locadora de vídeo dos Estados Unidos. Formada a Dreamworks SKG por Steven Spielberg, David Geffen e Jeffrey Katzenberg.

1995 – Disney compra a Capitol Cities / ABC, com a rede de televisão ABC. Seagram´s compra a MCA e a Universal da Matsushita. Michael Ovitz presidente da Disney. Primeiro filme em 3-D IMAX: Asas da Coragem / Wings of Courage (Dir: Jean-Jacques Annaud). Formada a Phoenix Pictures (Mike Medavoy e Arnold W. Messer).

1996 – Time-Warner compra a Turner Broadcasting System, Inc. e a New Line. Disney assina um contrato de licenciamento de 100 milhões de dólares por ano com a McDonald´s. John Kluge compra a Orion Pictures e a Samuel Goldwyn Company, resultando no Metromedia Entertainment Group, Inc. Criada a Intertainer (serviço Video on Demnand).

1997 – Universal adquire a distribuidora October Films. Dreamworks é o primeiro estúdio a oferecer a participação nos lucros a roteiristas e membros da equipe técnica. Ron Miller presidente da Disney. Os DVDs começam, a ser vendidos.

1998 – Seagram´s compra a PolyGram. O Sonny Bono Copyright Term Extension Act estende o período de proteção de direitos autorais.

1999 – A Bruxa de Balir / The Blair Witch Project (Dir: Daniel Myrick e Eduardo Sanchez), produzido por 35 mil dólares, e famoso pelo seu pré-lançamento através da Internet, torna-se o filme de baixo orçamento mais bem-sucedido financeiramente na história do cinema. Criada a CinemaNow (serviço Vídeo on Demand). Toy Story 2 / Toy Story 2 (Dir: John Lasseter, Ash Brannon, Lee Unkrich) primeiro filme produzido e exibido digitalmente. Astros da década: Ben Affleck, Kim Basinger, Annette Bening, Hale Berry, Kenneth Branagh, Pierce Brosnan, Sandra Bullock, Nicholas Cage, Jim Carrey, Cher, Glenn Close, George Clooney, Kevin Costner, Russell Crowe, Tom Cruise, Billy Cristal, Jamie Lee Curtis, Matt Damon, Daniel Day Lewis, Johnny Depp, Cameron Diaz, Leonardo Di Caprio, Michael Douglas, Albert Finney, Bridget Fonda, Harrison Ford, Jodie Foster, Morgan Freeman, Mel Gibson, Whoopi Goldberg, Melanie Griffith, Tom Hanks, Jeremy Irons, Samuel L. Jackson, Tommy Lee Jones, Michael Keaton, Uma Thurman, Denzel Washington, Sigourney Weaver, Robin Williams, Bruce Willis, Nicole Kidman, Kevin Kline, Gwyneth Paltrow, Sean Penn, Michele Pfeiffer, Brad Pitt, Keanu Reeves, Julia Roberts, Wynona Ryder, Meg Ryan, Susan Sarandon, Arnold Schwarzenegger, Steven Segal, Will Smith, Kevin Spacey, Sharon Stone, Emma Thompson.

2000 – Fusão da America Online com a Time-Warner, Vivendi compra a Seagram´s e a Universal, para formar a Vivendi Universal.  Robert Iger presidente da Disney. Imagens geradas por computador em Matrix / The Matrix (Dir: Lana e Lilly Wachowski) criam sequências de feitos especiais até então impossíveis de encenar.

2001 – Projeção digital nos cinemas torna-se disponível no mercado e as vendas de filmes em DVD aumentam rapidamente.

2002 – Sony Pictures Entertainment, MGM Studios, Paramount Pictures, Universal Studios e Warner Bros. formam a Movielink (Serviço Video on Demand). Primeiro filme a faturar mais de 100 milhões de dólares no seu lançamento de fim de semana: O Homem-Aranha / Spider Man (Dir: Sam Raimi).

2003 – As receitas dos estúdios cinematográficos no mercado de vídeo são mais lucrativas do que as arrecadas nas bilheterias dos cinemas. Disney anuncia que não fará mais os tradicionais filmes de animação desenhados à mão, adotando a 3-D e o estilo CGI total, popularizado originariamente pela Pixar.

2004 – Farenheit 11 de setembro / Farenheit 9/11, de Michael Moore, bate o recorde de renda para um documentário em um lançamento de fim de semana. Shrek 2 / Schrek 2 (Dir: Andrew Adamson, Kelly Asbury, Conrad Vernon) torna-se, em três semanas, o filme de animação mais lucrativo de todos os tempos.

2005 – Apresentado ao Congresso Americano o Family Entertainment and Copyright Act, que legaliza a censura para proteger as crianças da violência, sexo e profanação indesejáveis nos filmes (v. g. tal como faz a locadora Clean Flicks, que aluga DVDs remontados com cortes), torna disponível para os pais a tecnologia necessária (v. g. tal como os aparelhos DVD oferecidos pela firma Clear Play) que penaliza a prática de pirataria. Star Wars: episódio III – A Vingança dos Sith / Star Wars: episode III – Revenge of the Sith, é o primeiro dos filmes da série  a receber a classificação PG-13 e George Lucas é criticado por comercializar brinquedos e outros produtos correlatos para os jovens fãs, negando-lhes ao mesmo tempo o direito de ver o filme. As bilheterias da temporada de verão foram desastrosas para Hollywood – menor rentabilidade desde 2001. Sugestões para resolver o problema: fazer filmes melhores e mais baratos, suprimir os comerciais e proibir o uso de celulares nas salas de projeção. Paramount Pictures compra a Dreamworks SKG.

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CEM ANOS DE CRONOLOGIA DO CINEMA AMERICANO (1905-2005)

1ª parte: 1905-1959

1905 – Harry Davis abre a primeira sala chamada de nickelodeon em Pittsburgh. Inaugurado o primeiro Hale´s Tour (outra forma de exibição de filmes, que surgiu simultaneamente com os Nickelodeons), idealizada por George C. Hale em Kansas City. Hale construiu uma sala como se fosse um vagão ferroviário, decorada internamente como um carro de passageiros. Essa atração denominada de Hale´s Tour and Scenes of the World, começava com uma batida de sinos e o balanço mecânico da sala, simulando o movimento de um trem. As luzes se apagavam e filmes de paisagens, que haviam sido filmados da plataforma traseira de uma composição verdadeira em alta velocidade, apareciam na tela. Os irmãos Warner (Albert, Harry, Sam e Jack) entram no campo da exibição itinerante. Surge o Variety, para cobrir notícias sobre vaudeville, juntamente com as publicações já existentes Billboard e New York Dramatic Mirror. Instaladas na Biograph as lâmpadas elétricas de tubos de vapor de mercúrio Cooper-Hewitt.

1906 – Vitagraph é pioneira no uso de técnicas de animação como nos filmes Humorous Phases of Funny Faces e Mid-Winter Night´s Dream Surge o primeiro trade paper dedicado somente aos filmes: Views and Film Index. Carl Laemmle abre seu primeiro cinema em Chicago e a sua distribuidora Laemmle Film Service.

1907 – As patentes de Edison e da Biograph são consideradas válidas, e Edison inicia novas ações contra os rivais. Formadas a Kalem Film Company (George Kleine, Samuel Long e Frank Marion) e a Essanay Film Manufacturing Company (George K. Spoor e Gilbert M. Anderson). Organizada a primeira associação comercial da indústria, United Film Protective Service Association. Surge o trade paper Moving Picture World, destinado aos exibidores. As primeiras companhias produtoras chegam a Los Angeles.

1908 – A Guerra das Patentes termina e é criada a Motion Pictures Patents Company (MPPC). Sob a liderança conjunta de Edison-Biograph, as companhias se associaram neste consórcio e fizeram um pool de 16 patentes pertencentes a todos os produtores, que cobriam filmes, câmeras e projetores, estabelecendo o pagamento de royalties em troca de licenças para o uso destas patentes. Formada a primeira produtora independente, Centaur Film Manufacturing Company (David Horsley).

1909 – Formadas as companhias independentes: New York Motion Picture Company com as marcas registradas Bison e depois Kay-Bee (Fred Balshofer, Adam Kessel e Charles Baumann); Independent Moving Picture Company – IMP (Carl Laemmle) e Powers Company (Pat Powers). Primeira apresentação do Sistema kinemacolor em Nova York. Criadas a Film Renter Protective Association, presidida por John J. Murdoch, e a National Board of Censorhip of Motion Pictures. Colocada no mercado a câmera Bell and Howell (Donald J. Bell e Albert Howell), que se tornaria a mais usada durante o período da cena muda.

1910 – Os independentes começam a enfrentar a MPPC. Formadas a Thanhouser Company (Edwin Thanhouser); Reliance Pictures (Charles Baumann e Adam Kessel); Nestor Film Company (David Horsley); Defender Film Company, com a marca Rex Pictures (William Swanson, Edwin S. Porter e Joseph Engel); Champion Film Company (Mark Dintenfass); American Film Manufacturing Company com a marca Flying A (John R. Freuer, Samuel Hutchinson), oferecendo também as comédias Beauty e Vogue, os westerns Mustang e os dramas Clipper; Solax Company (Alice e Herbert Blaché e George A. Magie). Criadas a General Film Company (MPPC) e a Motion Picture Distributing and Sales Company (Laemmle, Kessel e Baumann). Formada a Loew´s Consolidated Enterprises (Marcus Loew, Joseph e Nicholas Schenck), abrangendo cinemas e outros centros de diversões. Edison faz uma demonstração do cinetofone. O negativo da Eastman Kodak domina o mercado mundial. Carl Laemmle cria a primeira personalidade do cinema a ser conhecida pelo nome, Florence Lawrence, que vinha sendo chamada de “A Garota da Biograph”.

1911 – Los Angeles torna-se o segundo centro de produção nos Estados Unidos depois de Nova York. Nestor constrói o primeiro estúdio localizado em Hollywood. Formada a Majestic (Harry Aitken e Thomas Cochrane). Surgem as primeiras revistas de fãs, Motion Picture Story e Photoplay. Inventada a câmera Bell and Howell. Surge o primeiro jornal cinematográfico americano, The Pathé Weekly. Pennsilvânia é o primeiro Estado a aprovar uma lei de censura. Formada a Motion Picture Exhibitor´s League, primeiro grupo nacional de donos de cinema.

1912 – O governo dos Estados Unidos move uma ação antitruste contra a MPPC e a General Film. A Motion Pictures Distributing and Sales Company se divide em duas distribuidoras concorrentes, a Mutual-Film Supply Company (John R. Freuler e Harry Aitken) e a Universal Manufacturing Company (Carl Laemmle). Formadas a Famous Players Company (Adolph Zukor); a Keystone Company (Mack Sennett); e a Universal Film Manufacturing Company (Carl Laemmle), esta última resultante da fusão da IMP com outras companhias independentes. O Copyright Act protege especificamente os filmes.

1913 – Formadas a Jesse L. Lasky Feature Play Company (Jesse Lasky) e a Warner ´s Features Inc. (Harry, Albert, Sam e Jack Warner). Lançado o primeiro filme de exploração ou filme apelativo (exploitation film), O Tráfico de Almas / Traffic in Souls (Dir: George Loane Tucker). Mary Pickford vai para a Famous Players, onde recebe o apelido de “A Namorada da América”. Charles Chaplin inicia sua carreira cinematográfica na Keystone. Inaugurado, por William H. Clune, o Tec-Art Studio, um dos principais estúdios de aluguel nos anos 20; deixou de existir em 1931. Estréia do jornal cinematográfico Universal Animated Weekly, mais tarde, Universal News. Formada a L-KO (Lehrman-Knock Out) Motion Picture Company Inc. (Henry “Pathé” Lehrman).

1914 – Formadas a Paramount Distribution Company (W.W. Hodkinson) e a Box Office Attraction Film Rental Company (William Fox). A Max Factor introduz a primeira maquilagem especial para o cinema: Supreme Greasepaint, necessária para a filmagem em interiores com luz artificial. Charlie Chaplin cria o personagem Carlitos. Inaugurado o primeiro palácio do cinema, The Strand, em Times Square. Surge o primeiro desenho animado propriamente dito, Gertie the Dinossaur. Sessue Hayakawa é um dos primeiros artistas estrangeiros a construir uma carreira em Hollywood. Mary Pickford proclamada a “Principal Atriz de Cinema da América”. Formada a World Film Corporation (E. Mandelbaum, Philip Gleichman e alguns banqueiros de Wall Street; Lewis J. Selznick, pai de Myron e David O. Selznick, vice-presidente e gerente geral. Formadas Peerless Feature Fim Company (Jules Brulatour) e Educational Pictures, Inc. (George A. Skinner e Earl Wooldrige Hammons). Entra em circulação o trade paper Exhibitor´s Herald. Publicada a primeira História do Cinema nos Estados Unidos: Theatre of Science, de Robert Grau. Introduzida a “Rembrandt Lighting”, por Cecil B. De Mille e seu cinegrafista Alvin Wycoff.

1915 – A Corte Suprema dos Estados Unidos decide que a censura instituída pelo Estado de Ohio é constitucional e que a exibição de filmes não está protegida pela liberdade de expressão garantida pela Primeira Emenda porque considerava-a um “negócio, puro e simples” e não como parte da imprensa do país ou de órgãos de opinião pública. Somente em 1952 estenderia esta proteção à indústria cinematográfica. Inaugurada a Universal City. Formadas a V-L-S-E para distribuir os filmes das companhias Vitagraph, Lubin, Selig e Essanay; a Triangle (Harry Aitken, Adam Kessel e Charles Baumann), para distribuir os filmes de D. W. Griffith, Thomas Ince e Mack Sennett; a Metro Pictures Corporation (Richard Rowland, Joseph Engel e Louis B. Mayer); e a Fox Film Corporation (William Fox). Fundada a Technicolor Motion Picture Company (Herbert Kalmus). Formada a Vim Comedy Company (Louis Burstein e Mark Dintenfass). A estréia da coluna de Julian Johnson, “Department of Comment and Criticism on Current Photoplays”, na revista Photoplay e a publicação do livro The Art of the Moving Picture pelo poeta Vachel Lindsay representam o começo do reconhecimento do cinema como uma forma de arte. As distribuidoras americanas começam a abrir suas filiais na América Latina; no Brasil, a Fox Fim foi a primeira, seguida pela Paramount (1916), Universal (1917), MGM (1925), Warner (1927), e Columbia (1929). Criada a associação comercial Motion Picture Board of Trade of America, substituída no ano seguinte pela National Association of the Motion Picture Industry (NAMPI). National Board of Censorship of Motion Pictures muda seu nome para National Board of Review of Motion Pictures, Inc.; ficou mais conhecida pela sua “Lista dos 10 Melhores Filmes” e por sua revista Films in Review. Surge a revista de fã Motion Picture Classic.

1916 – Fusão da Famous Players com a Feature Play Company, resultando a Famous Players-Lasky Corporation, que assume o controle da Paramount Pictures Corporation; Zukor é o presidente e Lasky, o vice- presidente. Fundada a Goldwyn Pictures Corporation (Samuel Goldfish, Edgar e Archibald Selwyn).; Goldfish para a usar o sobrenome Goldwyn. Formnda a cadeia de cinemas Balaban & Katz, quando os irmãos Barney e Abraham Balaban uniram suas salas com as de Sam Katz. Formadas a Lewis J. Selznick Productions, Inc. (Lewis J. Selznick) e a Christie Film Company (Al Christie).

1917 – Surge a primeira cineautobiografia, Just me, de Pearl White. Zukor compra 50% das ações da Lewis J. Selznick Productions e a denominação desta é mudada para Select Pictures Corporation. Formada a First National Exhibitor´s Circuit, Inc., que se lança na produção (contratando Chaplin) e distribuição. Metro Pictures começa a produzir. Formadas a Paralta Plays, Inc. (Carl Anderson e Robert T. Kane); a Sunshine Comedy Company (presidente William Fox; vice-presidente Harry “Pathé” Lehrman); a Comique Film Corporation (Joseph Schenck), para produzir filmes de Fatty Arbuckle e Buster Keaton; e a Jewel Productions, Inc. (Harry M. Berman e Leon J. Bamburger). Inventada a câmera Akeley (Carl E. Akeley), usada em newsreels (jornais cinematográficos) e depois nos estúdios nos meados dos anos 20. The Gulf Between (Dir: Wray Bartlett Physioc), primeiro filme em technicolor é apresentado para convidados em Nova York, mas dificuldades técnicas impedem que seja lançado comercialmente.

1918 – A MPPC é dissolvida. O controle americano do mercado mundial do filme aumenta enormemente durante a Primeira Guerra Mundial. “Hollywood” é agora uma palavra genérica, que descreve a indústria de cinema americana. Formadas a Robertson-Cole Company (Harry F. Robertson e Rufus Sidman Coe) e a Cosmopolitan Productions (William Randolph Hearst); a Paramount distribuiu os filmes da Cosmopolitan de 1919 a 1922; e, em 1923, eles foram distribuídos pela Goldwyn; de 1924 a 1934, pela MGM; e, finalmente, de 1935 a 1937, pela Warner Bros. Formada a Micheaux Fim Corporation como Micheaux Film and Book Corporation (Oscar Micheaux), a mais conhecida das companhias independentes de proprietários negros.

1919 – Formada a United Artists Corporation (Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Charles Chaplin e D. W. Griffith). Adolph Zukor entra no ramo da exibição. Os grandes estúdios começam a formar cadeias de cinemas de primeiro lançamento, que irão eventualmente torná-los alvo da ação antitruste. Formadas a Selznick Pictures Corporation (Myron Selznick) e a Louis B. Mayer Pictures (Louis B. Mayer). Constituída a Loew´s, Inc. para consolidar todo o patrimônio de Marcus Loew. Loew´s, Inc. compra a Metro Pictures Corporation. Lewis J. Selznic recupera todo o controle da Select Pictures. Os diretores Thomas Ince, Allan Dwan, Marshall Neilan e George Loane Tucker formam a Associated Producers para distribuir seus próprios filmes. Formada a Hal Roach Studios, Inc. (Hal Roach). Estréia do jornal cinematográfico Fox News. Fundada a American Society of Cinematographers (ASC). Publicado pela primeira vez o Film Daily Yearbook. Astros da década: Fatty Arbuckle, Theda Bara, Carlyle Blackwell, Hobart Bosworth, Alice Brady, John Bunny, Francis X. Bushman, Harry Carey, Marguerite Clark, Ethel Clayton, Maurice Costello, Dorothy Dalton, Viola Dana, Priscilla Dean, Marie Doro, Dustin Farnum, William Farnum, Geraldine Farrar, Elsie Ferguson, Pauline Frederick, Robert Harron, William S. Hart, Alice Joyce, Annette Kellerman, J. Warren Kerrigan, Florence Lawrence, Elmo Lincoln, Harold Lockwood, Barbara Prevost, Wallace Reid, Ruth Roland, Anita Stewart, Lewis Stone, Blanche Sweet, George Walsh, Pearl White, Earle Williams, Kathlyn Williams, Lois Wilson e Clara Kimball Young.

1920 – Os filmes americanos arrecadam um terço de suas receitas no mercado externo. Formada a CBC Sales Corporation (Harry e Jack Cohn e Joe Brandt). Irving Thalberg chefe de produção da Universal. Inaugurado em Nova York o Astoria Studios (também conhecido como Kaufman Astoria) como centro de produção da Famous Players-Lasky; entre 1940 -1946 o Astoria tornou-se o U.S. Army Pictorial Center. Formada a Preferred Pictures (B. P. Schulberg, J. G. “Jack” Bachmann e Al Litchman). Inventada, por George A. Mitchell, a câmera Mitchell, durante muitos anos a câmera padrão da indústria de cinema americano. Formada a Western Associated Motion Picture Advertisers (WAMPAS), que selecionava (entre 1922 e 1934) anualmente 13 jovens atrizes com possibilidade de se tornarem estrelas; entre as escolhidas como Wampas Baby Stars: Jean Arthur, Mary Astor, Joan Blondell, Clara Bow, Joan Crawford, Frances Dee, Dolores Del Rio, Janet Gaynor, Ginger Rogers, Fay Wray, Lupe Velez, Loretta Young etc.

1921 – Fusão da First National com Associated Producers, resultando Associated First National. Formadas a Inspiration Pictures, Inc. (Charles H. Duell e J. Boyce Smith Jr.) e a Tiffany Productions; de 1927 a 1929 o diretor John M. Stahl foi associado com a companhia, que se tornou conhecida como Tiffany-Stahl Productions. Estréia de Leo, o primeiro leão que serviu de logotipo para a MGM após ter sido capturado com um ano de idade no deserto da Núbia; ele morreria em 1935. Usado o sistema de som photokinema (Orland E. Kellum) em um filme de D. W. Griffith, A Rua dos Sonhos / Dream Street. Inauguração da boate Cocoanut Grove em Hollywood. Roscoe “Fatty” Arbuckle preso pelo assassinato de Virginia Rapper durante uma orgia no St. Francis Hotel em San Francisco. Arbuckle foi indiciado por homicídio culposo e passou por três julgamentos, sendo finalmente absolvido por falta de provas em 1923.

1922 – Organizada a Motion Pictures Producers and Distributors of America, Inc. (MPPDA), para substituir a NAMPI como associação comercial das majors; Will H. Hays presidente. Hays era um republicano ultraconservador, maçom, rotariano e líder presbiteriano de Indiana, e sua presença tornou o gesto de auto-regulação da indústria convincente tanto para o público quanto para o governo. Inicialmente a MPPDA foi chamada de Hays Office. Samuel Goldwyn destituído da presidência da Goldwyn Pictures Corporation, deixa a companhia e forma. A Samuel Goldwyn, Inc.  Robertson-Cole reorganizada como Film Booking Office of America (FBO). Flor de Lótus / The Toll of the Sea (Dir: Chester M. Franklin)  é o primeiro filme de longa-metragem em technicolor de duas cores. Formadas a Buster Keaton Productions, Inc. (Joseph Schenck) como sucessora da Comique Film Corporation, e a Principal Productions, Inc (Sol Lesser). Inaugurado em Los Angeles o cinema Egyptian de Sid Grauman. O diretor William Desmond Taylor encontrado morto em sua casa

1923 – Formada a Warner Bros. Pictures (Harry Warner presidente; Jack Warner chefe da produção. Walt Disney, seu irmão Roy e Ub Iwerks formam o Disney Bros. Cartoon Studio e produzem o primeiro desenho de uma série, Alice in Cartoonland. Introduzido o filme de 16mm. Companhia construtora coloca um letreiro na Hollywood Hills, com a palavra “Hollywoodland”, para anunciar uma incorporação de imóveis em Beachwood Canyon. Morte de Wallace Reid, viciado em drogas. Irving Thalberg deixa a Universal, para ser assistente do produtor independente Louis B. May

1924 – CBS Sales Company torna-se Columbia Pictures; Harry Cohn chefe da produção. Loew´s, Inc. compra a Goldwyn Pictures Corporation e, promovendo sua fusão com a Metro Pictures Corporation e a Louis B. Mayer Pictures, forma a Metro-Goldwyn-Mayer (MGM); Louis B. Mayer chefe do estúdio, Irving Thalberg chefe da produção. Criada a Association of Motion Picture Producers. Joseph Schenck reorganiza a United Artists. Formada a Producers Distributing Corporation – PDC (Jeremiah Milbank). Vendida a primeira moviola (Iwan Serrurier) para o Douglas Fairbanks Studio. Formada a Harold Lloyd Film Corporation (Harold Lloyd). Fundado o laboratório Consolidated Film Industries depois adquirido por Herbert J. Yates. Thomas Ince morre em circunstâncias misteriosas no iate de William Randolph Hearst.

1925 – Warner Bros. compra a Vitagraph. Samuel Goldwyn entra para a United Artists. Cecil B. De Mille torna-se sócio da PDC. Criada a Central Casting Corporation. Fundada a Astor Pictures, mais lembrada por suas reprises de filmes clássicos; nos anos 30 operou três subsidiárias (Vigilant Pictures, B n’ B Film Corporation e Promotional Films, Inc) e, em 1936, formou a Astor Productions, Inc.  Introduzida a câmera Eyemo, destinada para a filmagem de jornais cinematográficos; seria muito usada pelos cameramen de combate durante Segunda Guerra Mundial.

1926 – Formadas a Electrical Research Products, Inc. (ERPI) e a Vitaphone Corporation. Estréia do vitafone: Don Juan / Don Juan (Dir: Alan Crosland). Organizado o Walt Disney Studio, que se transformaria depois na Walt Disney Productions. A Fragata Invicta / Old Ironsides (DIr: James Cruze) apresenta duas cenas em um processo chamado magnascope, no qual uma lente especial é colocada no projetor, produzindo uma imagem mais larga. Joseph Schenck assume o controle da United Artists. Joseph P. Kennedy compra a FBO. As companhias americanas Paramount e MGM emprestam 4 milhões de dólares para a Ufa em troca da utilização dos estúdios, cinemas e pessoal da firma alemã; o efeito mais imediato do acordo Parufamet foi a migração de artistas e técnicos alemães para Hollywood. Outros acordos parecidos: Universal / Terra, United Artists / Rex, MGM / Phebus. Publicado A MIllion and One Nights, de Terry Ramsaye.

1927 – A Warner Bros. lança o cinema falado com O Cantor de Jazz / The Jazz Singer (Dir: Alan Crosland). Fox-Movietone News é o primeiro jornal cinematográfico sonoro. A MPPDA estabelece um “Código de Pureza” (administrado pelo seu Studio Relations Committee – SRC, sob a direção de Jason J. Joy) baseado na fórmula conhecida como “Don´ts and Be Carefuls, porque enumerava 11 itens que “não poderiam aparecer nos filmes sem consideração da maneira pela qual fossem tratados” e 26 outros assuntos “com respeito aos quais os produtores teriam de tomar um cuidado especial para que a vulgaridade e e a sugestionabilidade pudessem ser eliminadas”. Criada a Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS). Formada a Mascot Pictures. Formada a Mascot Pictures Corporation (Nat Levine). Inaugurado em Los Angeles o cinema Chinese de Sid Grauman. Marcus Loew morre e Nicholas M. Schenck torna-se presidente da Loew´s, Inc. Reorganizada a Educational Films Corporation agora com o nome de Educational Films, Inc., para produzir comédias.  Filme pancromático substitui o filme ortocromático, que esteve em uso durante a maior parte da era silenciosa. Fundada a Mole-Richardson Co. (Peter Mole), a mais conhecida fabricante de equipamentos de iluminação para os estúdios. Surgem os jornais cinematográficos falados Paramount News, Fox-Movietone News e Hearst-Metrotone News, depois News of the Day.

1928 – Paramount, Loew´s e United Artists adotam o sistema movietone de som ótico. Formada pela RCA (Radio Corporation of America) a Radio-Keith-Orpheum Corporation (RKO), pela fusão da FBO com o circuito de cinemas Keith-Albee-Orpheum; William LeBaron chefe da produção. William Fox tenta comprar a Loew´s, Inc. para criar a maior companhia da indústria. Darryl Zanuck chefe da produção na Warner Bros., que compra a cadeia de cinemas Stanley. Realizada a primeira cerimônia de entrega dos Oscar. Luzes de Nova York / Lights of New York (DIr: Brian Foy), primeiro filme inteiramente falado. Walt Disney lança seu primeiro filme com o camundongo Mickey, a princípio chamado Mort

1929 – Warner Bros. compra a First National Pictures. O Departamento de Justiça dos Estados Unidos impede a fusão da Fox com a Loew´s. A Fox experimenta o sistema de tela larga Grandeur, desenvolvido por Earl Sponable; a MGM introduz o Realife; a Warner, o Vitascope 65mm; a Paramount, o Magnafilm 56mm; a RKO, o Spoor-Berggren 63.5mm. Formada a SonoArt-World Wide Pictures, Inc. (J. Douglas Watson); a partir de 1932 denominada apenas World Wide Pictures e presidida por E. W. Hammons. Carl Laemmle Jr. C hefe da produção da Universal. Primeirofilme inteiramente iluminado por lâmpadas de tungstênio, substituindo os arcos de carbono conhecidos como Klieg Lights: Broadway / Broadway (Dir: Paul Fejos). Sai o primeiro International Motion Picture Almanac. Astros da década: Renée Adorée, Agnes Ayres, Vilma Banky, John Barrymore, Richard Barthelmess, Monte Blue, Eleanor Boardman, Clara Bow, Evelyn Brent, Betty Bronson, Nancy Caroll, Charles Chaplin, Lon Chaney, Betty Compson, Dolores Costello, Dolores Del Rio, Richard Dix, Billie Dove, Douglas Fairbanks, Charles Farrell, Pauline Frederick, Janet Gaynor, John Gilbert, Dorothy Gish, Lillian Gish, Jetta Goudal, Corinne Griffith, William Haines, Buck Jones, Leatrice Joy, Buster Keaton, Norman Kerry, Laura La Plante, Bert Lytell, Harold Lloyd, Thomas Meigham, Adophe Menjou, Tom Mix, Colleen Moore, Owen Moore, Mae Murray, Pola Negri, Ramon Novarro, Mary Pickford, Marie Prevost, Rod La Roque, Gloria Swanson, Milton Sills, Norma Talmadge, Estelle Taylor, Alice Terry, Rudolph Valentino e Florence Vidor.

1930 – William Fox perde o controle da Fox Film Corporation. Paramount-Famous-Lasky Corporation torna-se Paramount Publix e estende sua cadeia de cinemas. Formadas a Majestic Pictures Corporation (Phil Goldstone e Larry Darmour) e a Monogram Productions, Inc.  (a origem da companhia data de 1924 quando W. Ray Johnston, em colaboração com um grupo de exibidores independentes, criou a Rayart Productions, agora reorganizada); W. Ray Johnston presidente, Trem Carr chefe da produção. Hollywood Reporter começa a ser publicado. De 1930 aos meados dos anos 50, a Paramount, Loew´s, Fox, Warner Bros. e RKO dominariam a indúst

1931 – A Depressão começa a afetar a indústria do cinema. Por causa de suas dívidas com aquisição de cinemas as majors cortam seus custos. RKO compra a Pathé. Publicado History of the American Film de Benjamin B. Hampton.

1932 – Inaugurado o Radio City Music Hall. Formada a Mayfair Pictures Corporation (Ralph N. Like). Lillian “Peg” Entwhistle, jovem artriz de teatro malsucedida no cinema, comete suicídio saltando do topo da letra “H” do letreiro Hollywoodland. Introduzido o filme e a câmera de 8mm. O desenho animado curto de Walt Disney, Flores e Árvores / Flowers and Trees, é o primeiro em technicolor de três cores. Introduzido o rotambulator da Bell & Howell (uma grua colocada sobre uma plataforma de tripé sobre rodas).

1933 – Darryl Zanuck deixa a Warner Bros. e forma (com a ajuda financeira de Nicholas Schenck e Louis B. Mayer) a Twentieth Century; Joseph Schenck, irmão de Nicholas, presidente, William Goetz, genro de Mayer, executivo do estúdio. Formada a Pioneeer Pictures, Inc. (John Hay “Jock” Whitney), para produzir filmes em technicolor, que serão distribuídos pela RKO. Surge o primeiro drive-in em New Jersey. Formada a Lone Star Productions (Paul W. Malvern). Criada a Screen Writers Guild. Introduzido o Fox Velocitator, rotambulator mais aperfeiçoado, construído pela Fearless Camera Company.

1934 – Organizada a National Legion of Decency. O Federal Council of the Churches of Christ in America e a Conference of American Rabbis recomendam respectivamente aos protestantes e judeus todo apoio à cruzada católica, nos seus esforços de condenar os filmes imorais. A MPPDA designa Joseph Breen para chefiar a Production Code Admistration. Inaugurado o Café Trocadero em Hollywood. Formada a Ambassador Pictures, Inc. (Maurice Conn). Short da Pioneer, La Cucaracha / La Cucaracha (Dir: Jack Perez) é primeiro filme de ação ao vivo em technicolor de três cores.

1935 – Paramount é reorganizada, tornando-se Paramount Pictures, Inc. Fusão da Twentieth Century com a Fox Film Corporation, resultando a 20th Century-Fox; Joseph Schenck presidente do Conselho de Administração, Darryl Zanuck chefe da produção. Ernest Lubitsch chefe da produção na Paramount. Formada a Selznick International Pictures (David O. Selznick, distribuindo seus filmes pela United Artists. RCA vende metade de suas ações da RKO para Floyd Odlum da Atlas Corporation. Herbert J. Yates promove a fusão da Monogram com a Mascot, resultando a Republic Pictures Corporation. Nat Levine presidente. Criado o New York Film Critics Circle. Primeiro filme de longa-metragem no processo technicolor de três cores: Vaidade e Beleza / Becky Sharp (Dir: Rouben Mamoulian).  Formada a Victory Pictures Corporation (Sam Katzman). Sai a legendária manchete de primeira página de Variety, anunciando que os habitantes do Meio-Oeste estavam dispostos a pagar para ver filmes mais sofisticados: “Sticks Nix Hick Pix”.

1936 – Morre Irving Thalberg. Carl Laemmle vende a Universal para a Standard Capital Company. Formadas a Grand National Films, Inc. (por ex-executivos da Pathé) e a Walter Wanger Productions, Inc (Walter Wanger). Fusão da Pioneer Pictures, Inc. com a Selznick International. Barney Balaban presidente da Paramount. Walt Disney muda a distribuição de seus filmes da United Artists para a RKO. Fundada a Screen Directors Guild. As características do rotambulator e do velocitator são combinadas na Panoram Dolly. Patenteado o processo de filme duas cores hirlicolor (George HIrliman), depois de chamado de magnacolor.

1937 – Lançamento do primeiro desenho animado de Walt Disney em longa-metragem, Branca de Neve e os Sete Anões / Snow White and the Seven Dwarfs; na dublagem brasileira: Dalva de Oliveira, Carlos Galhardo, Almirante e Os Trovadores. Herbert J. Yates presidente da Republic; Trem Carr e W. Ray Johnston saem para ressuscitar a Monogram. Pandro S. Berman chefe de produção na RKO. O processo cinerama é visto pela primeira vez na New York World´s Fair como nome de vitarama. Walt Disney usa pela primeira vez a câmera multiplana no desenho curto O Velho Moinho / The Old Mill. Organizada a Frontier Films como uma companhia sem fins lucrativos para a produção de documantários com tendência esquerdista. Fox é o primeiro estúdio a explorar sistematicamente o rádio para promover filmes.

1938 – O Departamento de Justiça dos Estados Unidos inicia uma ação antitruste contra as majors, que fica conhecida como “caso Paramount” porque esta companhia encabeça o pólo passivo da lide. Formada a Edward Small Productions, Inc. (Edward Small). George Schaefer presidente e chefe da produção na RKO.

1939 – “O Grande Ano de Hollywood”. A indústria de cinema emprega 177.420 pessoas. Frequência média semanal de 85 milhões de espectadores. Publicado The Rise of the American Film, de Lewis Jacobs. Astros da década: Fred Astaire, Warner Baxter, Wallace Beery, James Cagney, Eddie Cantor, Ruth Chatterton, Maurice Chevalier, Claudette Colbert, Ronald Colman, Joan Crawford, Bette Davis, Marlene Dietrich, Melvyn Douglas, Marie Dressler, Irene Dunne, Nelson Eddy, Alice Faye, W. C. Fields, Errol Flynn, Kay Francis, Clark Gable, Greta Garbo, Oliver Hardy, Jean Harlow, Olivia de Havilland, Helen Hayes, Sonja Henie, Katharine Hepburn, Miriam Hopkins, Al Jolson, Stan Laurel, Vivien Leigh, Carole Lombard, Myrna Loy, Jeanette MacDonald, Fredric March, Herbert Marshall, Marx Brothers, Edward G. Robinson, Ginger Rogers, Will Rogers, Norma Shearer, Sylvia Sidney, Barbara Stanwyck, Margaret Sullavan, Robert Taylor, Shirley Temple, Spencer Tracy, Loretta Young, Johnny Weissmuller e Mae West.

1940 – A ação antitruste é suspensa por um acordo judicial (Consent Decree), pelo qual as majors se comprometem a reduzir o tamanho dos pacotes vendidos aos exibidores. Hays Office forma o Motion Picture Committee Cooperating for National Defense. House Committee of Un American Activities (HUAC) do Congresso Americano conduz sua primeira investigação em Hollywood. Formada a Producers Releasing Corporation – PRC como subsidiária da Pathé Laboratories. Inc. MGM lança o primeiro desenho de Tom e Jerry. Formada a Pine-Thomas Corporation (William C. Thomas e William H. Pine). Inaugurada a boate Ciro´s em Hollywood. Mike Romanoff, com ajuda financeira de Cart Grant, Jock Whitney, Jack Warner, Robert Benchley e Darryl Zanuck, abre o restaurante Romanoff´s em Rodeo Drive, Beverly Hills; outros restaurantes famosos: Brown Derby, Chasen, Cock and Bull, Perino´s etc. Mills Novelty Company de Chicago introduz as máquinas do tipo jukebox com pequenas telas nos restaurantes e bares, para exibirem os Soundies, filmes musicais de três minutos, produzidos pela R.C. M. Productions (James Roosevelt, Sam Coslov e Gordon Mills).

1941 – O presidente Roosevelt declara que os filmes não serão objeto de censura durante a guerra. Após o ataque japonês, é constituído o War Activities Committee (WAC). Joseph Schenck condenado a um ano de prisão por fraude fiscal e corrupção de dirigentes sindicais; Spyros Skouras presidente da 20th Century-Fox. Samuel Goldwyn encerra sua associação com a United Artists e passa a distribuir seus filmes pela RKO. Walt Disnet usa o processo fantasound em Fantasia / Fantasia, uma forma de som estereofônico. Linwood Dunn concebe uma truca (optical printer), construída pela Acme Tool and Manufacturing Company; o invento de Dunn foi tão significativo que mereceu um Oscar em 1944, e outro, por uma versão mais aperfeiçoada, em 1980. William Randoplph Hearst tenta impedir o lançamento de Cidadão Kane / Citizen Kane (DIr: Orson Welles); Louis B. Mayer propõe à RKO comprar o negativo, para destruí-lo. David O. Selznick torna-se sócio da United Artists. Desenvolvido na Europa pelo Dr. Bela Gaspar, o processo gasparcolor é introduzido nos Estados Unidos, tornando-se conhecido através dos Puppetoons (animação como bonecos de madeira). Inauguração da boate Mocambo em Hollywood. Bette Davis é a primeira mulher eleita presidente da Academia de Ciências e Artes Cinematográficas.

1942 – Organizado o Bureau of Motion Pictures como parte do Office of War Information (OWI), para promover a produção de filmes sobre os Estados Unidos e as “outras” Américas, distribuindo-os nos países latino-americanos. Floyd Odlum compra o controle da RK). Joseph Breen volta para o Hays Office.

1943 – Os cinemas participam da venda de bônus de guerra. A contribuição para o esforço de guerra inclui a realização de filmes pró-Rússia. Fomadas a International Pictures (William Goetz e Leo Spitz) e a Film Classics, Inc. (Irving Shapiro). Criada a Hollywood Foreign Press Association, Inc. como Hollywood Foreign Press Correspondents Association que, em 1946, intituirá os Golden Globes Awards.

1944 – Departamento de Justiça reativa a ação antitruste. Hal Wallis Productions distribui seus filmes pela Paramount. Criada a Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals. Formada a Lippert Pictures (Robert L.  Lippert).

1945 – Will Hays se aposenta; seu sucessor, Eric Johnston. Muda o nome da associação comercial da indústria para Motion Picture Association of America (MPAA). Organizada a Screen Extras Guid. Formadas a Liberty Films, Inc. (Frank Capra, William Wyler, George Stevens e Sam Briskin); a Vanguard Films, Inc. (David O. Selznick e Daniel T.O’ Shea); e a Mark Hellinger Productions, Inc. (Mark Hellinger). Confronto de dois organismos sindicais rivais, International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE) e Conference of Studio Unions (CSU). Formada a United Productions of America (Stephen Bosustow), responsável pelos cartoons de Gerald McBoing Boing e Mister Magoo; em 1956 a companhia mudou seu nome para UPA Pictures, Inc.

1946 – Ano mais lucrativo da indústria, com 232 milhões de dólares de receitas domésticas. Fusão da Universal com a Internatioal Pictures, resultando na Universal International; William Goetz e Leo Spitz, chefes de produção. Formadas a Emterprise Productions, Inc. (David Loew e Charles Einfeld); a Diana Productions (Walter Wanger, Joan Bennett e Fritz Lang); a Allied Artists, subsidiária da Monogram (Steve Broidy); e a Eagle-Lion Films, Inc., distribuidora da companhia inglesa J. Arthur Rank; o nome Eagle-Lion será comprador depois por Arthur Krim e Robert Young, para uma companha produtora formada no mesmo ano (Brian Foy, chefe da produção).

1947 – HUAC prossegue suas investigações sobre a “infiltração comunista na indústria de cinema”. O governo federal move uma ação antitruste contra a Technicolor. Warner Bros. compra o jornal cinematográfico RKO-Pathe´. Dore Schary chefe da produção na RKO. David O. Selznick vende suas ações da United Artists e passa a distribuir seus filmes por conta própria. Formadas a Argosy Pictures Corporation (John Ford e Merian C. Cooper) e a Horizon Pictures (Sam Spiegel e John Huston). Fundação do Actor´s Studio, Inc. (Cheryl Crawford, Robert Lewis e Elia Kazan); Lee Strasberg diretor artístico de 1952 a 1982.

1948 – Decisão da Suprema Corte sobre o “caso Paramount”, ordenando o “divórcio” dos cinemas das majors de suas operações de produção e distribuição. Dore Schary chefe da produção na MGM. Eagle-Lion absorve a PRC. RKO Theatres Corp. Sucessora dos cinemas da RKO. O cinema Pantages em Hollywood exibe em sua tela a transmissão pela TV das corridas de cavalos de Santa Monica. Howard Hughes assume o comando da RKO. Formada a Rampart Productions, Inc. (William Dozier). Todos os estúdios fazem três minutos de silêncio durante o funeral de D. W. Griffith, ao qual compareceram, entre outros, Charles Chaplin, John Ford e Erich von Stroheim.

1949 – Formado o Motion Picture Industry Council, para manter Hollywood livre do comunismo, membros mais ativos: Roy Brewer (presidente da IATSE), Ronald Reagan, Dore Schary e Cecil B. De Mille. United Paramount Theatres, Inc. sucessora dos cinemas da Paramount. Astros da década: June Allyson, Don Ameche, Dana Andrews, Gene Autry, Anne Baxter, Joan Bennett, Ingrid Bergman, Humphrey Bogart, Charles Boyer, Gary Cooper, Jeanne Crain, Bing Crosby, Linda Darnell, Deanna Durbin, Douglas Fairbanks Jr., Henry Fonda, Joan Fontaine, Ava Gardner, John Garfield, Judy Garland, Greer Garson, Paulette Goddard, Cary Grant, Betty Grable, Rita Hayworth, Bob Hope, Jennifer Jones, Danny Kaye, Alan Ladd, Veronica Lake, Hedy Lamarr, Dorothy Lamour, Burt Lancaster, Ida Lupino, Fred MacMurray, Ray Milland, Robert Mitchum, Robert Montgomery, Maureen O´Hara, Laurence Olivier, John Payne, Gregory Peck, Roy Rogers, Mickey Rooney, Robert Ryan, Lizabeth Scott, Ann Sheridan, Red Skelton, Gene Tierney, Lana Turner, John Wayne e Esther Williams.

1950 – Os “Dez de Hollywood” são encarcerados. Ação antitruste contra a Technicolor termina com um acordo judicial; a firma de Herbert Kalmus se obriga a colocar suas patentes ao dispor de outras companhias. Formadas a American Cinema Editors, Inc. (ACE) e a Screen Producers Guild. Filme de acetato (triacetate safety film) substitui o filme de nitrato (nitrate film). Frank Freeman chefe de produção na Paramount. Introduzido o eastmancolor. Formada a Filmakers, Inc. (Collier Young e Ida Lupino).

1951 – Louis B. Mayer pede demissão da MGM; Dore Schary chefe do estúdio. Arthur Krim e Robert Benjamin assumem o controle da United Artists. Fusão da Eagle-Lin Films, Inc. com a Film Classics, Inc. para formar a Eagle-Lion Classics; no ano seguinte cessa a produção e o acervo de filmes é absorvido pela United Artists. Formada a Batjac Productions, Inc. (John Wayne e Robert Fellows). National General Corp. e Stanley Warner Corp. respectivamente sucessoras dos cinemas da 20th Century-Fox e da Warner Bros. Testado o phonevision, primeira experiência de exibição de filmes em TV paga. Criado o Patsy Awards pela American Humane Association, para homenagear os astros animais do cinema.

1952 – A Suprema Corte decide que os filmes são protegidos pela Primeira Emenda. Columbia forma a subsidiária Screen Gems, para produzir filmes para a televisão. Decca Records compra a Universal; Milton Rackmill presidente, Edward Muhl chefe da produção. United Artists lança o primeiro filme em 3-D, Bwana, o Demônio / Bwana Devil (DIr: Arch Oboler). Formada a Filmways, Inc. (Martin Ransohoff). Cinerama estréia em Nova York como Isto é Cinerama / This is Cinerama, surgindo depois o thrillerama, wonderama, circarama e quadrivision. Screen Actors Guild negocia o primeiro contrato propiciando o pagamento de direitos residuais aos atores que participaram de filmes vendidos para a televisão. O programa de televisão de Edward R. Murrow, See it Now, é o primeiro a mostrar o making of de um filme, Hans Christian Andersen / Hans Christian Andersen (Dir: Charles Vidor).

1953 – 20th Century-Fox apresenta o primeiro filme em CinemaScope, O Manto Sagrado / The Robe (Dir: Henry Koster) Walt Disney forma sua própria companhia distribuidora, Buena Vista Distribution Company, Ltd. Monogram reorganizada como Allied Artists. Fundada a Magna Pictures Corporation para produzir, distribuir e exibir filmes no processo Todd-AO. Primeiro desenho curto de Walt Disney em CinemaScope, O Tatá, o Fifi, o Plin e o Chibun / Toot, Whistle, Pluck and Boom.

1954 – Screen Writers Guild torna-se Writers Guild of America. Formada a American Releasing Company (Samuel Z. Arkoff e James Nicholson). Paramount lança Natal Branco / White Christmas (Dir: Michael Curtiz) em Vistavision. Joseph Breen se aposenta: seu successor é Geoffrey Shurlock. Formada a Panavision, Inc. (Robert Gottschalk). Introduzido pela. Eastman Kodak o filme pancromático negativo Tri-X. Bausch & Lomb (fundada em 1853 como fabricante de óculos) fornece lentes para o CinemaScope; outras contribuições para o cinema foram as lentes do cinetoscópio de Edison; as lentes Cinephor para projeção; as lentes para câmeras Raytar e Baltar etc.

1955 – O processo Todd-AO estréia com Oklahoma! / Oklahoma! (Dir: Fred Zinnemann). Howard Hughes vende a RKO para a General Teleradio, Inc., subsidiária da General Tire and Rubber Company; William Dozier chefe da produção. Mary Pickford e Charles Chaplin vendem suas últimas ações da United Artists. Arthur Loew, filho de Marcus Loew, assume a presidência da Loew´s, Inc. Formada a Bryna Company (Kirk Douglas). Inauguração da Disneyland em Anaheim, Califórnia.

1956 – O Código de Produção é revisado para permitir referências a drogas, prostituição, aborto e sequestro em certas circunstâncias. Darryl Zanuck produtor independente; Buddy Adler chefe da produção na 20th Century-Fox. Harry e Albert Warner vendem suas ações da Warner Bros.; Jack Warner fica com as suas e é eleito presidente da companhia. Jornal cinematográfico Warner-Pathé encerra suas atividades. Joseph Vogel presidente da Loew´s, Inc.  American Releasing Corporation reorganizada como American International Pictures (AIP). Formada a Hetch-Hill-Lancaster (Harold Hetch, James Hill, Burt Lancaster). Schwab´s Drugstore, legendário ponto de encontro das celebridades de Hollywood, faz um leilão de vários de seus acessórios.

1957 – RKO encerra suas atividades como produtora de filmes para os cinemas. United Artists adquire os direitos de distribuição dos filmes da Warner Bros. anteriores a 1948. Formada a Hanna-Barbera Productions (William Hanna, Joseph Barbera, ex-chefes do departamento de desenhos animados da MGM, responsáveis pelos cartoons de Tom e Jerry). Paramount News cessa suas atividades. Primeiro filme em technirama: Aconteceu em Monte Carlo / The Monte Carlo Story (Dir: Samuel Taylor).

1958 – Estúdio da RKO comprado pela Desilu Productions.  Formada a Mirisch Corporation (Harold, Walter e Marvin Mirisch). Republic Pictures encerra suas atividades. MCA, Inc (Music Corporation of America) compra o acervo de filmes da Paramount. Introdução do gravador portátil Nagra (Stefan Kudelski), que se tornaria o equipamento de preferência em Hollywood nos anos 60.

1959 – Loew´s última companhia a completar o “divórcio” entre exibição e produção. Fusão da Decca com a MCA. Sam Briskin escolhido para dirigir a Columbia Pictures. Sol C. Siegel chefe da produção na MGM. Formada a Embassy Pictures Corporation (Joseph E. Levine). Astros da década: Carrol Baker, Stephen Boyd, Marlon Brando, Richard Burton, Jeff Chandler, Cyd Charisse, Montgomery Clift, Tony Curtis, Doris Day,Yvonne De Carlo, James Dean, Sandra Dee, Kirk Douglas, Glenn Ford, Stewart Granger, Susan Hayward, Audrey Hepburn, Charlton Heston, William Holden, Judy Holliday, Rock Hudson, Jeffrey Hunter, Grace Kelly, Gene Kelly, Deborah Kerr, Janet Leigh, Jack Lemmon, Jerry Lewis, Joel McCrea, Dean Martin, Victor Mature, Marilyn Monroe, Audie Murphy, Don Murray, Paul Newman, Kim Novak, Eleanor parker, Anthony Perkins, Jean Peters, Sidney Poitier, Elvis Presley, Lee Remick, Debbie Reynolds, Eva Marie Saint, Randolph Scott, Frank Sinatra, Jean Simmons, James Stewart, Elizabeth Taylor, Robert Wagner, Richard Widmark,  Cornel Wilde, Natalie Wood e Joanne Woodward.

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by AC
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