Histórias de Cinema

Entre o início da Segunda Guerra Mundial na Europa até o ataque nipônico contra Pearl Harbor, Hollywood produziu filmes de propaganda de vários tipos: 1. filmes contra o Nazismo (Casei-me com um Nazista / The Man I Married / 1940, Fuga / Escape / 1940, Fugitivos do Terror / Three Faces West / 1940, O Grande Ditador / The Great Dictator / 1940, Quatro Filhos / Four Sons / 1940, Tempestades d’Alma / The Mortal Storm, O Homem Que Quís Matar Hitler / Man Hunt / 1941, Náufragos / So Ends Our Night / 1941, Proibidos de Amar / They Dare Not Love / 1941;

Fuga

O Grande Ditado

Tempestades d’Alma

2. Filmes de resistência (A Besta de Berlim / Hitler, Beast of Berlin / 1939; A Voz da Liberdade / Underground / 1941);

3. Filmes “de prontidão”, mostrando que a América estava preparada para a guerra (Asas nas Trevas / Flight Command / 1940, Demônios do Céu / Dive Bomber / 1941, Batalhão de Paraquedas / Parachute Batallion / 1941, Revoada de Águias / I Wanted Wings / 1941);

Asas nas Trevas

Demônios do Céu

4. Filmes incentivando a aliança anglo-americana (Mulheres na Guerra / Women in War/ 1940; Rumo ao Oeste / Escape to Glory / 1940, Um Ianque na RAF / A Yank in the RAF / 1941, Sedutora Internacional / International Lady / 1941, Confirme ou Desminta / Confirm or Deny / 1941, Esquadrilha Internacional / International Squadron / 1941, Quando Nasce o Dia / Sundown / 1941);

Um Ianque na R.A.F.

5. Filmes de espionagem ou sabotagem (Submarino Fantasma / The Phantom Submarine / 1940, Man at Large / 1941, Scotland Yard / Scotland Yard / 1941, Espiões do Eixo / World Premiere / 1941;

6. Filmes passados na Primeira Guerra Mundial, exaltando o heroismo (Regimento Heróico / The Fighting 69th / 1940; Sargento York / Sergeant York / 1940);

Sargento York

7. Filmes incentivando a intervenção dos Estados Unidos na Guerra: Correspondente Estrangeiro / Foreign Correspondent / 1940; Levanta-te meu Amor / Arise my Love / 1940, Na Estrada de Burma / Burma Convoy / 1942);

8. Comédias patrióticas sobre recrutamento (Ordinário, Marche! / Buck Privates / 1941; Marinheiros de Água Doce / In the Navy / 1941; Aviadores Avariados / Keep’em Flying; Sorte de Cabo de Esquadra / Caught in the Draft / 1941, O Sabichão / Tanks a Million / 1941;

Marinheiros de Água Doce

9. Comédias curtas satirizando o nazismo (Empapelando o Mundo / You Nazty Spy / 1940 (Três Patetas). Esses filmes levaram certos grupos a acusarem Hollywood de estar incitando o povo americano à guerra.

Senador  Gerald P. Nye

Em setembro de 1941, dois senadores isolacionistas, Gerald P. Nye do North Dakota e Bennett Champ Clark do Missouri, pediram uma investigação do Senado. Eles relacionaram a queixa com o o tema do monopólio (na verdade um oligopólio) da indústria cinematográfica, que tinha sido novamente despertado pela ação judicial antitruste proposta pelo Departamento de Justiça contra os grandes estúdios.

O senador Nye sustentou que apenas quatro ou cinco homens mantinham o controle monopolístico sobre o que milhões de americanos viam nos seus cinemas, e os três que citou pelo nome – Harry Warner da Warner Bros, Barney Balaban da Paramount e Nicolas Schenck da Loew’s Inc. -, eram todos judeus. Além de seus sentimentos religiosos e étnicos em relação à luta na Europa, Nye acusou-os de querer que os Estados Unidos interviessem, a fim de proteger seus interesses comerciais na Grã-Bretanha. Warner, Balaban e Schenck compareceram como depoentes, embora a voz mais persuasiva tivesse sido a de Darryl F. Zanuck, que começou indicando seu lugar de nascimento: Wahoo, Nebraska, e descrevendo seus pais e avós como americanos nativos e membros da Igreja Metodista durante toda a vida. O defensor da indústria, Wendell L. Willkie, ex-candidato republicano à presidência dos Estados Unidos, argumentou que os filmes haviam sido baseados em fatos incontestáveis. O resto dos depoimentos foi anticlimático e a subcomissão do Senado na qual transcorreu a investigação não se reuniu novamente, antes que Pearl Harbor tornasse seu trabalho obsoleto.

Jornalista Lowell Mellett

Em 17 de dezembro de 1941, dez dias após o ataque japonês, o presidente Roosevelt nomeou o jornalista Lowell Mellett coordenador dos filmes de propaganda, para assessorar Hollywood na sua ajuda ao esforço de guerra. Roosevelt disse a Mellett: “O cinema americano é um dos meios de informação e entretenimento de nossos cidadãos e portanto deve ficar livre de censura na medida em que a segurança nacional permita”. A mensagem de Roosevelt era de muita importância para a indústria do cinema, indicando que Hollywood poderia continuar suas operações comerciais e sem grande interferência de Washington.

Mellett apenas comunicou a todos os estúdios que havia seis assuntos relacionados com a guerra, e que o governo esperava ver tratados em filmes de ficção, cine-jornais, shorts, e documentários: As Questões – por que combatemos, a paz; O Inimigo – sua natureza; Nossos Aliados: Trabalho e Produção; A Frente Doméstica – sacrifício; e As Forças Armadas dos Estados Unidos – sua tarefa nas frentes de batalha.

James Stewart em Quem Quiser Ter Asas

Na verdade, os estúdios já haviam começado a apoiar as políticas intervencionistas não oficiais do presidente. Em junho de 1940, o Hays Office havia formado o Motion Picture Committee Cooperating for National Defense com a finalidade de produzir shorts relacionados com a defesa do país e cuidar da distribuição gratuita dos filmes de propaganda produzidos por várias agências governamentais. Após o ataque japonês, este grupo tornou-se o War Activities Committee of the Motion Picture Industry – WAC, liderado pelo ex-executivo da RKO, George Schaefer, que conseguiu colocar aqueles filmes em mais de dez mil cinemas. Entre os filmes que circulavam nessa ocasião – denominados Victory Films -, estavam os de recrutamento, procurando atrair voluntários para as forças armadas ou braços para a indústria de guerra. No meio de muitas dezenas de outros, incluiam-se Quem Quiser Ter Asas / Winning Your Wings, no qual aparecia James Stewart convocando os rapazes para a aviação; A Mulher e a Guerra nos Estados Unidos / Women in Defense, com Katharine Hepburn narrando um comentário escrito por Eleanor Rosevelt, destinado a encorajar a adesão feminina; Força para a Defesa / Power for the Defense, mostrando como a energia do Vale do Tennessee era usada para movimentar as máquinas das fábricas; Aviões de Bombardeio / Bomber e Tanques de Guerra / Tanks, realçando a construção e o valor de tais veículos na guerra moderna.

Poucas semanas após a entrada dos Estados Unidos no conflito mundial, tanto a Warner como Disney começaram a trabalhar nos projetos de animação relacionados com o esforço de guerra. Em janeiro de 1942 foram lançados Any Bonds Today? , desenho de dois minutos do coelho Pernalonga produzido pela unidade de Leon Schlesinger, estimulando a compra dos bônus de guerra e The New Spirit, desenho de oito minutos do Pato Donald produzido por Walt Disney, destacando a importâcia do recolhimento dos impostos para a vitória, ambos produzidos para o Departamento do Tesouro.

O estúdio Disney, com seus 1.200 empregados, foi o único classificado como fábrica de produção de guerra oficial pelo governo e, por causa disso, ficava cercado por sacos de areia e artilharia antiaérea. Durante a Segunda Guerra Mundial, 90% dos animadores realizaram centenas de fimes de treinamento e de informação e desenharam mais de mil insígnias militares, sendo que o Pato Donald figurou em mais de quatrocentas das mesmas. Em 1943, Disney fez The Spirit of 43, Vitória pela Fôrça Aérea / Victory Through Air Power (baseado no livro do major Alexander de Seversky sôbre o bombardeio estratégico de longo alcance, encaixando desenho e ação “ao vivo”), e dois especiais, Educação para a Morte / Education for Death -The Making of a Nazi e Razão e Emoção / Reason and Emotion. No mesmo ano, Vida de Nazista / Der Fuherer’s Face, desenho do Pato Donald satirizando o nazismo, obteve o Oscar da Academia. Nos outros desenhos, Disney também introduzia temas de propaganda , como em Donald é Sorteado / Donald Gets Drafted / 1942, A Mascote do Exército / The Army Mascot / 1942, O Soldado Invisível / The Vanishing Private / 1942, Aviador do Barulho / Sky Trooper / 1942, A Sentinela / Private Pluto / 1943,; O Automo … Bastão / Victory Vehicles / 1943, Pateta, o Marujo / How to be a Sailor / 1944, O Paraquedista / Commando Duck / 1944 etc.

Education for Death

Education for Death

As unidades de animação dos outros estúdios atuaram mais esporadicamente mas no todo a produção de cartoons relacionados com a guerra foi substancial. Eis alguns exemplos: a unidade de Fleischer na Paramount (e depois seus sucessores na fase Famous Studios) acionou o marinheiro Popeye em filmes como Popeye Motorizado / Many Tanks / You’re a Sap, Mr. Jap / 1942, Ao Fundo os Japoneses / Scrap the Japs / 1942, Spinach for Britain / 1943 etc. e o Superhomem (Superman) em Sabotagem e Companhia / Destruction Inc. / 1942, A Mão Infalível / The Eleventh Hour / 1942 e Japoteurs / 1942; a unidade Hanna-Barbera da MGM ganhou o Oscar de 1943 pelo seu desenho patriótico O Rato Patriota / Yankee Doodle Mouse; a unidade de Schlesinger na Warner usou novamente o Pernalonga, desta vez para enfrentar os japoneses em Bugs Bunny Nips the Nips / 1944 e os alemães em Herr Meets Hare / 1945 enquanto o Patolino (Daffy Duck) desafiava o oficial nazista Von Vulture em Daffy – the Commando / 1943 e o Gaguinho (Porky Pig) estrelava a paródia de um filme de ficção da Warner, Confessions of a Nutzy Spy / 1942; a unidade de Paul Terry (Terrytoons) na Universal, colocou seu Gandy Goose em Pigeon Patrol / 1942, o primeiro cartoon que retatou os japoneses como animais – o vilão era um abutre nipônico; George Pal fez uma alegoria da invasão nazista da Dinamarca e da resistência no seu Puppetoon As Tulipas Voltarão a Florir / Tulips Shall Grow / 1942, e recebeu uma indicação para o Oscar.

Daffy the Commando

Confessions of a Nutsy Spy

Tulips Shall Grow

Convém mencionar ainda os desenhos da série Private Snafu que a Warner produziu para a Army-Navy Screen Magazine. Supervisionados por Chuck Jones, estes cartoons tinham valores de produção modestos, eram exibidos somente para o pessoal militar e muito mais sensuais e maliciosos do que os desenhos animados comerciais. Chuck Jones dirigiu (sem ser creditado) quase a metade da série, inclusive o desenho de abertura, Coming Snafu / 1943, I. Freleng e Frank Tashlin dirigiram a maioria dos restantes, e Mel Blanc providenciou a voz do Soldado Snafu.

Private Snafu

Hollywood procurou compensar a perda do mercado europeu, bloqueado pela expansão nazista, aproximando-se da América Latina. Em 14 de junho de 1940, Errol Flynn, foi recebido no Palácio do Catete pelo presidente Getúlio Vargas, com a presença também da Sra. Alzira Vargas e Getulio Vargas Filho. No dia seguinte, Flynn escreveu para o presidente Roosevelt relatando o acontecimento. Ele disse a Roosevelt que, pela conversa, acreditava que Vargas era favorável à união panaamericana. Depois do encontro com Vargas, o ator americano fez uma declaração em inglês para a Hora do Brasil, transmitida em cadeia nacional. Flynn saudou os brasileiros com um “Boa noite!” , falado em português, agradeceu a acolhida do povo brasileiro e terminou seu discurso dizendo que esperava que sua visita ajudasse no estreitamento das relações entre a América do Sul e a América do Norte.

Errol Flynn no Rio de Janeiro

Em 1941, Walt Disney fez o roteiro latino-americano em prol da política da boa vizinhança, durante o qual seus artistas colheram as histórias e os tipos que seriam utilizados em Alô, Amigos! / Saludos Amigos!, lançado no ano seguinte. O episódio brasileiro, Aquarela do Brasil, mostrava Aurora Miranda dançando e cantando com o Pato Donald e o Zé Carioca, este dublado pelo violonista Zezinho de Oliveira. A receita seria repetida, sem Aurora Miranda, em Você Já Foi à Bahia? / The Three Caballeros, produção de 1944.

Wlat Disney com Oswaldo Aranha

Disney chegou ao Rio em 17 de agosto de 1941 e ficou entre nós até 8 de setembro. Entre os vários eventos dos quais participou, destacaram-se o encontro com o presidente Getulio Vargas e sua esposa Sra. Alzira Vargas na estréia de Fantasia no cinema Pathé-Palace; a audição de músicas brasileiras executadas pela orquestra da Radio Clube do Brasil com Paulo Tapajós e Nuno Roland como cantores e Ary Barroso ao piano; a conversa com Vila Lobos; a transmissão pela Hora do Brasil, na qual reproduziu no microfone a voz do camondongo Mickey (que era a sua própria voz em falsete); o almoço no Palácio Itamaraty recepcionado por Oswaldo Aranha, Ministro das Relações Exteriores, quando foi condecorado com o grau de oficial da Ordem do Cruzeiro do Sul; o espetáculo especial que lhe foi oferecido no Cassino da Urca com uma breve reconstituição de Branca de Neve, na qual o cantor Candido Botelho apareceu como o Príncipe Encantado e as “girls” do cassino representaram os sete anões.

Douglas Fairbanks Jnr. no Rio de Janeiro

Em abril de 1941, Douglas Fairbanks Jr. foi convidado pelo subsecretário de Estado Sumner Welles, com a aprovação do presidente Roosevelt, para cumprir uma missão na América Latina. O objetivo oficial da excursão era investigar os efeitos dos filmes americanos naquela região (“Queremos que os outros povos nos vejam como realmente somos” disse ele em uma entrevista), mas na realidade visava avaliar o grau de simpatia dos latino-americanos para com os países do Eixo e os Estados Unidos. Ele chegou ao Brasil em 24 de abril e os jornais da época cobriram diuturnamente sua estadia em nosso país, inclusive seu encontro com o Presidente Getúlio Vargas e sua visita ao campo do Botafogo, a tempo de assistir ao Fla Flu no final do Torneio Início, vencido pelo Fluminense.

Welles filmando no Rio de Janeiro

É muito conhecido o episódio da estada de Orson Welles no Brasil para filmar It’s All True. No livro-entrevista organizado por Peter Bogdanovich (This is Orson Welles, 1992) o diretor deixou bem claro que veio ao nosso país por motivos políticos, isto é, para promover as relações entre os Estados Unidos e o Brasil. “A RKO entrou com o dinheiro, porque estavam sendo chantageados, obrigados, influenciados – ou qualquer outro termo que você queira usar – por Nelson Rockefeller, que era também um de seus patrões na época, para dar esta contribuição para o esforço de guerra … Eu simplesmente não sabia como recusar. Era um trabalho de graça para o governo, que realizei, porque foi colocado para mim como um dever”.

Welles chegou ao Brasil em 8 de fevereiro de 1942 com a intenção de filmar dois episódios de It’s All True (Tudo é Verdade). O primeiro episódio era sobre o carnaval, o samba e o cadomblé; o segundo episódio, uma história feita em homenagem a quatro jangadeiros cearenses que haviam realizado uma grande façanha. No ano anterior, Welles tinha lido na revista Time uma reportagem sobre a travessia por mar da Praia do Peixe (hoje Praia de Iracema) de Fortaleza ao Rio de Janeiro, feita pelos jangadeiros Manuel Olímpio Meira (o Jacaré), Jeronimo André de Sousa (o Mestre Jerônimo), Raimundo Correia Lima (o Tatá) e Manuel Pereira da Silva (o Manuel Preto), para pedir providências ao Presidente da República sobre os seus direitos previdenciários. Depois de 61 dias com 2.381 km percorridos, os jangadeiros chegaram à Baia de Guanabara e foram recepcionados como heróis. Vargas os recebeu e, só depois de conseguirem a promessa do presidente de ampará-los, voltaram para o Ceará, desta vez em um bimotor da Navegação Aérea Brasileira.

Oswaldo Aranha, Orson Welles e Lourival Fontes

Em 16 de fevereiro, o Diário da Noite anunciou que o baile de gala do Teatro Municipal, patrocinado pela Sra. Darcy Vargas em benefício da Cidade das Meninas seria filmado em Technicolor por Orson Welles e constituiria sequências principais da sua esperadíssima produção Tudo é Verdade”. A Sra. Adalgiza Nery Fontes, Candido Portinari, Herbert Moses, José Lins do Rego e Welles comporiam o júri que julgaria as fantasias femininas e masculinas e cinco orquestras típicas dirigidas por Fon-Fon, Donga, Napoleão Tavares, Sátiro Melo e Chiquinho executariam o repertório do Carnaval de 1942.

Ademilde Fonseca, Orson Welles e Elizete Cardoso

Em 27 de fevereiro, Welles e Phil Reismann, vice-presidente da RKO-Radio Pictures, encontraram-se com o presidente Getulio Vargas no Palácio Rio Negro, estando presentes também a Sra. Alzira Vargas; Turner Catledge, do jornal Chicago Sun; Lourival Fontes, diretor geral do DIP e Assis Figueiredo, diretor da Divisão de Turismo do DIP.

Getulio Vargas recebe Orson Welles

Welles filmou o carnaval carioca e, em 8 de marco rumou para Fortaleza, acompanhado de seu assistente Richard Wilson. Dois meses mais tarde, Jacaré e seus três companheiros foram trazidos de avião para o Rio onde, ao lado de Grande Otelo, participariam de algumas cenas do episódio carnavalesco e reconstituiriam, em uma praia da Barra da Tijuca, a chegada da jangada “São Pedro” à Baía de Guanabara. Várias tomadas chegaram a ser feitas no dia 19, mas uma manobra infeliz da lancha que rebocava a jangada jogou ao mar agitado os seus quatro tripulantes. Três se salvaram, porém o corpo de Jacaré nunca foi encontrado.

Cena de It’s All True

Ainda assim, Welles retomou a filmagem, apesar das coações veladas da ditadura getulista (ao governo não interessava que o mundo visse um Brasil mestiço com pescadores vivendo em casas de pau-a-pique) e do assédio crescente da RKO e do governo americano, que o acusavam de estar gastando muito dinheiro e só filmando “crioulos, miséria e misticismo”, além de levar uma vida mundana extravagante.

Welles chegou novamente a Fortaleza no dia 13 de junho, e ali rodou (com o fotógrafo húngaro George Fanto e seu assistente de câmera, Reginaldo Calmon – e acionando um fotógrafo de cena local, Chico Albuquerque), nas areias do Mucuripe, a história de amor entre um jovem pescador (José Sobrinho) e uma bela morena (Francisca Moreira da Silva), o casamento dos dois, a morte do jangadeiro e seu enterro nas dunas, a consequente revolta dos pescadores pelas suas precárias condições de vida.

Filmagem de It’s All True

Na fase de montagem, devido a mudanças na empresa, Welles foi demitido, e o filme confiscado pela RKO, que depois foi vendida à Lucille Ball e Desi Arnaz, para se tornar o Desilu Studio. Posteriormente, a Desilu veio a ser absorvida pela Paramount Pictures, onde 309 latas de negativo em nitrato foram descobertas em 1982 por um executivo do estúdio, Fred Chandler. Este material foi usado por Richard Wilson, Myron Meisel e Bill Krohn em um documentário em 1993.

Em maio de 1943, John Ford chegou ao Brasil, para – com aprovação do DIP e do nosso Ministro da Guerra – supervisionar a produção de uma série de filmes que descrevessem a contribuição do Brasil para o esforço de guerra. Associados ao comandante Ford nesse projeto vieram também o cinegrafista Gregg Toland, o produtor e roteirista Samuel G. Engel, Bert Cunningham (fotógrafo especialista em cine-jornais) e técnicos. Ford ficou entre nós apenas três semanas, durante as quais foi ao Cassino da Urca; visitou Quitandinha; assistiu na Atlântida a filmagem de Moleque Tião / 1943 com Grande Otelo, e foi apresentado ao presidente Getulio Vargas por Raoul Roulien no Palácio Rio Negro em Petrópolis.

John Ford recebido pelo Presidente Getulio Vargas

Após a partida de Ford, a missão ficou sob o contrôle de Gregg Toland, que contou ainda com a assessoria de um brasileiro, Jorge de Castro, cinegrafista da Marinha. A chamada Missão Ford, inicialmente prevista para durar quatro mêses, acabou se estendendo por mais de um ano. Foram fotografados vários aspectos do esforço de guerra, registrando a cooperação entre a Marinha Brasileira e a Americana, o patrulhamento do Atlântico Sul, a produção de materiais essenciais para a guerra tais como borracha, cristal de quartzo, mico, manganês etc.

Em maio de 1944, um dos filmes realizados pela Missão Ford, São Paulo Industrial, foi apresentado no auditório da Associação Brasileira de Imprensa (ABI) e poucos dias depois em São Paulo no Palácio dos Campos Elíseos. São Paulo não mostrava a pobreza urbana ou favelas e uma única pessoa de cor sequer aparecia no documentário – o exato oposto do que Welles tentara descrever em It’s All True. Era um tributo ao principal centro cosmopolita e industrial do Brasil e ao esforço de guerra do país bom vizinho como um todo. O filme serviu de modelo para outros exemplares da Missão Ford como, por exemplo, Belo Horizonte / 1945, sobre a capital de Minas Gerais, enfatizando os recursos vitais em tempo de guerra da região como o minério de ferro.

Elmer Davis

O relacionamento de Hollywood com Washington assumiu uma dimensão mais formal e burocrática em junho de 1942, com a criação oficial do Office of War Information – OWI, dirigido pelo radialista Elmer Davis. As funções do OWI eram: intensificar a compreensão da opinião pública sobre a guerra no país e no exterior, coordenar as atividades de informação do governo, e servir como contato com a imprensa, o radio e o cinema. A OWI repartiu sua responsabilidade no além-mar com o Office of the Coordinator of Inter-American Affairs – OCIAA (ex-Office for Coordination of Comercial and Cultural Relations between the Americas), chefiado pelo neto de John D. Rockefeller, Nelson Aldrich Rockefeller. O cinema desempenhou um papel importante na estratégia de propaganda do OCIAA.

Nelson Rockefeller

John Hay Whitney

A Divisão de Cinema ficou sob a responsabilidade de John Hay Whitney, amigo multimilionário de Nelson, que tinha experiência em Hollywood e fácil acesso aos altos escalões da colônia cinematográfica. Uma de suas funções era promover a produção americana de filmes de longa e curta-metragem (v.g. Arsenal of Might / 1942, Keeping Fit / 1942, What Are We Fighting For / 1943, com 10 minutos de duração, produzidos pela Universal para a série apelidada de America Speaks), e de cine-jornais sobre os Estados Unidos e as “outras Américas”, distribuindo-os nos países latino-americanos.

A Divisão também promovia a inclusão de artistas latino-americanos nos filmes mericanos (vg. Carmen Miranda, Arturo de Cordova, Carlos Ramirez, Tito Guizar, José Iturbi, Xavier Cugat etc.), tratava de melhorar a imagem que Hollywood havia forjado para os latinos, e aconselhava os estúdios que evitassem as gafes sobre os costumes da América Latina (onde já se viu a nossa Carmen Miranda cantando em português uma rumba intitulada “South American Way” em um filme feito para homenagear a Argentina – Serenata Tropical / Down Argentine Way / 1941 (Dir: Irving Cummings) – no qual, aliás, não havia um só cidadão argentino no elenco?).

A equipe de trabalho de Mellett, agora chamada de Bureau of Motion Pictures – BMP, estava dentro do ramo doméstico do OWI. Do seu escritório em Washington, Mellett supervisionava a produção de shorts de propaganda e um escritório em Hollywood sob a chefia de Nelson Poynter, cuidava das relações com a indústria cinematográfica.

Nelson Poynter

Enquanto a distribuição dos filmes de propaganda transcorria tranquilamente, a tentativa do BMP de trabalhar com os realizadores de Hollywood em filmes relacionados com a guerra foi uma tarefa mais complexa e difícil. Em dezembro, Mellett surpreendeu a indústria, enviando uma carta para todos os estúdios, aconselhando-os a submeter seus scripts e os copiões dos filmes rotineiramente ao escritório do BMP, que poderia recomendar alguns cortes. O BMP codificou seus pontos de vista em um manual. A primeira pergunta que todos os envolvidos na produção deveriam fazer era: “Este filme conseguirá ajudar a ganhar a guerra?”. Inicialmente os executivos da indústria protestaram, mas depois concordaram com a censura informal proposta por Mellett. Por volta de 1943, após a saída de Mellett e Poynter, desprestigiados com um corte de verbas pelo Senado, o OWI e a indústria estabeleceram relações de trabalho mais confortáveis, que seriam mutuamente benéficas.

Byron Price

Outro órgão importante de supervisão por parte do governo, o Office of Censorship, chefiado por Byron Price, fiscalizava a importação de filmes estrangeiros e a exportação de filmes domésticos. Basicamente, o que os censores queiram era saber se tais filmes poderiam ser de algum valor para o inimigo. Por exemplo, se mostravam em segundo plano estaleiros ou vias férreas, fábricas de produção de guerra e instalações militares, o contorno da costa e posições estratégicas, e novas aeronaves ou armamentos.

O Office of Censorship interessava-se também por cenas que pudessem ser transformadas em propaganda do inimigo ou que apresentassem cidadãos dos países aliados ou neutros de forma depreciativa. Por exemplo, em 1942, a Republic Pictures anunciou que estava engavetando os planos de filmar o seriado Fu Manchu Strikes Back, em respeito ao povo chinês. Mas após considerarem com calma os lucros que haviam auferido com o primeiro seriado, Os Tambores de Fu Manchu / Drums of Fu Manchu /1940, preferiram apenas transformar o famoso vilão oriental em um inimigo dos japoneses. Entretanto, o novo Fu Manchu acabou não aparecendo nas telas. Diferentemente da OWI, o Office of Censorship não conversava com os chefes dos estúdios antes ou durante a produção. Qualquer alteração que fosse necessária no conteúdo dos filmes era feita na pós-produção, sendo, portanto, mais dispendiosa.

Apoiados pelo Research Council of the Motion Picture Academy, presidido por Darryl F. Zanuck, os estúdios dedicaram-se aos filmes de treinamento – também conhecidos como pedagógicos ou filmes “nuts and bolts” (de aspectos práticos) -, sem visarem a lucros. Em 1944, a produção tinha alcançado a percentagem de vinte filmes por semana e, graças a eles, segundo palavras do general Eisenhower, a fase de treinamento pôde ser abreviada colocando os soldados prontos para entrar em combate com maior antecedência.

A princípio, os pedagogos das forças armadas fizeram restrições aos shorts de Hollywood: “Um filme de treinamento deve ser considerado como um livro escolar … Não existe obrigação da parte do livro escolar de ser divertido ou agradável”. Porém quando o Exército precisou de uma série de filmes sobre “condicionamento antes do combate” e “psicose do campo de batalha”, ele recorreu instintivamente a Hollywood, “onde as instalações e o pessoal experimentado da indústria cinematográfica americana podiam incutir nesses filmes o realismo e a dramatização de que necessitamos”. O resultado foi a série de muita influência, Fighting Men (1942-1943), devotada principalmente às pressões psicológicas da guerra.

Em fevereiro de 1942, o General Marshall ordenou a criação do Signal Corps Photographic Center depois denominado Army Pictorial Service (APS) para produzir filmes para o treinamento, endoutrinação e divertimento das forças armadas americanas e de seus aliados. O APS instalou-se no Astoria Studios em Long Island, Nova York (fundado em 1920 pela Famous Players-Lasky, depois Paramount), e produziu mais de 2.500 filmes durante a guerra com mais de 1.000 dublados em outros idiomas

Equipe da FMPU

Em julho do mesmo ano, foi formada pela Fôrça Aérea dos Estados Unidos (USAAF) a First Motion Picture Unit (FMPU), comandada pelo tenente coronel Jack Warner, com a tarefa de produzir filmes para treinamento das tropas e dos cinegrafistas de combate. Inicialmente a FMPU operava nos estúdios da Vitagraph que, no entanto, se mostrou inadequado para a produção de filmes na escala requerida pela unidade. Assim, em outubro, o FMPU requisitou o Hal Roach Studios, que foi apelidado de Fort Roach. Warner voltou para a sua companhia produtora Warner Bros. e o tenente coronel Paul Mantz (o famoso stunt pilot) assumiu o comando da unidade.

Lloyd Nolan em uma cena de Resisting Enemy Interrogation

O primeiro projeto foi um filme de treinamento de vôo intitulado Learn and Live, que se passava em um “Paraíso de Pilotos”onde aparecia o ator Guy Kibee como São Pedro. Para demonstrar as técnicas corretas da aviação eram mostrados onze erros comuns de direção de vôo. O filme foi muito elogiado e levou a uma série de filmes inclusive Learn and Live in the Desert, Ditch and Live e Learn and Live in the Jungle. Outro filme realizado pela FMPU, Resisting Enemy Interrogation, foi louvado pelos militares e considerado “o melhor filme educativo” produzido durante a guerra, tendo sido indicado para o Oscar de Melhor Documentário em 1944.

Os Film Daily Yearbooks de 1942 e 1943 dão uma lista imensa do pessoal de cinema que prestava serviço nas forças armadas naqueles anos, destacando-se: Darryl F. Zanuck, Merian C. Cooper, James Stewart, Frank Capra, Lloyd Bacon, Robert Montgomery, Douglas Fairbanks Jr., John Ford, Gregg Toland, Anatole Litvak, Garson Kanin, Richard Barthelmess, Alan Ladd, Van Heflin, Jon Hall. John Alton, Louis Hayward, Robert Cummings, Gene Autry, Lew Ayres, John Huston, George Cukor, William Keighley, Clark Gable, Joseph H. Lewis, William Holden, Cesar Romero, Robert Preston, George O’Brien, George Brent, Robert Taylor, Victor Mature, Melvyn Douglas, John Carroll, John Payne, Gilbert Roland, Wayne Morris, Donald Crisp, MacDonald Carey, Bruce Cabot, Sterling Hayden, Henry Fonda, Robert Stack, Robert Parrish, Robert Mitchum, Burgess Meredith, George Stevens, Ronald Reagan, Glenn Ford, entre inúmeros outros.

James Stewart condecorado

Clark Gable a bordo de seu avião

Robert Taylor na Naval Air Station em 1941b

Tyrone Power serviu na Marinha

Isso sem contar os artistas que, no futuro, iriam despontar nas telas, como Lee Marvin, Charles Bronson, Rock Hudson, Paul Newman, Kirk Douglas, Jason Robards Jr., Telly Savalas, George Kennedy, James Arness, Jack Palance e Audie Murphy (o soldado mais condecorado na Segunda Guerra Mundial, recebendo 24 medalhas, inclusive a Congressional Medal of Honor), contando-se, entre os diretores, Robert Altman, Richard Brooks, Martin Ritt, Samuel Fuller etc. O ator Donald Crisp, veterano da Primeira Guerra Mundial, com 62 anos de idade, estava em atividade na inteligência militar e até Francis Ford, o irmão mais velho de John Ford, alistou-se em abril de 1943, mas foi desligado, durante um treinamento, quando descobriram sua verdadeira idade: sessenta e cinco anos. Robert Taylor, por esemplo, serviu como instructor de vôo no setor de transporte aeronaval, chegou a dirigir 17 filmes de treinamento e narrou o documentário de longa-metragem Belonave / The Fighting Lady. Clark Gable, na aviação, cumpriu várias missões sobre a Alemanha e atingiuou o posto de Major. James Stewart, comandante de bombardeiro, fez muitos vôos arrojados contra o inimigo e se reformou em 1968 como general-brigadeiro da Air Force Reserve.

Muita gente pode ter pensado que John Wayne, o homem que simbolizaria o patriotismo e o orgulho americano praticamente ganhou a Segunda Guerra Mundial. E, se ele não ganhou, Errol Flynn ganhou – ou pelo menos ele retomou Burma sozinho (em Um Punhado de Bravos / Objective Burma / 1945), o que naturalmente enfureceu os inglêses. O fato porém é que nem Wayne nem Flynn jamais vestiram um uniforme ou dispararam um só tiro no conflito mundial.

Pai de quatro filhos, casado (embora separado da esposa, Josephine) e com 34 anos de idade em 1942, Wayne foi classificado pelo Selective Service como 3-A (isenção por ser arrimo de família). Em 1944, quando os militares receavam uma falta de combatentes, ele foi reclassificado como 1-A (apto para o serviço militar). Não existe prova de que ele tivesse contestado essa reclassificação, porém seu empregador, o estúdio da Republic Pictures o fez, solicitando que fosse concedida ao ator a classificação 2-A (isenção no interesse nacional, isto é, venda de bônus de guerra, visita às tropas etc.). Wayne foi muito criticado, por não ter demonstrado interesse em servir a pátria, preferindo incrementar sua carreira.

Errol Flynn no filme Um Punhado de Bravos

Errol Flynn não serviu nas forças armadas porque sofria de malária recorrente e também de tuberculose. Quando a Warner Bros. tentou fazer o seguro dele nos meados dos anos trinta, os médicos verificaram que ele estava nos estágios iniciais de insuficiência cardíaca congestiva. Flynn tentou se alistar no Exército, na Marinha, no Corpo de Fuzileiros Navais e no Corpo Aéreo do Exército, mas foi rejeitado em todas as vêzes. O estúdio ocultou as razões de sua rejeição, porque seus executivos acharam que isto prejudicaria a imagem cinematográfica do astro.

Lew Ayres servindo como enfermeiro

Ficou muito conhecido o caso de Lew Ayres, que interpretara o papel do jovem soldado alemão morto ao esticar o braço para fora da trincheira, tentando pegar uma borboleta no filme Sem Novidade no Front / All Quiet on the Western Front / 1930. Em março de 1942, Ayres foi classificado como 4E e internado em um Co Camp (Conscientious Objector Camp) destinado para pessoas que, por questões de consciência, recusavam-se a tomar parte ativa na guerra. A notícia de que um ator de Hollywood recusara-se a cumprir seu dever patriótico, despertou o clamor público, e foi causa de debate. Eventualmente, ele foi reclassificado, serviu com coragem e distinção durante três anos e meio como padioleiro e enfermeiro no corpo médico das operações no Pacífico Sul e doou todo o dinheiro que ganhou nas forças armadas para a Cruz Vermelha Americana. Os nativos das Filipinas na Campanha de Leyte costumavam chamá-lo de Dr. Kildare, personagem que ele encarnava na conhecida série da MGM.

Nenhum artista convocado obteve tanta publicidade como Ronald Reagan. Ele ficava bem de uniforme e seu estúdio e as revistas de fãs esforçaram-se para retratá-lo como o soldado do Exército modelo, casado com uma esposa exemplar do tempo da guerra, Jane Wyman, que também era atriz. Como oficial da cavalaria da reserva, Reagan foi chamado em abril de 1942 mas, devido a sua deficiência de visão, ficou desqualificado para o serviço ativo. Ele jamais deixou a Califórnia durante o conflito mundial. Seu primeiro pôsto foi no quartel da cavalaria em Fort Mason, sendo em seguida requisitado pela Força Aérea para integrar a FMPU, sua unidade cinematográfica sediada no Hal Roach Studios. Os shorts mais conhecidos nos quais participou foram Além do Dever / Beyond the Line of Duty / 1942 (premiado com o Oscar de Melhor Curta-Metragem de dois rolos e Artilheiros das Nuvens / Rear Gunner / 1943.

Ronald Reagan em Rear Gunner

Mais tarde, quando Reagan enveredou pela política, ele deixou claro que não era um herói de guerra, mas sempre que contava suas histórias sobre aquele acontecimento, fundia realidade e ficção na sua mente, chegando às vêzes a confundir as duas. Por exemplo, Reagan contou para o líder de Israel Yitzhak Sahmir e os caçadores de nazistas Simon Wiesenthal e Rabin Marvin Hier que sua precupação com Israel datava desde a epóca em que, como oficial do Signal Corps, ele filmou os campos de concentração. Quando desafiado pelos repórteres, para esclarecer sua declaração, Reagan disse que estava se referindo a alguns “filmes secretos” (na realidade exibidos nos cinemas americanos em 1945), que havia visto em Fort Roach.

Filed under: Posts
by AC
2 Comments »

A notícia do ataque japonês a Pearl Harbor foi transmitida pelo rádio às onze horas e vinte e seis minutos do dia 7 de dezembro de 1941. Entretanto, esta data marca apenas o início oficial da entrada dos Estados Unidos na Segunda Guerra Mundial, pois a comunidade de Hollywood já vinha formando grupos anti-fascistas desde os meados dos anos trinta.

Fredric March, Florence Eldridge, Helga Maria e seu esposo Hubert zu Löwenstein

Em outubro de 1936, foi fundada (por um espião soviético, Otto Katz – também conhecido como André Simone e Rudolph Breda – e por um príncipe alemão exilado, Hubertus zu Löwenstein) a Hollywood Anti-Nazi League (HANL), organização que reunia liberais e comunistas no apoio à luta contra o fascismo e o nazismo. Ela promovia grandes comícios, chamando a atenção para as condições da Europa e as atividades pró-nazistas na América, protestando contra visitas de fascistas ou nazistas proeminentes a Los Angeles como Vittorio Mussolini, filho do ditador italiano Benito Mussolini e Leni Riefenstahl. O número de associados cresceu rapidamente, incluindo alguns dos mais importantes escritores, astros, diretores e produtores de Hollywood (vg. Donald Ogden Stewart, Dorothy Parker, Dudley Nichols, John Howard Lawson, Ring Lardner Jr., Phillip Dunne, Jo Swerling, Herman J. Mankiewicz, John Ford, Anatole Litvak, Fritz Lang, Herbert Biberman, Robert Rossen, Mervyn LeRoy , Fredric March, Melvyn Douglas e sua esposa Helen Gahagan, Eddie Cantor, Paul Muni, Robert Montgomery, Fred Astaire, Bette Davis, Ginger Rogers, Miriam Hopkins, Gloria Stuart, Gale Sondergaad, Jack Warner, Samuel Goldwyn, Carl Laemmle, Irving Thalberg, David O. Selznick, Walter Wanger). Havia tanta atividade política em Hollywood durante esse período, que alguns estúdios ameaçaram a inserir “cláusulas políticas” (que proibiam os atores de envolvimento politico em público) nos contratos de trabalho.

Anúncio da Anti-Nazi League

Vittorio Mussolini em Hollywood ao lado de  Charles J. Puttijohn e Hal Roach

Outros grupos foram o The Motion Pictures Artist’s Committee, muito bem sucedido ao levantar dinheiro para socorrer as populações afetadas pela Guerra Sino-Japonesa e pela Guerrra da Espanha e o Motion Picture Democratic Committee (MPDC), liderado por Melvyn Douglas, que apoiava a administração Roosevelt, mas propunha uma oposição mais forte ao totalitarismo. Douglas desempenhou um papel crucial no chamado “Committee of 56”, que ele formou, com a finalidade de redigir uma “Declaração de Independência Democrática”, pedindo a Roosevelt para romper com a Alemanha. Esta declaração, que a comissão fez circular através do país, colhendo milhares de assinaturas antes de submetê-la ao presidente, complementava o recente apelo da Hollywood Anti-Nazi League por um embargo econômico à nação germânica.

Refletindo o sentimento isolacionista da maioria do povo americano, surgiram organizações contra a intervenção dos Estados Unidos na guerra européia tais como o Keep America Out of War Congress, o National Council for the Prevention of War, a Women’s International League for Peace and Freedom e, principalmente, o America First Committee, patrocinado na sua maior parte por empresários, líderes políticos e celebridades como o aviador Charles A. Lindbergh, Walt Disney e Lilian Gish.

Foram ainda criadas entidades em prol dos aliados já envolvidos no conflito mundial como o Committee to Defend America by Aiding the Allies (também chamada de William Allen White Committee, nome de seu fundador) e o Fight for Freedom Committee, cujo objetivo primordial era bem claro: os Estados Unidos deveriam entrar imediatamente na guerra como beligerante – Ethel Barrymore, Douglas Fairbanks Jr., Helen Hayes, Burgess Meredith estavam entre seus membros.

Em junho de 1938, o representante democrata do Texas no Congresso Americano, Martin Dies Jr., presidente do House Committee to Investigate Un-American Activities (HUAC) – também conhecido como Dies Committee – tentou encontrar provas da influência comunista em Hollywood, que poderia estar por detrás da intensa atividade anti-nazista então emergente na capital do cinema. Os liberais de Hollywood sabiam que, se associando com comunistas, estavam expostos a ataques de pessoas como Dies; porém, ao mesmo tempo, eles viam os comunistas como aliados na sua luta contra Hitler. Os grupos anti-nazistas necessitavam de sua capacidade de recrutamento, burocrática e de propaganda, para manter as operações do dia-a-dia funcionando.

Dies mandou que seus investigadores, J. B. Matthews e Edward Sullivan, identificassem os subversivos da Costa Leste e eles citaram Clark Gable, James Cagney, Robert Taylor e até Shirley Temple (por terem enviado cartões de felicitações a um jornal francês, Ce Soir, editado pelo partido comunista) como exemplos. Matthews via esses artistas não como revolucionários, mas sim como uns inocentes úteis que inconscientemente permitiam o uso de seus nomes para promover a causa comunista. O inquérito de Dies malogrou, enfraquecido por falta de fundos e condenado ao ridículo pela insinuação de Matthews de que Shirley Temple era uma patrocinadora de causas comunistas.

Martin Dies interrogando Fredric March e Florence Eldridge

Entretanto, nos mêses seguintes, a sombra de Dies continuou pairando sobre a fábrica de sonhos. Ele retornou para a California depois que John L. Leech, ex-membro do Partido Comunista, acusou quarenta e dois membros da indústria cinematográfica de contribuirem para causas comunistas. Instalando-se no Hotel Waldorf Astoria como membro único de uma subcomissão da HUAC, Dies começou a interrogar as pessoas da lista de Leech (vg. Humphrey Bogart, Fredrich March e sua esposa Florence Eldridge, Luise Rainer, Franchot Tone, James Cagney, Francis Lederer, Melvyn Douglas, Robert Montgomery), porém não conseguiu produzir provas de uma conspiração maligna de comunistas na área do cinema.

Os dirigentes das grandes companhias de cinema americanas já haviam visto o caos que os nazistas poderiam causar, quando um grupo de “camisas marron” (como eram apelidados os componentes da organização paramilitar Sturmabteilung – SA), comandados pelo (ainda não Ministro) Dr. Paul Joseph Goebbels, interrompeu a estréia em Berlim de Sem Novidade no Front / All Quiet in the Western Front / 1930 (Dir: Lewis Milestone) com bombinhas de mau cheiro, pó de espirrar, camondongos brancos, e gritos de “Judenfilm!”. Pressionado pelos nazistas, o governo de Weimar rescindiu a licença de exibição do filme.

Transtornos na estréia de Sem Novidade no Front em Berlim

Até o final dos anos trinta, a indústria cinematográfica americana era economicamente dependente do mercado mundial para o sucesso de seus produtos. Era a área onde as grandes companhias auferiam seus lucros já que os custos de produção se pagavam pela renda obtida no próprio continente norte-americano. Na América do Sul, por exemplo, algo em torno de 5 mil cinemas exibiam filmes americanos; na Asia, mais de 6 mil; porém na Europa, o número de cinemas passava de 35 mil. Para não correr o risco de perder seu importante mercado alemão, a maioria dos estúdios de Hollywood procurou evitar qualquer menção aos desenvolvimentos políticos na Alemanha desde a ascenção ao poder de Adolf Hitler em 1933 até 1939, quando irrompeu o Conflito Mundial.

Apoiados pela Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA) e com fundamento na cláusula X, inciso 2 do Código de Produção (“a história, instituições, pessoas eminentes, e cidadãos de todas as nações devem ser representadas convenientemente”), eles se submeteram à censura nazista, aceitando cortes em vários de seus filmes, exigidos pelo consul germânico de Los Angeles, Georg Gyssling, e chegaram até a despedir os empregados judeus que trabalhavam nos escritórios de distribuição na Alemanha.

Georg Gyssling e Leni Riefenstahl

Um exemplo da timidez da indústria diante de assuntos que poderiam levar ao banimento de seus filmes no exterior foi o projeto de filmagem, em 1935, do romance de Sinclair Lewis, It Can Happen Here, sobre um presidente carismático que lidera uma revolução fascista. Aconselhado por Joseph I. Breen (o director da reforçada Production Code Administration), Louis B. Mayer engavetou a produção.

No final de 1936, a MGM passou pela mesma dificuldade ao filmar Este Mundo Louco / Idiot’s Delight, baseado na peça anti-fascista e pacifista de Robert E. Sherwood de muito sucesso na Broadway (estrelada pelo casal Alfred Lunt – Lynn Fontaine e ganhadora do Pullitzer Prize como melhor drama do ano), sobre uma trupe teatral detida pelo governo italiano no saguão de um hotel Alpino. Na tela, os papéis principais couberam a Clark Gable e Norma Shearer.

Quando soube que a MGM havia adquirido o direito de filmagem, o embaixador italiano em Washington contatou imediatamente Joseph Breen demonstrando o descontentamento por parte de seu governo. Breen consultou o consul italiano, Duque Roberto Caracciolo di San Vito, e ele disse a Breen que, se a MGM “tornasse o filme completamente inofensivo aos italianos, ele achava que poderia persuadir seu governo a não opor mais nenhuma objeção à filmagem daquela história”. A MGM aceitou a proposta e, para apagar qualquer vestígio da Itália, inclusive o idioma italiano, fizeram os soldados falar em … Esperanto.

Produções independentes também sofreram restrições: em 1933, o projeto de The Mad Dog of Europe (idealizado por Sam Jaffe – não confundir com o ator coadjuvante – e depois impulsionado por Al Rosen) foi vetado pelo MPPDA; o documentário com cenas reconstituídas (vg. a breve entrevista com Hitler foi encenada pelo produtor Cornelius Vanderbilt Jr. com o microfone na mão, confrontando um imitador do Fuherer) Hitler’s Reign of Terror / 1934 e o docudrama da Malvina Pictures I Was a Captive of Nazi Germany / 1936 foram liberados por Breen, mas só conseguiram ser exibidos com cortes e em uns poucos cinemas, não afiliados às grandes companhias.

Cena reconstituida de Hitler’s Reign of Terror

A impertinência de Gyssling chegou ao cúmulo, quando a Universal planejou levar à tela The Road Back / 1937, uma espécie de continuação de Sem Novidade no Front, descrevendo as provações dos sobreviventes de uma companhia de combate alemã, quando eles voltam para a sua pátria. O consul vigilante de Los Angeles exigiu que Joseph Breen usasse sua influência e “matasse o projeto”. Sem obter resposta de Breen, Gyssling enviou uma carta para sessenta pessoas do elenco e da equipe técnica, que haviam assinado contrato para traballhar no filme, ameaçando-as com sua arma corriqueira, o Artigo 15 da legislação cinematográfica de seu país, que dispunha que os produtores cujos filmes difundissem calúnias à Alemanha, ao seu governo ou seu povo, poderia ter sua licença para exibir filmes revogada – não somente dos seus filmes “ofensivos”, mas de todos os seus filmes.

Reproduzida pelos jornais, a missiva de Gyssling provocou uma reação furiosa. A Hollywood Anti-Nazi League rotulou-a como “um dos exemplos mais insidiosos da interferência nazista nas vidas dos cidadãos americanos”. A HANL mandou também um telegrama para o Secretário de Estado Cordell Hull, condenando as táticas de intimidação de Gyssling e pedindo sua deportação. O Departamento de Estado formulou um protesto formal ao Ministério das Relações Exteriores Germânico e o novo embaixador alemão em Washington prometeu que Gyssling não repetiria seus meios agressivos. Porém ele continuou no cargo e, assim que a Universal anunciou o término da filmagem, o Daily Variety publicou uma reportagem, na qual afirmava que a cópia destinada para lançamento, havia sido alterada devido à pressão nazista.

Na sua reportagem, “Hollywood declara Guerra!” (15/6/1939), o correspondente da Cinearte em Los Angeles, Gilberto Souto, escreveu: O filme foi quase todo transformado, terminando num “travesti” do que se planejara fazer anteriormente”. No Brasil, o DIP proibiu a exibição de The Road Back, apesar de já programada para o Cinema Palácio com o título em português: Depois…

Em abril de 1933, o chefe do escritório de distribuição da Warner Bros. em Berlim, um judeu de nacionalidade britânica, chamado Paul Kaufman, foi espancado pelos SA e obrigado a deixar o país; ele faleceu alguns mêses depois em Estocolmo por causas que podiam ter sido ou não relacionadas com o ataque. Em julho de 1934, citando sua inaptidão para ganhar dinheiro sob a lei de censura germânica e a que impedia que as companhias estrangeiras tirassem seu dinheiro do país, Jack Warner encerrou as operações de sua empresa na Alemanha.

A Warner foi a primeira das majors a se retirar, seguida pela United Artists, Universal, RKO e Columbia. Entretanto, com exceção da Warner, esses estúdios exilados mantiveram intermediários no país e continuaram a fazer alguns negócios através de escritórios situados em Londres e Paris. Já a Paramount, a Twentieth Century-Fox e a MGM decidiram ficar na Alemanha, porque tinham muito dinheiro “bloqueado” lá e haviam encontrado um jeito de recuperar boa parte dele. A Paramount e Twentieth Century-Fox reinvestiram seu “ativo congelado” nos cine-jonais locais (como era permitido) e vendiam as imagens da Alemanha ao mundo inteiro. A MGM emprestava dinheiro a certas empresas alemãs cuja necessidade de crédito era premente, recebia bônus em troca do empréstimo, e finalmente vendia esses bônus no exterior com uma perda de cerca de 40% – mas era melhor do que deixar seu dinheiro preso em um banco nazista.

Jack Warner tornou-se um dos donos de estúdio anti-nazistas mais ativos da Terra do Cinema, contribuindo financeiramente e abrindo os microfones da sua estação de rádio KFWB para várias causas anti-nazistas bem como injetando sentimentos anti-nazistas nos seus curtas–metragens patrióticos, dramatizando grandes momentos da História Americana (vg. Give me Liberty! / 1937, Sons of Liberty / 1939 – ambos premiados com o Oscar).

Harry Warner monitorava a programação da cadeia de cinemas pertencentes à Warner Bros. e expurgava tudo que estivesse relacionado ao nazismo. Em 1936, ele mandou retirar de todas as salas de cinema da Warner as edições especiais do cine-jornal sobre a primeira luta Max Schmelling – Joe Louis pelo Campeonato Mundial de Boxe, pois o grande pugilista negro havia perdido para o seu colega ariano. Já  na revanche, em 1938, quando Joe Louis liquidou o alemão aos dois minutos e quatro segundos do primeiro round, Harry Warner não fez qualquer objeção à programação da luta nos cinemas de sua empresa

Marquise de um cinema onde estava sendo exibido Inside azi Germany

Harry também baniu dos 425 cinemas afiliados da Warner o episódio de A Marcha do Tempo intitulado Inside Nazi Germany, a mais controvertida e abrangente reportagem sobre a Alemanha nazista nos anos trinta. Lançado em janeiro de 1938, o cine-jornal expunha o que o restante do cinema americano mantinha escondido. Por sorte, o cinegrafista Julien Bryan conseguiu permissão (vigiada) dos nazistas para mostrar as maravilhas da Nova Alemanha; porém, ao promover o filme, o produtor Louis de Rochemont divulgou que Bryan teria filmado os bastidores do Terceiro Reich subrepticiamente e, depois de escapar da censura nazista, trouxera o material filmado clandestinamente para os Estados Unidos. Alguns instantâneos foram encenados como, por exemplo, as cenas que mostram uma execução pela guilhotina, as freiras na prisão, um soldado nazista coletando sobras de lixo de uma dona-de-casa além, um casal alemão escutando uma propaganda radiofônica.

O Secretário de Estado Cordell Hull declarou que Inside Nazi Germany era definitivamente anti-nazista e uma lição para todos os Americanos mas, para Harry Warner, tratava-se de uma propaganda nazista completa. Segundo Harry, as imagens de Hitler e de seus exércitos, de pessoas bem vestidas e bem alimentadas, trabalhando em fábricas de armamentos, que funcionavam a todo vapor, subjugavam as condenações em voz over ao regime pois, no cinema, as imagens são mais eloquentes que o som.

A partir dos meados dos anos trinta, a Warner começou a colocar anti-fascismo ou anti-nazismo nos seus filmes de longa-metragem de forma oblíqua ou alegórica (vg. A História de Louis Pasteur / The Story of Louis Pasteur / 1936, A Legião Negra / Black Legion / 1937, Esquecer, Nunca! / They Won’t Forget / 1937, Émile Zola / The Life of Emile Zola / 1937, Juarez / Juarez / 1939).

A Guerra na Espanha já servira como pano de fundo para um filme da Paramount, O Último Trem para Madrid / The Last Train from Madrid / 1937, que evitava qualquer comentário político, concentrando-se na situação e vida pessoal de um grupo de refugiados, preparando-se para embarcar no último trem que os levará para longe dos horrores de uma Madrid sitiada. Quando o produtor independente Walter Wanger tentou fazer um filme mais contundente sobre a mesma guerra e mostrou o roteiro de Bloqueio / Blockade / 1938 para Joseph Breen, este o advertiu de que deveria ter o cuidado de não identificar as facções em luta e se manter rigorosamente neutro.

Henry Fonda e Madeleine Carroll em Bloqueio

Wanger seguiu seu conselho mas, mesmo assim, poucos americanos politicamente conscientes em 1938 não foram capazes de reconhecer os grupos que estavam se confrontando na tela e se empolgar com a mensagem pacifista final no discurso proferido pelo personagem interpretado por Henry Fonda, condenado o bombardeio e a fome de mulheres e crianças. O filme enfureceu os adeptos do general Franco, que o consideravam pró-legalista, e foi ativamente boicotado por grupos católicos através dos Estados Unidos. Um deles, os “Knights of Columbus” de Ohio, o descreveram como “historicamente falso e intelectualmente desonesto retrato da Guerra Civil Espanhola” e fizeram piquetes em frente aos cinemas que ousaram programá-lo.

No ano seguinte, a Warner Bros. realizou o filme anti-nazi mais explícito feito em Hollywood, antes da América entrar oficialmente na Segunda Guerra Mundial. Originalmente intitulado Storm Over America, Confissões de um Espião Nazista / Confessions of a Nazi Spy baseou-se nas experiências de um ex-agente do FBI, Leon G. Turrou (já famoso pelo seu trabalho no sequestro do filho de Charles Lindbergh), que havia sido demitido do Bureau por ter violado o juramento de confidencialidade, ao vender uma série de artigos para o New York Post, contando como ele havia desmascarado a rêde de espionagem nazista. Turrou publicou também um livro, “Nazi Spies in America”, em colaboração com o reporter David G. Wittels, que havia coberto o julgamento dos espiões.

Foi durante a fase do julgamento, que a Warner Bros. despachou o roteirista Milton Krims para Nova York, a fim de acompanhar os depoimentos com vistas para um possível projeto de filme. Gyssling leu uma nota sobre isso no Hollywood Reporter e procurou mais uma vez Joseph Breen com as ameaças de sempre. Breen lhe respondeu que havia encaminhado seu protesto para a Warner Bros., a fim de que as duas partes interessadas se entendessem diretamente. Quando a Warner lhe mandou o roteiro para sua apreciação, deu sinal verde para a filmagem, alegando que ele não infringia a cláusula X, inciso 2 do Código de Produção, porque “as atividades dessa nação (a Alemanha) e de seus cidadãos, tais como descritas no roteiro, foram corroboradas pelos testemunhos e provas produzidas no julgamento”. Apresentado no formato semi-documentário, o filme se concentra nas atividades de um médico alemão, Dr. Karl Kassell (Paul Lukas), líder da sucursal de Nova York do German American Bund (Partido Nazista Americano) e um germano-americano desertor do Exército dos Estados Unidos e fracassado, Kurt Schneider (Francis Lederer), que oferece seus serviços à inteligência militar nazista, em uma tentativa patética de ganhar dinheiro e recuperar sua auto-estima. Através dele, os agentes do FBI comandados por Ed Renard (Edward G. Robinson) conseguem desbaratar todo o bando de quinta-colunistas.

Cena de Confissões de um Espião Nazista

Edward G. Robinson e Paul Lukas em Confissões de um Espião Nazista

Edward G. Robinson e Francis Lederer em Confissões de um Espião Nazista

George Sanders em Confissões de um Espião Nazista

Os nomes dos personagens foram mudados. Na realidade, quem foi preso pelo FBI foi o Dr. Ignatz Griebl, um obstetra e líder por pouco tempo da organização predecessora do German-American Bund, “The Friends of New Germany”, porém a Warner fundiu o espião Griebl com Fritz Kuhn, presidente contemporâneo do Bund; o verdadeiro Kurt Schneider chamava-se Guenther Rumrich. Os créditos aparecem apenas depois do final do filme e o aviso padrão de que todos os personagens são fictícios e qualquer nenhuma semelhança com pessoas reais, vivas ou mortas, é pura coincidência, foi omitido. Pela primeira vez em um filme de longa-metragem de grande porte foram vistos insígnias e frases de propaganda do Nazismo, suásticas enormes, retratos gigantescos de Hitler e multidões de americanos fanáticos uniformizados gritando Sieg heil!, com os braços levantados conforme a saudação nazista. Em certos momentos da narrativa, surgem interlúdios no estilo de cinejornal apresentando uma perspectiva mais panorâmica dos males do Nazismo narrados pela voz de barítono do radioator John Deering, no estilo estentório de Westbrook Van Voorhis, o famoso locutor de A Marcha do Tempo / The March of Time. Quando a produção ficou pronta, os publicistas da Warner alardearam o patriotismo corajoso do “filme que chama uma suástica de suástica!”.

Desfile do German American Bund

Fritz Kuhn e seus correligionários

Alegando difamação, Fritz Kuhn, o presidente do Partido Nazista Americano na vida real, pediu a proibição da distribuição do filme e propôs uma ação contra a Warner Bros., pedindo 5 milhões de dólares de indenização; o pedido de proibição foi negado e a ação não foi admitida. Consulados germânicos queixaram-se ao Departamento de Estado, que encaminhou as queixas para a MPPDA sem qualquer comentário. Quando o prefeito de Nova York, Fiorello La Guardia, mandou investigar os impostos pagos pelo Bund, verificou-se que Kuhn havia desviado mais de 14 mil dólares do Partido, gastando parte desse dinheiro com uma amante. Kuhn foi condenado por peculato, preso durante a guerra em um campo de concentracão no Texas como agente inimigo, e finalmente deportado em 1945 para a Alemanha.

Padre Coughlin em um de seus discursos

O controvertido padre católico Charles Coughlin citou Confissões de um Espião Nazista no seu programa de rádio muito popular como evidência de uma conspiração judaico-comunista contra a América. Muitos bispos americanos, assim como o Vaticano, queriam que ele fosse silenciado mas, quando irrrompeu a Segunda Guerra Mundial na Europa em 1939, foi a administração Roosevelt que finalmente forçou o cancelamento de suas transmissões radiofônicas e proibiu a disseminação pelo correio do seu jornal, Social Justice.

Muitos países favoráveis ao nazismo baniram o filme. No Brasil, Confissões de um Espião Nazista foi somente liberado em março de 1942, e lançado em maio, sendo anunciado nos jornais como “O filme que Hitler daria tudo para destruir”. Apesar de toda celeuma que criou, a Twentieth Century-Fox, a MGM e a Paramount, continuaram distribuindo seus produtos na Alemanha e não se engajaram em ataques aos nazistas – até serem definitivamente banidas do mercado alemão em meados dos anos quarenta.

Quando, no dia 1 de setembro de 1939, o exército germânico invadiu a Polonia e, em poucos dias, a Grã Bretanha e a França declararam guerra contra a Alemanha, dando início ao Segundo Grande Conflito Mundial, a maioria dos mercados europeus se trancaram para a importação de filmes americanos. Somente nos Países Baixos, cerca de 1400 cinemas foram fechados, representando uma perda de 2 milhões e meio de renda anual para as companhias americanas. Isto, acrescido dos prejuízos previamente sofridos em partes da Escandinávia, Polonia, Itália, Espanha e Balcãs significava que elas haviam perdido mais de 25 por cento de sua renda anual no exterior. No final de 1940, toda a Europa Continental estava fechada para a importação de filmes americanos com exceção da Suécia, Suiça e Portugal. Agora não havia mais razão para Hollywood não fazer filmes anti-nazistas e, até o ataque japonês a Pearl Harbor, começaram a sair dos estúdios um punhado de produções embebidas de propaganda, intimando a América a se preparar para a guerra total que estava se esboçando.

Filed under: Posts
by AC
No Comments »

Carlos Thompson

CARLOS THOMPSON (1923-1990). Local de nascimento: Santa Fe, Argentina. Nome verdadeiro: Juan Carlos Mundin-Shaffer. De ascendência germano-suiça, desde a infância desejava ser romancista. Passou seus anos de formação em Nova York, onde seu pai trabalhava como correspondente latino americano para a rádio CBS. Voltou para a Argentina, a fim de cursar a Universidade de Buenos Aires e lá foi apresentado a um produtor de cinema, que o estimulou a seguir uma carreira de ator. Depois de participar de uma dezena de filmes argentines, interpretando pequenos papéis, atingiu o estrelato com Angústia de Amor / La de los ojos color del tiempo / 1952 com Mirtha Legrand; El Túnel / 1952 com Laura Hidalgo; Paixão Desnuda / La Pasión Desnuda / 1953 com Maria Félix (no seu único filme argentino) e Uma Mulher Chamada Margarida / La Mujer de las Camelias / 1954 com Zully Moreno. No Festival do Cinema Uruguaio de 1952, Thompson conheceu Yvonne De Carlo que o persuadiu a ir para Hollywood.

Antes de filmar Uma Mulher Chamada Margarida, ele fez com Yvonne O Forte da Coragem / Fort Algiers / 1953, seguindo-se mais três filmes americanos: Paixão e Carne / Flame and the Flesh / 1954 com Lana Turner e Pier Angeli, O Vale dos Reis / Valley of the Kings / 1954 com Robert Taylor e Eleanor Parker e Chama Imortal / Magic Fire / 1955 com Yvonne De Carlo, Rita Gam e Valentina Cortese.

Lana Turner e Carlos Thompson em Paixão e Carne

Carlos Thompson, Robert Taylor e Eleanor Parker em O Vale dos Reis

Após esse interlúdio hollywoodiano, Thompson trabalhou em mais de uma dúzia de filmes alemães (destacando-se Francisca / Auf Wiedersehen, Franciska / 1957 e A Senhora do Mundo / Die Herrin der Welt / 1960) e em um ou outro filme de outra nacionalidade (merecendo realce o filme austríaco A Leviana Inocente / Die Halbzaate / 1959 com Romy Schenider e sua mãe Magda Schneider e a excelente comédia de guerra francêsa A Farsa do Amor e da Guerra / La Vie de Château / 1966, seu filme derradeiro, interpretando o ofical alemão, Major Klopstcok, ao lado de Catherine Deneuve, Pierre Brasseur, Philipe Noiret.

Carlos Thompson e Romy Schneider em A Leviana Inocente

Nos final dos anos sessenta,Thompson deixou o cinema, para se dedicar à literature, sua primeira paixão, e escreveu um livro de sucesso, “The Assassination of Winston Churchill” (1969). Ele se casou com Lili Palmer, pouco após esta ter se divorciado de Rex Harrison em 1957. Lili faleceu em 1986 e, quatro anos depois, Thompson matou-se em Buenos Aires com um tiro na cabeça.

Raquel Torres

 RAQUEL TORRES (1908-1987). Local de nascimento: Hermosillo. México. Nome verdadeiro: Paula Marie Osterman. Filha de pai alemão e de mãe de origem franco-espanhola, depois que sua progenitora faleceu, ela e a irmã, Renee, foram colocadas no colégio interno de um convento. Paula sonhava em ser atriz e quando seu pai soube que a MGM estava buscando uma desconhecida para interpreter o papel principal em um filme de grande orçamento, ele deixou que ela fizesse o teste. Paula foi aprovada, ganhou um novo nome e uma carreira no cinema. Como Raquel Torres, ela partiu para as Ilhas Marquesas, a fim de atuar com Monte Blue, em Deus Branco / White Shadows of the South Seas / 1928, o primeiro filme sincronizado (som em disco) da MGM com música e efeitos sonoros.

Raquel Torres e Monte Blue em Deus Branco

Raquel Torres e Charles Bickford em Monstro Marinho

Raquel era a jovem polinésia Fayaway que, em uma cena encantadora, o Dr. Matthew Lord (Monte Blue) ensinava a assobiar. Em seguida, ela fez na MGM mais quatro filmes: A Ponte de San Luis Rey / The Bridge at San Luis Rey / 1929 com Lili Damita, Don Alvarado e Duncan Renaldo, O Estafeta / The Desert Ryder / 1929, western com Tim McCoy, Monstro Marinho / The Sea Bat / 1930 com Charles Bickford e Nils Asther e Jeca de Hollywood / Estrellados, v. esp. de Free and Easy com Buster Keaton; na Warner, Don Juan do México / Under a Texas Moon / 1930 com Frank Fay, Myrna Loy e Armida; na Tiffany, Aloha / Aloha; na Columbia, Tapeando os Vivos / So This is Africa / 1933 com a dupla Wheeler e Woolsey e The Woman I Stole / 1933 com Jack Holt e Fay Wray; na Paramount, O Diabo a Quatro / Duck Soup / 1933 com os Irmãos Marx.

Raquel com Wheeler e Olsey em Tapeando os Vivos

Raquel Torres e Grouch Marx em O Diabo a Quatro

Pode-se dizer que sua breve carreira terminou com o filme que ela fez no Reino Unido, Red Wagon / 1933, dirigido por Paul L. Stein porque, depois deste, participou apenas de um short, Star Night at the Cocoanut Grove e de Amores de uma Diva / Go West Young Man, estrelado por Mae West, em uma ligeira aparição, sem ser creditada. Raquell casou-se com Jon Hall depois de ter se divorciado do corrector de valores mobiliários Stephen Ames, seu primeiro marido.

Lupita Tovar

 LUPITA TOVAR (1910 – ). Local de nascimento: Matías Romero, Oaxaca, México. Nome verdadeiro: María de Guadalupe Tovar. Criada com muito rigor e educada em um colégio de freiras, nunca pensou em ser atriz. Entretanto, aos 16 anos de idade, mudou para uma nova escola, onde pôde ter aulas de ginástica e de dança. Certo dia, o documentarista Robert Flaherty, que tinha ido ao México, visitou a escola e, quando viu María dançando, convidou-a para concorrer no Concurso de Beleza Fotogênica promovido pela Fox. Ela ganhou o primeiro prêmio no certame e, depois de certa relutância por parte de seu pai, assinou contrato de sete anos, com direito de opção de seis em seis mêses, com aquela companhia. Lupita estreou na tela participando, em papéis ínfimos, de quatro filmes da Fox: A Mulher Enigma / The Veiled Woman / 1929, estrelado pela brasileira Lia Torá, Rua Alegre / Joy Street / 1929, A Guarda Negra / The Black Watch / 1929 e O Mundo às Avessas / The Cockeyed World / 1929, neste último, sem ser creditada.

Carlos Villarias e Lupita Tovar na versão esp. de Dracula

Quando veio o cinema falado, o contrato de Lupita não foi renovado, porque a a Fox estava dando preferência para atores oriundos do teatro. Ao saber que a Universal estava dublando filmes em idiomas diferentes, Lupita procurou o estúdio de Carl Laemmle e, por intermédio do produtor Paul Kohner, começou a estrelar versões espanholas de filmes americanos (A Vontade do Morto / La Voluntad del Muerto, v. esp. de The Cat Creeps / 1930 com Antonio Moreno; Dracula, v. esp. (não exibida no Brasil) de Drácula / Dracula / 1931, sua interpretação mais lembrada ao lado de Carlos Villarias; Alas sobre el Chaco, v. esp. de Tempestade sobre os Andes / Storm over the Andes / 1935 com Antonio Moreno. Ela fez também em papéis principais: Carne de Cabaret, v. esp. de Ten Cents a Dance / 1931, na Columbia; O Audaz Conquistador / Yankee Don / 1931 com Richard Talmadge; El Tenorio del Harem / 1931, v. esp. da comédia curta de Slim Summerville, Arabian Knights / 1931 acrescida de material filmado extra, para compor um longa-metragem; A Lei da Fronteira / Border Law / 1931, com Buck Jones / 1932; Santa / 1932; Vidas Rotas / 1935, na Espanha;

Lupita Tovar e Gene Autry em South of the Border

Fanfarronadas / The Invader ou The Old Spanish Custom / 1936, com Buster Keaton, no Reino Unido; Marihuana / 1936, no México; El Capitan Tormenta / v. esp. de Captain Calamity / 1936; El Rosario de Amozoc / 1938 e Maria / 1938, no México; Valentia de Gringo / The Fighting Gringo / 1939, com George O’Brien, na RKO; Miguel Strogoff, El Correo del Zar /1944, no México; O Médico Destemido / The Crime Doctor’s Courage / 1945, com Warner Baxter. Em outros filmes, Lupita teve papéis pequenos ou médios: A Leste de Bornéo / East of Borneo / 1931; Bloqueio / Blockade / 1938; Fúria nas Selvas / Tropic Fury / 1939 na Universal; South of the Border / 1939, estrelado por Gene Autry; Inferno Verde / Green Hell / 1940; O Galante Aventureiro / The Westerner / 1940 (não creditada); Two Gun Sheriff / 1943, western de Don “Red” Barry; Ressurreição / Resurección / 1943. Assinalam-se ainda na sua filmografia dois shorts: Estamos em Paris / 1931 (v. esp. de Parisian Gaieties) com Slim Summerville, e Gun to Gun / 1944, um dos oito westerns de 20 min. da série Santa Fe Trail da Warner, ao lado de Robert Shayne. Lupita casou-se com Paul Kohner e tiveram dois filhos, Pancho e Susan, que se tornou a atriz Susan Kohner. Paul abriu sua agência de talentos em 1938 e representou grandes personalidades de Hollywood.

Lupe Velez

 LUPE VELEZ (1908-1944). Local do nascimento: San Luis Potosí, México. Nome verdadeiro: Maria Guadalupe Villalobos Vélez. Filha de um coronel das forças armadas do ditador Porfirio Diaz e de uma cantora, estudou em um convento em San Antonio, no Texas, e foi aí que aprendeu a falar inglês. Após ter completado quinze anos de idade, e seu pai ter desaparecido durante a Revolução Mexicana, ela deixou o convento, e voltou para o México. Lupe e sua irmã Josefina foram apresentadas por sua mãe à estrela popular do Teatro de Revista, María Conesa, “La Gatita Blanca”, que lhes deu a chance de cantar e dançar o shimmy “Oh Charley, My Boy” no meio de um dos seus espetáculos. Em 1924, Aurelio Campos, jovem pianista e amigo das irãs Velez, recomendou Lupe aos produtores teatrais Carlos Ortega e Manuel Castro Padilla, que estavam preparando uma revista no Regis Theatre. Eles deram a Lupe a primeira oportunidade na companhia, depois de ter sido inicialmente rejeitada por causa de sua pouca idade, em favor de vedetes mais experientes como Celia Montalvan (a Josépha de Toni / Toni / 1935 de Jean Renoir) e Delia Magaña (futura atriz do cinema mexicano). Em 1925, o show Bataclan chegou de Paris comandado por Madame Rasimí e causou sensação no Esperanza Iris Theater.

Lupe

Este sucesso levou alguns empreendedores a lançar a paródia, “Mexican Rataplan” com Lupe Velez na frente do elenco. Lupe causou furor, cantando a dançando com um rebolado estonteante, coberta de pedrarias e penas, e logo se firmou como uma das principais estrelas do vaudeville no México. Um amigo da família, Frank Woodward, indicou Lupe ao ator Richard Bennett (pai de Joan e Constance Bennett), bastante conhecido no teatro americano, que precisava de uma jovem com as características de Lupe para a peça “The Dove”. Lupe foi para Los Angeles, mas não conseguiu o papel. Na Califórnia, ela conheceu a comediante Fanny Brice. Esta promoveu sua carreira como dançarina e mencionou seu nome para Florenz Ziegdfeld em Nova York. Quando Lupe estava prestes a partir para Manhattan, recebeu um telefonema de Harry Rapf da MGM, que a convidou para fazer um tese cinematográfico. Hal Roach, viu o teste de Lupe e a contratou, colocando-a em duas comédias curtas: What Women Did for Me / 1927 com Charley Chase e Cuidado com os Marujos / Sailors Beware / 1927, ao lado de Oliver Hardy, Stan Laurel e Anita Garvin.

Lupe Velez e Douglas Fairbanks em O Gaucho

Lupe Velez  em Melodia do Amor

Gary Cooper e Lupe Velez em A Canção do Lobo

Lon Chaney e Lupe Velez em Sedução

Monte Blue e Lupe Velez em Mulher de Vontade

Henry King dirige Lupe Velez em Porto do Inferno

No mesmo ano, um caçador de talentos levou Lupe à presença de Douglas Fairbanks e este lhe deu o papel da Garota das Montanhas em O Gaucho / O Gaucho / 1927, tendo sido também testadas Myrna Loy, Fay Wray, Raquel Torres e Loretta Young. Seguiram-se quatro filmes importantes na sua carreira: Frêmito de Amor / Stand and Deliver / 1928 (Dir: Donald Crisp), A Melodia do Amor / Lady of the Pavements / 1929 (Dir: D.W. Griffith), A Canção do Lobo / The Wolf Song (Dir: Victor Fleming) e Sedução / Where East is East / 1929 (Dir: Tod Browning), com Lupe, sempre no papel principal, ao lado respectivamente de Rod La Roque, William “Stage” Boyd, Gary Cooper e Lon Chaney. Depois de mais quatro filmes americanos de prestígio, Mulher de Vontade / Tiger Rose / 1929 (Dir: George Fitzmaurice) com Monte Blue, Porto do Inferno / Hell Harbor / 1930 (Dir: Henry King)) com Jean Hersholt e Gibson Gowland, A Invernada / The Storm / 1930 (Dir: William Wyler) com William “Stage” Boyd e Proibida de Amar / East is West / 1930 (Dir: Monta Bell) com Lew Ayres e Edward G. Robison, Lupe fez duas versões espanholas de filmes americanos: Oriente e Ocidente / Oriente es Occidente / 1931, v.esp. de East is West com Barry Norton e Resurrección / 1931, v.esp. de Ressurrection com Gilbert Roland.

Warner Baxter e Lupe Velez em O Exilado

Walter Huston e Lupe Velez em Congo

Em 1931, Lupe trabalhou ainda com Cecil B. DeMille em O Exilado / The Squaw Man e em Ressurreição / Resurrection, versão original de Resurrección, dirigida por Edwin Carewe. Em 1932, ela filmou Melodia Cubana / The Cuban Love Song com o excelente barítono Lawrence Tibbett e Congo / Kongo , a refilmagem de No Oeste de Zanzibar, um dos grandes sucessos de Lon Chaney-Tod Browning, além de participar de Hombres en su Vida, v.esp. de Men in her Life, Asa Partida / The Broken Wing e A Verdade Semi-Nua / The Half Naked Truth.

Lee Tracy e Lupe velez em A Verdade Semi-Nua

A partir desse final de 1932, seus filmes foram caindo de qualidade (Quente como Pimenta / Hot Pepper / 1933; Noites da Broadway / Mr. Broadway / 1934: Palooka / Palooka / 1934 e Dinamite … e nada Mais! / Strictly Dynamite / 1934, ambos com Jimmy Durante; Amor Selvagem / Laughing Boy / 1934; The Morals of Marcus / 1935 e Gypsy Melody / 1936, ambos produzidos no Reino Unido; Cortando as Vazas / High Flyers / 1937 com Wheeler e Woolsey (no qual Lupe faz deliciosas imitações de Dolores Del Rio, Simone Simon e Shirley Temple); La Zandunga / La Zandunga / 1938 com Arturo de Cordova, no México; e Stardust /1938, outra produção britânica.

Lupe com Laurel e Hardy em Festa de Hollywood

Nessa fase, destacou-se apenas Festa de Hollywood / Hollywood Party / 1934, não pelo filme, que era ruim, mas pelo engraçadíssimo esquete da quebra de ovos entre Lupe, Stan Laurel e Oliver Hardy). Em 1939, Lupe estrelou uma comédia modesta na RKO Radio Pictures, De Cabelinho nas Ventas / The Girl from Mexico. No papel da ardente e irriquieta cantora mexicana Carmelita Fuentes, ela estabeleceu tal harmonia com o seu parceiro Leon Errol (tio Matt Lindsay / Lord Basil Elping  que a RK), mudando o nome da personagem para Carmelita Lindsay, fez logo uma sequência, Quando a Mulher Vira Bicho / Mexican Spitfire / 1940. Esta deu origem a uma série muito popular, da qual faziam parte: Quando Macacos Se Juntam / Mexican Spitfire Out West / 1940, O Bebê de Carmelita / The Mexican Spitfire’s Baby / 1941, Forrobodó em Alto Mar / Mexican Spitfire at Sea / 1942, Aquele Careca Voltou / Mexican Spitfire Sees a Ghost / 1942, O Elefante de Carmelita / Mexican Spifire’s Elephant / 1942 e O Bebê da Discórdia / Mexican Spitfire’s Blessed Event / 1943.

Lupe Velez e Donald Woods em De Cabelinho nas Ventas

Lupe Velez e Leon Errol em Aquele Careca Voltou

Os filmes dessa série rejuvenesceram a carreira de Lupe e ela apareceu também, em filmes de outras companhais (Madame La Zonga / Six Lessons from Madame La Zonga / 1941, Honolulu Lu / Honolulu Lu / 1941, Dois Romeus Enguiçados / Playmates / 1941, Ladie’s Day / 1943 e Torvelinho Feminino / Redhead from Manhattan / 1942).

Lupe Velez e Gary Cooper

Lupe Velez e Johnny Weissmuller

Em 1944, ela retornou ao México, onde estrelou Naná, adaptação do romance de Émile Zola, que foi bem recebida pelo público. Seis mêses depois do lançamento do filme, Lupe cometeu suicídio. Ela teve vários amantes (John Gilbert, Errol Flynn, Arturo de Cordova etc.), mas seu romance mais divulgado foi com Gary Cooper. Ele teria sido o grande amor de sua vida. Quando ele rompeu o relacionamento, Lupe ficou muito abalada e, para aliviar seu sofrimento, casou-se com Johnny Weissmuller; porém este casamento foi muito conturbado e eles se separaram em 1939. O último caso amoroso de Lupe foi com o jovem playboy-ator Harald Ramond, de quem ela ficou grávida. Harald prometeu se casar com ela, mas depois mudou de idéia, e a abandonou. Católica devota, Lupe não quís fazer um aborto, e se matou.

Elena Verdugo

 ELENA VERDUGO (1925 –   ). Local de nascimento: Paso Robles, Califórnia, EUA. Nome verdadeiro: Elena Angela Verdugo. Descendente direta de Don Jose Maria Verdugo, ao qual o Rei da Espanha outorgou uma das primeiras posses de terra na Califórnia há duzentos anos atrás, foi criada em Los Angeles, e começou a dançar quando ainda estava no jardim de infância. Ela teria estreado no cinema aos seis anos de idade no western Quadrilha da Morte / Cavalier of the West / 1931, estrelado por Harry Carey, sem ser creditada; porém tal informação não foi confirmada. Na sua adolescência, vamos encontrá-la, anônimamente, nos filmes da Twentieth Century Fox Serenata Tropical / Down Argentine Way / 1940; Sangue e Areia / Blood and Sand / 1941; A Formosa Bandida / Belle Starr / 1941; Defensores da Bandeira / To the Shores of Tripoli / 1942 e em um filme da Paramount, Sonho de Música / The Hard-Boiled Canary / 1941.

Lon Chaney Jr. e Elena Verdugo em A Mansão do Frankenstein

Somente em Um Gosto e Seis Vinténs / The Moon and Six Pence / 1942, Elena passou a ter seu nome escrito nos créditos e interpretou um papel com nome. Ela era Ata, a jovem nativa com quem o pintor Charles Strickland (George Sanders) se casava no Tahiti. Elena fez mais doze filmes nos anos quarenta, todos no padrão “B: A Favorita dos Deuses/ Rainbow Island / 1944; A Mansão do Frankenstein / House of Frankenstein / 1944; Aparição Sinistra / The Frozen Ghost / 1945; Anão Gigante / Little Giant /1946 com Abbott e Costello; Estranha Viagem / 1946; Sedução / Song of Scheherazade / 1947; Shed no Tears / 1948; O Desfiladeiro da Morte / El Dorado Pass / 1948 com Charles Starrett; Aconteceu na Fronteira / The Big Sombrero / 1949 com Gene Autry; Fúria do Mar / Tuna Clipper / 1949; A Tribu Perdida / The Lost Tribe / 1949 com Johnny Weissmuller na série  Jungle Jim; O Vôo da Morte / The Sky Dragon / 1949 com Roland Winters na série Charlie Chan da Monogram.

Nos anos cinquenta, Elena continuou aparecendo em produções modestas (vg. O Tesouro do Vulcão / The Lost Volcano / 1950, aventura nas selvas da série Bomba; O Lobo Fantasma / Snow Dog / 1950 western de Kirby Grant; Gene Autry and the Mounties / 1951, A Princesa de Damasco / Thief of Damascus / 1952, Aliança de Sangue / The Pathfinder / 1952, Alvo Humano / The Marksman / 1953, Destinos Cruzados / Panama Sal / 1957) e, a partir dos anos sessenta, dedicou-se mais à televisão, onde seu maior triunfo foi na série Marcus Welby, M.D.(1969-1976), estrelada por Robert Young, destacando-se como a enfermeira Consuelo Lopez, papel que lhe deu duas indicações para o prêmio Emmy.

Filed under: Posts
by AC
2 Comments »

Rita Moreno

RITA MORENO (1931- ). Local de nascimento: Humacao, Porto Rico. Nome verdadeiro: Rosa Dolores Averío. Filha de uma costureira e de um fazendeiro, foi criada perto de Juncos. Quando tinha cinco anos de idade, seus pais se divorciaram e sua mãe levou-a para Nova York. Reconhecendo o talento artístico da filha, matriculou-a em um curso de dança. Aos sete anos, a menina já estava se apresentando profissionalmente em clubes locais. Com treze anos, estreou na Broadway como Angelina em “Skydrift”. Ao completar quinze anos, abandonou sua educação formal, e foi trabalhar como cantor e dançarina no “Spanish Harlem” ou em qualquer outro lugar que lhe oferecessem.

Debbie Reynolds, Gene Kelly, Jean Hagen e Rota Moreno em Cantando na Chuva

Em 1950, Rita estreou no cinema, com o nome artístico de Rosita Moreno, em um filme da Danziger Productions, Depravadas / So Young So Bad, protagonizado por Paul Henreid, cuja ação se passava em uma escola de jovens delinquentes. Contratada pela MGM, passou a ser creditada como Rita Moreno nos seus primeiros filmes na companhia, Quando eu te Amei / The Toast of New Orleans / 1950, estrelado por Mario Lanza e Kathryn Grayson e Amor Pagão / Pagan Love / 1950 com Esther Williams e Howard Keel. Em 1952, entrou no elenco de Cantando na Chuva / Singin’in the Rain em uma posição de certo destaque como Zelda Zander; mas depois seu contrato expirou e ela foi trabalhar em filmes mais modestos de outras companhias, voltando à MGM uma só vez em Meu Amor Brasileiro / Latin Lovers / 1953. A partir de 1954, na Twentieth Century Fox, obteve papéis mais relavantes em Jardim do Pecado / The Garden of Evil / 1954, Duelo de Paixões / Untamed / 1955, Sete Cidades do Ouro / Seven Cities of Gold / 1955, O Tenente Era Ela / The Lieutenant Wore Skirts / 1055 e

Rita Moreno em O Rei e Eu

Rita Moreno em Amor. Sublime Amor

Rita Moreno e James Garner em Detetive Marlowe em Ação

O Rei e Eu / The King and I / 1956, no qual marcou sua presença como Tuptim. Entretanto, o auge de sua arte foi atingido quando interpretou Anita no musical estupendo de Robert Wise, Amor, Sublime Amor / West Side Story / 1961. Rita encantou a todos com sua exuberância e excelentes qualidades como dançarina e conquistou o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante. Após este grande sucesso, sua carreira prosseguiu com alguns filmes interessantes (vg. O Anjo de Pedra / Summer and Smoke / 1961, A Última Batalha / Cry of Battle / 1963, A Noite do Dia Seguinte / The Nigh of the Following Day / 1969, Detetive Marlowe em Ação / Marlowe / 1969, Ânsia de Amar / Carnal Knowledge / 1971) porém, desse período até os dias de hoje, dedicou-se mais à televisão, ao teatro, e às gravações, ganhando, além do Oscar de 1961, os prêmios Emmy, Grammy e Tony, distinção que a consagrou como uma grande artista.

Rosita Moreno

ROSITA MORENO (1907-1993). Local de nascimento: Madrid, Espanha. Nome verdadeiro: Gabriela Carmen Victoria Viñolas Moreno. Filha do ator espanhol Francisco (Paco) Moreno, desde criança atuou em espetáculos de revistas e zarzuelas, começando sua carreira cinematográfica em Hollywood, ao lado do pai, no filme Amor Audaz / Amor Audaz, v.esp. de Slightly Scarlet / 1930. Depois de fazer um short, Moonlight and Romance / 1930 com o tenor-ator Nino Martini, Rosita participou de várias versões em espanhol de filmes americanos (vg. Paramount em Grande Gala / Galas de la Paramount, v.esp. de Paramount on Parade / 1930; O Deus do Mar / El Dios de lo Mar, v.esp. de The Sea God / 1930; O Último Varão sobre a Terra / El Ultimo Varon sobre la Tierra, v.esp. de It’s Great to Be Alive / 1933; Não Deixes a Porta Aberta / No Dejes la Puerta Abierta, v. esp. de Pleasure Cruise / 1933) e filmes da Fox originariamente falados em espanhol

Rosita Moreno e Carlos Gardel em Tango Bar

(vg. Gente Alegre / Gente Alegre / 1931; El Principe Gondolero / 1931; O Eterno Triângulo / Yo, Tú y Ella / 1933; Dois e um Dois / Dos Más Uno Dos / 1934; O Rei dos Ciganos / El Rey de los Gitanos / 1933; Capitão dos Cossacos / Un Capitán de Cosacos / 1934, As Fronteiras do Amor / Las Fronteras del Amor / 1934; todos com Jose Mojica). Rosita atuou também com Carlos Gardel e Raul Roulien: O Dia que me Queiras / 1935 e Tango Bar / 1935 com Gardel; Piernas de Seda / 1935 e Te Quiero con Locura / 1935 com Roulien. Entre seus outros filmes destacam-se: El Hombre que Asesinó / 1932, v. esp. de Stamboul / realizado na Paramount British; The Scoundrel, estrelado por Noel Coward; e El Canillita y la Dama / 1939 com Luis Sandrini na Argentina.

Movita

MOVITA (1916-2015). Local de nascimento: Nogales, Arizona, EUA. Nome verdadeiro: Maria Luisa Castaneda. Nasceu em um trem enquanto cruzava a fronteira do México como o Estado do Arizona e iniciou sua carreira no cinema cantando (sem ser creditada) “The Carioca” em Voando para o Rio / / Flying Down to Rio / 1933. Ela continuou seu trajeto cinematográfico interpretando nativas dos Mares do Sul como Tehani em O Grande Motim / Mutiny on the Bounty / 1935 e Arai em O Furacão / The Hurricane / 1937; aparecendo em dois westerns de John Ford – como cozinheira do Coronel Owen Thursday (Henry Fonda) em Sangue de Heróis / Fort Apache / 1948 e como índia Navajo em Caravana de Bravos / Wagon Master / 1950;

Movita e Clark Gable em O Grande Motim

Jon Hall e Movita em O Furacão

estrelou dois filmes com John Carroll (Rosa do Rio Grande / Rose of the Rio Grande / 1938 e O Uivar do Lobo / 1939 e dois com Tim Holt ( Renegados do Oeste / The Mysterious Desperado / 1949 e Ginete Audacioso / Saddle Legion / 1951; trabalhou em uma produção britânica, Tower of Terror / 1941 e interveio em um western de Anthony Mann, Almas em Fúria / The Furies / 1950. Movita foi casada com Marlon Brando, com quem teve dois filhos.

Barry Norton

BARRY NORTON (1905-1956). Local de nascimento: Buenos Aires, Argentina. Nome verdadeiro: Alfred C. Birabén. Graças à posição econômica privilegiada de seus pais, recebeu uma boa educação e realizou diversas viagens, nas quais conheceu outros países. Em 1923, foi para Nova York, a fim de assistir a luta pelo título máximo dos pesos pesados entre Jack Dempsey e Luis Ángel Firpo. Deslumbrado pelo país, obteve permissão de seus pais para ficar nessa cidade e, com a finalidade de não depender totalmente da ajuda paterna, trabalhou em grandes hotéis, aproveitando seus conhecimento de idiomas. Depois, viajou para Los Angeles, onde um emprego obtido no Hotel Ambassador permitiu que ele conhecesse a atriz Pola Negri, que conseguiu empregá-lo na United Artists, para trabalhar com Douglas Fairbanks. Embora realizando tarefas administrativas, este novo emprego o aproximou mais do cinema. Em 1926, depois de ter aparecido como extra em O Pirata Negro / The Black Pirate, Norton foi contratado pela Fox e, a partir daí, expandiu uma longa carreira, chegando a participar em cerca de 180 filmes, fazendo, na maioria deles, breves aparições, sem ser creditado (vg. o assassino de Rasputin em A Dança Rubra / The Red Dance / 1928, o jovem tenente no pelotão de fuzilamento em Desonrada / Dishonored / 1931).

Janet Gaynor, Nancy Drexel, Charles Morton e Barry Norton em Os 4 Diabos

Barry Norton e Lupita Tovar na versão espanhola de Dracula

No cinema silencioso, destacam-se suas atuações como o soldado Kenneth “Mother’s Boy” Lewisohn em Sangue por Glória / What Price Glory / 1926 de Raoul Walsh; Byron Dashwood em A Legião dos Condenados / Legion of the Condemned / 1928 de William Wellman; e Adolf em Os Quatro Diabos / The 4 Devils / 1928 de F. W. Murnau. No cinema sonoro, entre os filmes nos quais recebeu crédito, podem ser lembrados suas atuações como: mestre de cerimônias (como ele mesmo) em Paramount em Grande Gala / Galas de la Paramount / 1930, v. esp. de Paramount on Parade; Adolf Mahler em Corpo de Delito / El Cuerpo de Delicto / 1930, v. esp. de The Benson Murder Case; Juan Harker na v.esp. (não exibida no Brasil) de Drácula / Dracula / 1931; Jacques Girard em A Marcha dos Séculos / The World Moves On / 1934 de John Ford e Diaz em Tempestade sobre os Andes / Storm Over the Andes / 1935. Os espectadores o viram na tela pela última vez em Hienas do Pano Verde / Mister Cory / 1957, mais uma vez anônimo, como um dos frequentadores de uma boate.

Carlos Ramirez

CARLOS RAMIREZ (1916- ). Local de nascimento: Tocaima, Colombia. Nome verdadeiro: Carlos Julio Ramirez. Desde muito cedo Carlos começou a cantar, em troca de algumas moedas, nos navios que navegavam pelo Rio Magdalena. Em um desses navios, conheceu o político Laureano Gomez que, surpreso com a bonita voz do rapaz, ofereceu-se para levá-lo a Bogotá e pagar seus estudos musicais sob a orientação do professor Emilio Murillo. Gomez, que mais tarde se tornou presidente da Colômbia, matriculou o jovem no famoso Colégio Salesiano, porém o pai de Carlos, um liberal fervoroso, ao saber que o filho estava sendo patrocinado por um conservador, tirou-o da escola. Apesar disso, Carlos continuou a viver em Bogotá com sua irmã Alcira, que também era uma excelente cantora, e custeou os estudos do irmão com o professor Murillo. Em 1928, Carlos estreou na Radio de La Victor, uma das principais emissoras de rádio da Colômbia, onde conheceu o maestro Efrain Orosko, que o convidou para integrar sua orquestra como cantor em uma longa turnê sulamericana.

Esther Williams e Carlos Ramirez em Escola de Sereias

Em Buenos Aires, Carlos teve oportunidade de conhecer e cantar com o maestro Andre Kostelanetz e sua esposa, a então famosa soprano Lily Pons. Em 1943, quando se apresentava no Hotel Waldorf-Astoria de Nova York, o barítono colombiano foi contratado pela MGM, onde fez: Duas Garotas e um Marujo / Two Girls and a Sailor / 1944, Escola de Sereias / Bathing Beauties / 1944, Marujos do Amor / Anchors Aweigh / 1946, Quem Manda é o Amor / Easy to Wed / 1946.Entre seus compromissos com “A Marca do Leão”, Ramirez participou de uns shorts; apareceu em Fantasia de Amor / Where Do We Go From Here? / 1945; e cantou ”Beguin the Beguine”, de Cole Porter, na cinebiografia deste, Canção Inesquecível / Night and Day / 1946, produzida pela Warner Bros. Em 1953, ele dublou Ricardo Montalban em Meu Amor Brasileiro / Latin Lovers e, em 1955, durante mais uma vinda ao Brasil, apresentou-se com muito sucesso na boate Night and Day no espetáculo “A Grande Revista” e na Rádio e TV Tupi.

Duncan Renaldo

DUNCAN RENALDO (1904-1980). Local do nascimento: Oancea, Galati, Romênia. Nome verdadeiro: Renault Renaldo Duncan. Como orfão, ele não conheceu seus pais verdadeiros, e nem sabia a data exata e o lugar de seu nascimento. Foi educado em vários países da Europa e chegou aos Estados Unidos no início dos anos vinte como foguista de um navio brasileiro que transportava carvão. Entrando no país durante uma permissão de 90 dias, Duncan ali permaneceu, quando seu navio pegou fogo no porto. Sem conseguir ganhar a vida como retratista, ele tentou o cinema e , depois de fazer três filmes para Tiffany-Stahl (A Mulher Corsária / The Devil’s Skipper /1928, A Filha do Czar / Clothes Make the Women / 1928, A Bela Duquesa / The Naughty Duchess / 1928), entrou para MGM, onde trabalhou em pelo menos dois filmes importantes, A Ponte de San Luis Rey / The Bridge of San Luis Rey / 1929 e Trader Horn / Trader Horn / 1931.

Edwina Booth, Duncan Renaldo e Harry Carey em Trader Horn

A carreira de Renaldo foi interrompida, devido à sua situação ilegal como imigrante, mas Eleanor Roosevelt havia comprado um dos seus quadros e persuadiu o Presidente a perdoá-lo. Renaldo voltou às telas, principalmente, na série Three Mesquiteers, formando o trio com Robert Livingston e Raymond Hatton em 7 filmes: Terrores de Kansas / The Kansas Terror / 1939, Cowboys do Texas / Cowboys from Texas / 1939, Heróis do Sertão / Heroes of the Saddle / 1940, Pioneiros do Oeste / Pioneers of the West / 1940, A Mina Misteriosa / Covered Wagon Days / 1940, Cavaleiros das Montanhas Rochosas / Rocky Mountain Rangers / 1940, Os Renegados de Oklahoma / Oklahoma Renegades / 1940; trabalhou em vários seriados:

Duncan Renaldo, Robert Livingston e Raymond Hatton em Cowboys do Texas.

Allan Lane, Duncan Renaldo e Linda Stirling em A Mulher Tigre

O Aliado Misterioso / The Painted Stallion / 1937, A Ameaça das Selvas / Jungle Menace /1937, A Volta do Zorro / Zorro Rides Again / 1937, A Volta do Cavaleiro Solitário / The Lone Ranger Rides Again / 1939, Contra a Quinta Coluna / King of the Texas Rangers / 1941, A Adaga de Salomão / Secret Service in Darkest Africa / 1943, A Mulher Tigre / The Tiger Woman / 1944; e encarnou Cisco Kid na série da Monogram (A Volta de Cisco Kid / Cisco Kid Returns / 1945, O Cavaleiro Destemido / The Cisco Kid in Old New Mexico / 1945, A Canção da Fronteira / South of the Rio Grande / 1949) e na série da Inter-American Productions (The Gay Amigo / 1949, The Daring Caballero / 1949, Satan’s Cradle / 1949 e The Girl from Lorenzo / 1950).

Gilbert Roland

GILBERT ROLAND (1905-1944). Local de nascimento: Ciudad Juárez, Chihauha, México. Nome verdadeiro: Luis Antonio Dámaso de Alonso. Em 1910, durante a Revolução Mexicana, sua família atravessou o Rio Grande e se instalou na cidade Americana de El Paso. Roland inicialmente queria ser toureiro mas se interessou por cinema ao participar como extra em O Corcunda de Notre Dame / The Hunchback of Notre Dame / 1923. Seu nome artístico foi escolhido como uma homenagem a John Gilbert e Ruth Roland. Após alguns pequenos papéis, fez, em primeiro plano, A Dama das Camélias / Camille / 1926, A Mulher em Leilão / The Love Mart / 1927 com Billie Dove, Mulher Cobiçada / The Dove / 1928 e Noites de Nova York / Nights of New York / 1929 ao lado de Norma Talmadge, com quem teve um romance. No cinema sonoro, atuou como ator principal com Clara Bow em Sangue Vermelho / Call Her Savage / 1932 e com Constance Bennett (com quem se casou) em A Espiã Russa / After Tonight /1933,

GIlbert Roland e Norma Talmadge em A Dama das Camélias

Billie Dove e Gilbert Roland em Mulher Cobiçada

Gilbert Roland e Constance Bennett em A Espiã Russa

estrelou versões em espanhol de sucessos originariamente filmados com elenco americano (vg. Resurrección / 1931 v. esp. de Resurrection; Hombres En Su Vida / 1931, v. esp. de Men in Her Life, ambos com Lupe Velez) e depois passou a ser quase sempre um coadjuvante, porém marcando sua presença em todo filme em que apareceu.

Errol Flynn e Gilbert Roland em O Gavião do Mar

Jennifer Jones, John Garfield e Gilbert Roland em Resgate de Sangue

KIrk Douglas e Gilbert Roland em Assim Estava Escrito

Por exemplo, como Coronel Miguel Lopez em Juarez / Juarez / 1939, Capitão Lopez em O Gavião do Mar / The Sea Hawk / 1940, Guillermo Montilla em Resgate de Sangue / We Were Strangers / 1949, Don Pedro Garcia em A Marca do Renegado / Mark of the Renegade / 1951, Manolo Estrada em Paixão de Toureiro / The Bullfighter and the Lady / 1951, Victor “Gaucho” Ribero em Assim Estava Escrito / The Bad and the Beautiful / 1952 e Teche Bossier em Borrasca / Thunder Bay / 1953. Roland interpretou Cisco Kid em seis filmes da série Cisco Kid, produzida pela Monogram: Bandido do Deserto / South of Monterey / 1945, Justiceiro Romântico / The Gay Cavalier / 1946, O Bandido e a Dama / Beauty and the Bandit / 1946, Robin Hood de Monterey / Robin Hood of Monterey / 1947, O Rei dos Bandidos / King of the Bandits / 1947 e Povoado Violento / Riding the California Trail / 1947. Nos anos sessenta, ele trabalhou na Europa em westerns spaghetti e encerrou sua carreira em Barbarrosa / Barbarosa / 1982 ao lado do cantor country Willie Nelson.

Cesar Romero

CESAR ROMERO (1907-1994). Local de nascimento: Nova York, NY, EUA. Nome verdadeiro: Cesar Julio Romero Jr. Seu pai era um importador-exportador, de origem italiana, de máquinas de refino de acúcar e sua mãe uma cantora cubana de concerto. Abalada pela Crise de 1929, a família mudou-se para a Costa Oeste Americana, onde Romero apresentou-se como dançarino profissional e depois iniciou sua carreira cinematográfica, geralmente interpretando papéis de coadjuvante (vg. Chris em A Ceia dos Acusados / The Thin Man / 1933, Mir Jaffar em A Conquista de um Império / Clive of India / 1935, Andre de Pons em Cardeal Richelieu / Cardinal Richelieu / 1935, Antonio Galvan em Mulher Satânica / Devil is a Woman / 1935, Niki Baroni em Metropolitan / Metropolitan / 1935). Na 20th Century-Fox, ele chamou mais atenção como Khoda Khan em A Queridinha do Vovô / We Willie Winkie / 1937 ao lado de Shirley Temple; Aconteceu em Havana / Week- End in Havana / 1941 com Alice Faye; e Minha Secretária Brasileira / Springtime in the Rockies / 1942 com Betty Grable.

Cesar Romero e Marlene Dietrich em Mulher Satânica

Cesa Romero e Shirley Temple em A Queridinha do Vovô

Carmen Miranda e Cesar Romero em Minha Secret
aria Besileira

Romero foi Doc Holliday em A Lei da Fronteira / Frontier Marshal / 1939 e herdou o personagem Cisco Kid de Warner Baxter, aparecendo como o personagem de O. Henry em: A Volta de Cisco Kid / The Return of Cisco Kid / 1940, Coração de Bandido / The Cisco Kid and the Lady / 1940, Viva Cisco Kid / Viva Cisco Kid / 1940, Bandoleiro de Sorte / Lucky Cisco Kid /1940, Bandoleiro Jovial  / The Gay Caballero / 1940, Um Audaz Aventureiro / Romance of the Rio Grande / 1941, Balas e Beijos / Ride on Vaquero / 1941.

Cesar Romero em O Capitão de Castel

Cesar Romero em Vera Cruz

Seus dois melhores papéis foram os de Hernando Cortez em O Capitão de Castela / Captain of Castile / 1947, o de Conde Mario em A Condessa se Rende / That Lady in Ermine / 1948 e o de Marquês Henri de Labordere em Vera Cruz / Vera Cruz / 1954, porém, em termos de popularidade, nenhum ultrapassou o Coringa da série de televisão Batman, incluído entre os maiores vilões de todos os tempos pela TV Guide. Cesar Romero esteve no Brasil em outubro de 1946, acompanhado por Tyrone Power, hospedando-se ambos no Copacabana Palace.

Olga San Juan

OLGA SAN JUAN (1927-2009). Local de nascimento: Nova York, NY. EUA. Nome verdadeiro: Olga San Juan. Nascida no Brooklyn filha de pais portoriquenhos, quando tinha três anos de idade, sua família foi para Porto Rico, voltando mais tarde para Nova York, desta vez instalando-se no “Spanish Harlem” (bairro habitado predominantemente por latinos). Ainda adolescente, começou a se apresentar em boates como El Morocco e Copacabana e, subsequentemente, com a orquestra do famoso músico de jazz e mambo Tito Puente que, na época, ganhara o título de “O Rei da Música Latina”. Olga ficou mais conhecida cantando no rádio e formou um número de boate muito popular intitulado “Olga San Juan and her Rumba Band”, que eventualmente propiciou a assinatura de um contrato com a Paramount. Ela começou participando de um short musical da série Musical Parade, Caribbean Romance / 1943 e depois estreou no longa-metragem A Favorita dos Deuses / Rainbow Island / 1944, filme passado nos Mares do Sul típico, estrelado por Dorothy Lamour. Em Do Outro Mundo / Out of This World / 1945,

Olga San Juan e Fred Astaire em Romance Inacabado

Olga entre os astros e estrelas de MIragem Dourada

Donald O’Connor e Olga San Juan em Você Está no Brinquedo?

Olga figurou como membro do Glamourette Quartet, quarteto de moças composto por ela, Nancy Porter, Audrey Young e Carol Deere, e em Carnaval de Estrelas / Duffy’s Tavern / 1945 como um modesta componente do elenco de astros e estrelas da Paramount, que apareciam em pequenos esquetes. Em 1944-45, ela fez ainda mais três shorts, Bombalera (no qual foi anunciada como “The Cuban Cyclone”), The Little Witch, e Hollywood Victory Caravan, os dois primeiros, da série Musical Parade, indicados para o Oscar da Academia e o último, realizado para o esforço de guerra. Seguiram-se: seu melhor filme, Romance Inacabado / Blue Skies / 1946 ao lado de Bing Crosby e Fred Astaire, cantando “You’d Be Surprised”, “Heat Wave”, “I’ll See You in C-u-b-a” com muito sabor; Mentirosa / Cross my Heart / 1946 (como uma dançarina, sem ser creditada); Miragem Dourada / Variety Girl / 1947 (outro desfile de astros e estrelas da Paramount), Você Está no Brinquedo? / Are You With It? / 1948, em papel principal com Donald O’Connor; Vênus, a Deusa do Amor / One Touch of Venus / 1948, estrelado por Ava Gardner e Robert Walker; A Condessa de Monte Cristo / The Countess of Monte Cristo / 1948, dividindo o primeiro plano com Sonja Henie; Esta Loura é um Demônio / The Beautiful Blonde from Bashful Bend / 1949, com Betty Grable e Cesar Romero à frente do elenco; A Condessa Descalça / The Barefoot Contessa / 1954, em uma ponta, sem ser creditada; e A 3a Voz / The 3rd Voice / 1960, como uma prostituta. Olga foi casada com Edmond O’Brien.

Filed under: Posts
by AC
No Comments »

José Ferrer

JOSÉ FERRER (1912-1992). Local de nascimento: San Juan, Porto Rico. Nome verdadeiro: José Vicente Ferrer de Otero y Cintrón. Estudou em um colégio interno suiço de renome, Institut Le Rosey e se formou pela Universidade de Princenton. Em 1935, estreou na Broadway e, em 1940, interpretou seu primeiro papel principal na peça “Charley’s Aunt”. Três anos depois, encarnou Iago em “Othello”, ao lado de sua primeira esposa, Uta Hagen, como Desdêmona e Paul Robeson como o Mouro de Veneza. Na temporada 1946/47 ganhou seu primeiro prêmio Tony por sua atuação como o personagem de Edmond Rostand, Cyrano de Bergerac. Ele reprisaria seu papel de Cyrano em dois filmes: o filme de 1950 dirigido por Michael Gordon, que lhe deu o Oscar de Melhor Ator e em uma refilmagem de 1964, Cyrano et D’Artagnan, dirigida por Abel Gance. No cinema, Ferrer iniciou sua carreira cinematográfica como o Delfim em Joana D’Arc / Joan of Arc / 1948, David Korvo em A Ladra / Whirlpool / 1949 e Raul Farago em Terra em Fogo / Crisis / 1950.

José Ferrer e Mala Powers em Cyrano de Bergerac

José Ferrer e Zas Zsa Gabor em Moulin Rouge

José Ferrer e Peter O’Toole em Lawrence da Arábia

Outros papéis memorávies do ator foram: Toulouse-Lautrec em Moulin Rouge / Moulin Rouge / 1952 (recebemdo indicação para o Oscar); Reverendo Alfred Davidson em A Mulher de Satã / Miss Sadie Thompson / 1953; Tenente Barney Greenwald em A Nave da Revolta / The Caine Mutiny / 1954; Sigmund Romberg em Bem no Meu Coração / Deep in my Heart / 1954, o Capitão Alfred Dreyfus em O Julgamento do Capitão Dreyfus / I Accuse! / 1958, Turkish Bey em Lawrence da Arábia / Lawrence of Arabia / 1962, Herodes Antipas em A Maior História de Todos os Tempos / The Greatest Story Ever Told / 1965, o nazista Siegfried Rieber em A Nau dos Insensatos / Ship of Fools / 1965, o Leopold em Sonhos Eróticos de uma Noite de Verão / A Midsummer’s Night Sex Comedy / 1982 e Professor Siletski em Sou ou não Sou? / To Be or Not To Be / 1983. Além de atuar diante das câmeras, Ferrer dirigiu sete filmes: Almas em Desespero / The Shrike / 1955, Os Sobreviventes / The Cockleshell Heroes / 1955, A Luz de uma Ilusão / The Great Man / 1956, O Julgamento do Capitão Dreyfus / I Accuse! / 1958, Amor Também Subiu de Preço / The High Cost of Living / 1958, De Volta à Caldeira do Diabo / Return to Peyton Place / 1961, Feira de Ilusões / State Fair / 1962. Curiosamente, José Ferrer ficou casado com Rosemary Clooney de 1953 e 1961, divorciaram-se, e se casaram novamente, permanecendo juntos de 1964-1967.

Thomas Gomez

THOMAS GOMEZ (1905-1971). Local de nascimento: New York City, NY, EUA. Nome verdadeiro: Sabino Tomas Gomez. De origem espanhola e maltense, estudou em uma escola pública e depois na Jamaica High School em Long Island. Terminado o curso, dedicou-se à arte dramática e ingressou em um grupo de teatro, fazendo sua estréia profissional na peça “Cyrano de Bergerac” em 1924. Após interpretar uma variedade de papéis nos próximos sete anos, ele participou de uma companhia de repertório em Cleveland, Ohio. Nos três anos em que lá permaneceu, desempenhou 40 papéis principais. Gomez então excursionou pelo país e, no ano seguinte, 1934, juntou-se aos Lunt (Alfred e Lynn Fontane), o proeminente casal de atores do teatro americano. As performances do ator no palco atrairam a atenção dos descobridores de talentos dos estúdios.

Thomas Gomez e John Garfield em A Força do Mal

Thomas Gomez, Ella Raines e Franchot Tone em A Dama Fantasma

Robert Montgomery, Wanda Hendrix e Thomas Gomez em Do Lôdo Brotou uma Flor

Em frente às cameras, seus papéis mais lembrados são: o do espião nazista R. F. Meade em Sherlock Holmes e a Voz do Terror / Sherlock Holmes and the Voice of Terror / 1942; o do Inspetor Burgess em A Dama Fantasma / Phantom Lady / 1944; o Rei Croesus em Uma Noite no Paraíso / Night in Paradise / 1946; Pancho em Do Lodo Brotou uma Flor / Ride the Pink Horse / 1947 (que lhe proporcionou uma indicação para o Oscar); Leo Morse em A Força do Mal / Force of Evil / 1947, Richard “Curly” Hoff em Paixões em Fúria / Key Largo / 1948, Padre Bartolomeo Romero em Capitão de Castela / Captain from Castile; e Blackbeard em A Vingança dos Piratas / Anne of the Indies / 1951; Bouglione em Trapézio / Trapeze / 1956.

Tito Guizar

TITO GUIZAR (1908-1999). Local de nascimento: Guadalajara, Jalisco, México. Nome verdadeiro: Federico Arturo Guizar Tolentino. Apesar das objeções de seu pai, ele treinou desde cedo para ser cantor e, como tal, foi para Nova York em 1929, a fim de gravar as canções de Agustín Lara. Enquanto mantinha um programa de rádio, “Tito Guizar y su Guitar”, estudou ópera. Em 1932, Guizar casou-se com a cantora mexicana, Carmen Noriega. Ele começou a cantar ópera no Carnegie Hall, mas teve mais êxito com seus arranjos de melodias populares mexicanas e espanholas tais como “Cielito Lindo”, “La Cucaracha”, “Granada e “You Belong to my Heart” (versão em inglês de “Solamente una Vez”). Em 1936, sua canção “Allá en el Rancho Grande” lançou o charro cantante (o mesmo que singing cowboy) no México, depois de aparecer em um filme do mesmo nome, que fez sucesso também nos Estados Unidos.

Tito Guizar e Esther Fernández em Allá en el Rancho Grande

Roy Rogers e Tito Guizar em Na Velha Senda

Guizar havia aparecido primeiramente no cinema americano em shorts e no longa-metragem Sob o Luar dos Pampas / Under the Pampas Moon / 1935 como um cantor de cabaré (no qual também se exibia Rita Cansino). Sem deixar de filmar no México, ele continuou sua carreira holywoodiana com: Folia a Bordo / The Big Broadcast of 1938 / 1938, Feitiço do Trópico / Tropic Holiday / 1938, Teatro Flutuante / St. Louis Blues / 1939, Bandoleiro Romântico / The Llano Kid / 1939, Brasil / Brazil / 1944 (no qual estava também Aurora Miranda), Mexicana / Mexicana / 1945, Romance no Rio / The Thrill of Brazil / 1947, Na Velha Senda / On the Old Spanish Trail / 1948 e Aconteceu no Sertão / The Gay Ranchero / 1948, os dois últimos ao lado de outro cowboy cantor: Roy Rogers. Tito esteve no Brasil em junho de 1940 para o lançamento de seu filme O Trovador Galante / El Trovador de la Radio / 1938 no Cinema Gloria. Nessa ocasião, apresentou-se no Cassino da Urca com a orquestra de Francisco Canaro e do Trio Titan de acrobatas americanos.

José Iturbi

JOSE ITURBI (1895-1980). Local de nascimento: Valencia, Espanha. Nome verdadeiro: José Iturbi Báguena. De ascendência Basca e filho de um fabricante e afinador de pianos como passatempo, o jovem Jose teve acesso ao instrumento desde muito cedo. Aos 11 anos de idade estava estudando piano no Conservatório de Valencia com Joaquín Malats, amigo de Albéniz, que se entusiasmou com o talento do rapaz. Aos 15 anos, Iturbi estudou no Conservatório de Paris com Victor Staub. Ele obteve o primeiro prêmio em 1912 e, após a Primeira Guerra Mundial, de 1919 a 1923, exerceu o cargo de professor no Conservatório de Genebra. Nessa mesma época, teve aulas particulares de técnica de teclado e interpretação com a cravista Wanda Landowska. Depois de fazer várias tournées internacionais, Iturbi estreou na América em 1919, na Philadelphia Orchestra sob a regência de Leopold Stokowski, tocando um concerto para piano de Beethoven. Entretanto, sua ambição era tornar-se maestro, e fez sua primeira apresentação nesta qualidade na Cidade do México em 1933, prosseguindo desde então uma carreira como pianista e regente, conduzindo grandes orquestras internacionais. Persuadido pelo produtor Joe Pasternack a participar dos musicais da MGM, adaptou-se facilmente ao novo meio.

Kathryn Grayson e José Iturbi em A Filha do Comandante

Cartaz de Três Filhas Levadas

Comumente interpretando o papel dele mesmo, Iturbi integrou o elenco de: A Filha do Comandante / Thousands Cheer / 1943, Duas Garotas e um Marujo / Two Girls and a Sailor / 1944, Música para Milhões / Music for Millions / 1944, Marujos do Amor / Anchors Aweigh / 1945, Romance no México / Holiday in Mexico / 1946, Três Filhas Levadas / Three Daring Daughters / 1948, Aquele Beijo à Meia-Noite / That Midnight Kiss /1949. A irmã de Iturbi, Amparo, também era uma pianista talentosa, que atuou com ele em dueto nos seus recitais bem como em três dos musicais da MGM (Duas Garotas e um Marujo, Romance no México e Aquele Beijo à Meia-Noite). Sem ser creditado, Iturbi dublou os solos de piano em Sinfonia Trágica / Song of my Heart / 1948, um filme sobre Tchaikovsky. O problema com José Iturbi é que ele não era levado a sério como pianista, porque apareceu em filmes. Outros grandes pianistas fizeram o mesmo, por exemplo Arthur Rubinstein e Jan Paderewski, mas a diferença é que Iturbi tocou jazz e boogie-woogie, embora de uma maneira elegante.

Katy Jurado

KATY JURADO (1924-2002). Local de nascimento: Guadalajara, Jalisco, México. Nome verdadeiro: Maria Cristina Estela Marcela Jurado Garcia. Seu pai era um barão de gado e plantador de laranjas e sua mãe, conhecida cantora de ópera, que desistiu da carreira artística para se dedicar ao lar. Katy estudou jornalismo mas, quando tinha dezesseis anos de idade, foi descoberta pelo diretor Emilio Fernández, que queria colocá-la no elenco de um de seus filmes (La Isla de la Pasión); porém a avó da jovem não queria que ela se tornasse atriz. Ela então se casou com um ator mexicano, Victor Velázquez, para se livrar da proibição, e começou a trabalhar no cinema mexicano em No Matarás / 1943, fazendo 19 filmes (destacando-se La Vida Inútil /1943, Nosotros los Pobres /1948 e El Seminarista / 1949) antes de chamar a atenção do diretor Budd Boetticher e do ator John Wayne em uma praça de touros pois, além de atuar como atriz, Katy trabalhava como colunista de cinema, repórter de rádio e comentarista de touradas. Boetticher colocou-a em Paixão de Toureiro / Bullfighter and the Lady / 1951 como Chelo, a esposa de Manolo Estrada (Gilbert Roland), um ex-grande matador. Seu desempenho despertou o interesse do produtor Stanley Kramer, que a incluiu no elenco do western Matar ou Morrer / High Noon / 1952, estrelado por Gary Cooper e Grace Kelly.

Pedro Armendáriz e Katy Jurado em O Bruto

Katy Jurado, Grace Kelly e Gary Cooper em um intervalo da filmagem de Matar ou Morrer

Katy teve uma performance poderosa como a dona do saloon Helen Ramirez, ex-amante do xerife Will Kane, ganhou Golden Globe Award como Melhor Atriz Coadjuvante, e ficou amplamente conhecida na indústria cinematográfica americana. Apesar de seu sucesso em Hollywood, Katy continuou a fazer filmes no México, destacando-se O Bruto / El Bruto / 1953 de Luis Buñuel com Pedro Armendáriz e, mais tarde, Fé, Esperanza y Caridade / 1973 de Jorge Fons). Em 1954, Katy substituiu Dolores del Rio em A Lança Partida / Broken Lance e recebeu uma indicação para o Oscar no papel da mulher comanche do personagem interpretado por Spencer Tracy.

Spencer Tracy e Katy Jurado em A Lança Partida

No mesmo ano, fez outro papel de mulher comanche em O Último Guerreiro / Arrowhead com Charlton Heston e Jack Palance. Em 1955, foi indicada para o Golden Globe Award de Melhor Atriz Coadjuvante por sua atuação em A Fúria dos Justos / Trial ao lado de Glenn Ford. Posteriormente, participou de uma série de westerns entre os quais se salientam Blefando a Morte / Man from Del Rio / 1956 com Anthony Quinn, Homens das Terras Bravas / The Badlanders / 1958 com Alan Ladd e Ernest Borgnine (seu segundo marido) e A Face Oculta / One-Eyed Jacks / 1961 com Marlon Brando. Outros filmes importantes no seu itinerário artístico foram: Caminhos sem Volta / The Racers / 1955, Trapézio / Trapeze / 1956, Barrabás / Barabbas / 1961, Pat Garrett e Billy the Kid / Pat Garrett and Billy the Kid / 1973 e À Sombra do Vulcão / Under the Volcano / 1984, encerrando uma longa carreira no ano de sua morte com um filme mexicano, Un Secreto de Esperanza / 2002.

Fernando Lamas

FERNANDO LAMAS (1915-1982). Local de nascimento: Buenos Aires, Argentina. Nome verdadeiro: Fernando Álvaro Lamas y de Santos. Estudou arte dramática no colégio em sua terra natal e depois se matriculou no curso de Direito. Porém sua forte tendência para o esporte prevaleceu e ele abandonou os estudos, a fim de praticar vários, tornando-se o Campeão Sul-Americano de Natação em Estilo Livre de 1937. Depois de ter feito 14 filmes na Argentina entre 1942 e 1949 (v.g. A Vítima do Destino / La Rubia Mireya / 1948) , a publicidade proporcionada por suas façanhas esportivas despertaram o interesse de Hollywood e, em 1951, Lamas assinou contrato com a MGM, onde fez seus filmes mais conhecidos: A Viúva Alegre / The Merry Widow / 1952 com Lana Turner, A Jovem que tinha Tudo / The Girl who had Everything / 1953 com Elizabeth Taylor,

Lana Turner e Fernando Lamas em A Viúva Alegre

Esther Williams e Fernando Lamas em Salve a Campeã

Salve a Campeã / Dangerous When Wet / 1953 com Esther Williams, Rose Marie / Rose Marie / 1954 com Ann Blyth. Lamas trabalhou ainda, em outras companhias, com Arlene Dahl (Sangari / Sangaree / 1953, O Caçador de Diamantes / The Diamond Queen / 1953), Rhonda Fleming (O Tesouro Perdido do Amazonas / Jivaro / 1954) e Rosalind Russell (Cassino das Tentações / The Girl Rush / 1955); dirigiu e atuou em La Fuente Magica / 1963 (com Esther Williams) e em Turba em Fúria / The Violent Ones /1967; interpretou o papel do General Verdugo em 100 Rifles / 100 Rifles / 1969. Seu último filme no cinema foi O Detetive Desastrado / The Cheap Detective / 1978, protagonizado por Peter Falk. Lamas foi casado com Arlene Dahl e Esther Williams.

Margo

MARGO (1917-1985). Local de nascimento: Mexico City, México. Nome verdadeiro: María Marguerita Guadalupe Teresa Estela Bolado Castilla y O’Donnell. Nascida no México mas criada nos Estados Unidos, Margo aprendeu dança com Eduardo Cansino, pai de Rita Hayworth e, com a idade de dez anos, iniciou sua carreira profissional, dançando e cantando em associações de várias comunidades. Sua tia, Camen Castillo, casou-se com Xavier Cugat e Margo se juntou a eles na banda de Cugat onde, durante um ano e meio, eles tocaram no Waldorf-Astoria em Nova York. Ela foi descoberta por um descobridor de talentos e estreou no cinema aos dezesseis anos, interpretando Carmen Brown, a amante rejeitada do advogado de meia-idade (Claude Rains) em Crime sem Paixão / Crime Without Passion / 1934.

Margo, o fotógrafo J. Peverell Marley e Burgess Meredithna filmagem de Os Predestinados

Margo e John Howard em Horizonte Perdido

Margo e Anthony Quinn em Viva Zapata!

Seus outros filmes foram: Rumba / Rumba / 1935, O Bandoleiro do Eldorado / Robin Hood of Eldorado / 1936, Os Predestinados / Winterset / 1936, Horizonte Perdido / Lost Horizon / 1937 (inesquecível como Maria, a jovem que murcha e morre como uma velha centenária, quando tenta fugir do vale idílico de Shangri-La), Miracle on Main Street / 1939, O Homem-Leopardo / Leopard Man / 1943 (como Clo-Clo, tocando castanholas pelas ruas escuras, antes de perecer nas mãos do assassino), Atrás do Sol Nascente / Behind the Rising Sun / 1943, Um Drama em Cada Vida / Gangway for Tomorrow /1943, Viva Zapata! / Viva Zapata! /1952, Eu Chorarei Amanhã / I’ll Cry Tomorrow / 1955, Caçada Humana / From Hell to Texas /1958 e Ela Topou a Parada / Who’s Got d the Action? / 1962. Margo foi casada com Francis Lederer e Eddie Albert.

Mona Maris

MONA MARIS (1903-1991). Local do nascimento: Buenos Aires, Argentina. Nome verdadeiro: Rosa Emma Mona Maria Marta Capdevielle. A posição social de sua família ensejou-lhe uma educação de qualidade com ênfase em idiomas estrangeiros. Ela estudou na França, onde morava sua avó e, quando irrompeu a Primeira Guerra Mundial, serviu como enfermeira. Posteriormente, foi para a Inglaterra, onde fez dois filmes, O Apache / The Apache / 1925 e The Little People / 1927. Depois, atuou em cinco filmes na Alemanha (Perfumes, Flores e Beijos / Der Fuerst von Papenheim / 1927, Os Escravos do Volga / Die Liebeigner / 1928, O Espião da Pompadour / Der Marquis von Eon / 1928, Rutschbahn / 1931, Die Drei Frauen von Urban Hell / 1928 e um na França (La Bonne Hotesse / 1928) até que Joseph Schenck da Fox levou-a para Hollywood.

Warner Baxter e Mona Maris em Arizona Kid

Mona Maris e Carlos Gardel em O Amor Obriga

Em 1929, ela foi contratada para contracenar com Warner Baxter em Romance do Rio Grande / Romance of the Rio Grande / 1929 no papel de Manuelita. Em seguida fez na Warner, Don Juan do México / Under a Texas Moon / 1930 e voltou à Fox, para estar de novo com Warner Baxter em Arizona Kid / The Arizona Kid / 1930. Mona foi então aproveitada em versões em espanhol de filmes americanos (Loucuras de um Beijo / El Precio de un Beso, v.esp. de One Mad Kiss / 1930; Argila Humana / Del Mismo Barro, v.esp. de The Common Clay / 1930; O Domador de Mulheres / Ladron de Amor ou Cuando El Amor Rie, v.esp. de Love Gambler / 1931 com José Mojica; Salve-se Quem Puder, v. esp. de The Passsionate Plumber / 1932 com Buster Keaton; Cavalheiro da Noite / El Caballero de la Noche, v.esp. de Dick Turpin com José Mojica; Não Deixes a Porta Aberta / No Dejes la Puerta Abierta, v. esp. de Pleasure Cruise) e em filmes originariamente falados em espanhol (Uma Viúva Romântica / Una Viuda Romantica / 1933; Melodia Proibida / La Melodia Proibida / 1933 com José Mojica; O Eterno Triângulo / Yo, Tu y Ela / 1934; O Amor Obriga / Cuesta Abajo / 1934 com Carlos Gardel

Mona Maris e José Mojica em Capitão dos Cossacos

Capitão dos Cossacos / Un Capitan de Cosacos /1934 com José Mojica; Símbolo Materno / Tres Amores / 1935; O Cantor de Nápoles / El Cantante de Napoles / 1935 com Enrico Caruso Jr. ; Asegure a su Mujer / 1935 com Raoul Roulien). Entre os filmes restantes da atriz sobressaem: Sob as Ondas / The Seas Beneath /1931, sob direção de John Ford; O Terror dos Bandidos / South of the Rio Grande / 1932 com Buck Jones; Segredos / Secrets / 1933, estrelado por Mary Pickford; dois filmes da série The Falcon (Um Encontro com o Falcão / A Date with the Falcon / 1942 e O Mistério do Morto / The Falcon in Mexico / 1944; alguns filmes de guerra (vg. A Voz da Liberdade / Underground / 1941, Correspondente em Berlim / Berlin Correspondent / 1942); O Falcão do Deserto / The Desert Hawk / 1944; A Vingança de El Mocho / The Avengers / 1954. Mona fez ainda dois filmes na Argentina: Uma Mulher Chamada Margarida / La Mujer de las Camelias / 1954 e Camila / Camilla /1984, indicado para o Oscar de Melhor Filme de Língua Não-Inglesa.

Ricardo Montalban

RICARDO MONTALBAN (1920-2009). Local de nascimento: Mexico City, México. Nome verdadeiro: Ricardo Gonzalo Pedro Montalban y Merino. Filho de imgrantes espanhóis, cresceu em Torreón e, ainda adolescente, mudou-se para Los Angeles a fim de viver com um de seus irmãos, Carlos. Ricardo terminou seus estudos na Fairfax High School e atuou em produções da escola. Em 1940, os dois foram para Nova York, onde Ricardo obteve um pequeno papel na peça “Her Cardboard Lover”. Em 1941, ele apareceu em musicais de três minutos produzidos pela Soundies Distributing Corporation of America e vistos nas jukeboxes. Ricardo era usualmente extra ou membro do côro, com uma exceção: ele interpretou o papel principal em He’s a Latin from Staten Island / 1941, mas apenas fazendo uma pantomima enquanto tocava o disco gravado por Gus Van. Ao saber que sua mãe estava morrendo, Montalban retornou ao México, onde fez 13 filmes mexicanos (entre eles, Santa – O Destino de uma Pecadora / 1943 com Esther Fernandez (o filme que ficou 27 semanas em cartaz no Brasil e Sombra Verde / 1954 com Ariadna Welter) e se tornou um astro na sua terra natal, apelidado de “o Tyrone Power do México”.

CYd Charisse, Esther Williams, John Carroll e Ricardo Montalban em Festa Brava

Esther Williams e Ricardo Montalban em A Filha de Netuno

Ricardo Montalban e Lana Turner em Meu Amor Brasileiro

Fazendo sua estréia na MGM em Hollywood como um toureiro e irmão gêmeo de Esther Williams Festa Brava / Fiesta / 1946, ele atraiu imediatamente a atenção do público, dando ensejo à sua integração no elenco de outras comédias musicais (Numa Ilha com Você / On an Island with You / 1948, Beijou-me um Bandido / The Kissing Bandit / 1948, A Filha de Netuno / Neptune’s Daughter / 1949, Quando Canta o Coração / Two Weeks with Love / 1950, Meu Amor Brasileiro / Latin Lovers / 1953).

Ricardo Montalban em A Noite de 23 de Maio

Ricardo Montalban em Assim são os Fortes

Entre a penúltima e a última comédia musical, Montalban atuou em dois excelentes filmes noires (Mercado Humano / Border Incident /1949 e A Noite de 23 de Maio / Mystery Street / 1950) e no igualmente ótimo filme de guerra, O Preço da Glória / Battleground / 1949). Em 1951, ele era o índio Ironshirt, um papel marcante em outra obra de valor, Assim são os Fortes / Across the Wide Missouri; porém depois seus filmes foram menos expressivos.Entretanto, ele marcou sua presença como o Nakamura de Sayonara / Sayonara / 1957, o Padre Raspi em O Santo Relutante / The Reluctant Saint / 1962, o Little Wolf de Cheyenne Autumn / 1964 ou o Vittorio Vitale de Charity, Meu Amor / Sweet Charity /1969, embora nenhum de seus papéis no cinema pudesse sobrepujar em termos de popularidade o seu Mr. Roarke da série de televisão, A Ilha da Fantasia / Fantasy Island (1977-1984).

Conchita Montenegro

CONCHITA MONTENEGRO (1911-2007). Local de nascimento: San Sebastian, Espanha. Nome verdadeiro: Concepción Andrés Picado. Educada em um convento em Madrid, trabalho primeiro profissionalmente como modelo para o famoso pintor Ignacio Zuloaga y Zabaleta. Durante a infância, ela aprendeu dança clássica e espanhola. Conchita fez seus primeiros filmes na Espanha (Sortilegio / 1927, Rosa de Madrid / 1927) e França (A Mulher e o Fantoche / La Femme et le Pantin / 1929 de Jacques de Baroncelli). Chegou em Hollywood, contratada pela MGM, que a colocou em versões espanholas de filmes americanos (Sevilha de Mis Amores / v.esp. de Call of the Flesh / 1930 (só passou aquí na cabine da MGM em sessão reservada); Ordinário! …Marche! / De Frente Marchen / v.esp. de Doughboys / 1930; En Cada Puerto un Amor / v.esp. de Way of a Sailor / 1931; Sua Última Noite / Su Ultima Noche / v.esp. de The Gay Deceiver / 1931);

Conchita Montenegro e Buster Keaton em Ordinário!…Marche!

Conchita Montengro e Edmund Lowe em O Galante Aventureiro

como uma dançarina espanhola em Beijos a Esmo / Strangers May Kiss / 1931 e como Tamea, uma nativa dos Mares do Sul, ao lado de Leslie Howard em Delírio de Amor / Never the Twain Shall Meet /1931. Transferindo-se para a Fox, Conchita fez, entre outros, filmes hablados en español com José Mojica (Príncipe sem Amor / Hay Que Casar al Principe / 1931, Melodia Proibida / La Melodia Proibida / 1933) e Raoul Roulien (Granadeiros do Amor / Granaderos del Amor / 1934, Assegure a su Mujer / 1936) e O Galante Cavaleiro / The Cisco Kid / 1931 com Warner Baxter e Idilio na Fronteira / The Gay Caballero / 1932 com George O’Brien. O que Conchita fez de mais importante no resto de sua carreira foi Caravane / 1934, de Erik Charrell, versão francesa de Paixão de Zíngaro / Caravan, Eternas Melodias – A Vida de Mozart / Melodie Eterne de Carmine Gallone / 1940, e O Grito da Mocidade / 1940, ao lado de seu marido Raul Roulien, também diretor do filme.

Maria Montez

MARIA MONTEZ (1912-1951). Local de nascimento: Barahona, República Dominicana. Nome verdadeiro: María Africa García Vidal. Filha de Isidoro Gracia García, exportador de madeira e Vice-Consul Honorário da Espanha na República Dominicana, foi educada no Convento to Sagrado Coração em Santa Cruz de Tenerife. Desde criança, Maria demonstrou que queria ser atriz. Ela aprendeu ingles autodidaticamente, ouvindo canções e lendo publicações americanas. Em 23 de novembro de 1932, Maria casou-se com o banqueiro irlandês William McFeeters. O casamento durou sete anos e, após o divórcio, Maria partiu para Nova York, onde obteve seu primeiro emprego como modelo, posando para a capa de uma revista.

Maria Montez e Jon Hall em As Mil e uma Noites

Retratada por McCleland Barclay, pintor especializado na pin-up art, recebeu muitas ofertas de trabalho. Certo dia recebeu um telefonema de George Schaefer, alto executivo da RKO, convidando-a para um teste, mas ela acabou aceitando uma proposta da Universal. Maria escolheu o nome de Maria Montez em homenagem à dançarina Lola Montez, que seu pai admirava. Reporto-me, daquí em diante, à minha postagem “Escapismo em Glorioso Technicolor”, onde já tracei um breve resumo da carreira cinematográfica de Maria Montez, dispensando-me de repetir os mesmos dados.

Sarita Montiel

SARITA MONTIEL (1928-2013). Local de nascimento: Campo de Criptana, Ciudad Real, Espanha. Nome verdadeiro: María Antonia Abad Fernández. Filha de um lavrador, desde muito pequena se destacou por sua beleza e seus dotes artísticos, os quais impressionaram Don Vicente Casanova, influente agricultor e dono de uma companhia de publicidade. Este a ouviu cantar durante uma procissão da Semana Santa e cuidou para que a jovem estudasse declamação e canto. A partir de 1944, Sarita fez filmes na Espanha, sobressaindo Don Quichote de la Mancha / 1947 e Delírio de Amor / Locura de Amor / 1948. Graças ao êxito de Delírio de Amor, ela chamou a atenção da indústria cinematográfica do México e imediatamente se transformou em uma das estrelas deste país, onde filmou mais uma dezena de produções, entre as quais se destacaram: Encarceradas / Carcél de Mujeres / 1951, Luta de Almas / El Capitán Veneno / 1951 e O Modelador de Almas / Piel de Canela / 1953.

Sarita Montiel em O Modelador de Almas

Sarita Montiel e Gary Cooper em Vera Cruz

Cartaz de Renegando o meu Sangue

Finalmente, em 1954, a Hetch-Lancaster Productions apresentou-a ao público americano e mundial em Vera Cruz / Vera Cruz de Robert Aldrich, contracenando com Gary Cooper, Burt Lancaster e Cesar Romero. Nos Estados Unidos, Sarita fez ainda Serenata / Serenade / 1956 e Renegando o meu Sangue / Run of the Arrow /1957, dirigidos respectivamente por Anthony Mann (com quem ela se casou) e Samuel Fuller. Entre um e outro dos filmes citados, foi à Espanha e abriu caminho para uma nova carreira no cinema espanhol com A Última Canção / El Último Cuplé / 1957, melodrama musical dirigido por Juan de Orduña, que iniciou um ciclo de muito sucesso, no qual se incluiram outros trabalhos da atriz como La Violetera / La Violetera / 1958, Mi Último Tango / Meu Último Tango / 1960, Sublime Melodia / Pecado de Amor / 1961, A Bela Lola / La Bella Lola / 1962 e A Rainha do Chantecler / La Reina del Cnantecler / 1962.

Entre seus derradeiros filmes um se destaca por sua curiosidade: Samba / Samba / 1965, co-produção hispano-brasileira em Eastmancolor, dirigida por Rafael Gil, com Sarita Montiel em um papel duplo: a cantora Laura Monteiro e sua sósia, uma garota da favela chamada Belén. Laura é assassinada no seu camarim por seu antigo protetor (Fosco Giachetti), porque ele soube de seu caso de amor com Assis (Carlos Alberto); no decorrer da trama, Belén assume a identidade de Laura, sem saber que está sendo usada por uma bando de contrabandistas de jóias costuradas em fantasias de Carnaval. Antonio Pitanga, Grande Otelo e outros atores brasileiros estão no elenco e na trilha sonora ouve-se “Bahia”, “Caminhemos, “Na Baixa do Sapateiro”, “Ninguém me Ama”, “Aquarela do Brasil”.

Antonio Moreno

ANTONIO MORENO (1887-1967). Local de nascimento: Madrid, Espanha. Nome verdadeiro: Antonio Garrido Monteagudo. Levado por dois turistas, emigrou para os Estados Unidos aos 14 anos de idade, e fixou residência em Massachusetts, onde completou sua educação. Moreno tornou-se ator de teatro em produções regionais e, em 1912, contratado pela Biograph, rumou para Hollywood, iniciando sua carreira como figurante ou interpretando pequenos papéis em inúmeros filmes curtos. Seu primeiro filme, personificando um índio, foi Iola’s Promise / 1912, estrelado por Mary Pickford e dirigido por D.W. Griffith. Em 1918-1920, depois de fazer um seriado com Pearl White, A Casa do Ódio / The House of Hate, na Astra-Pathé, ele estrelou seriados da Vitagraph (A Máscara Sinistra / The Iron Test / 1918, Precipícios do Ódio / Perils of Thunder Mountains / 1919, A Mão Invisível / The Invisible Hand / 1920, O Véu Misterioso / The Veiled Mystery / 1920) e logo se tornou um ídolo das matinês muito estimado, frequentemente estereotipado como o “Latin Lover”, tal como outros atores da época com raízes latina como Ramon Novarro e Rudolph Valentino.

Antonio Moreno e Gloria Swanson em Minha Esposa Modelo

Antonio Moreno e AliceTerry em Nare Nostrum

Greta Garbo e Antonio Moreno em Terra de Todos

Antonio Moreno em Rastros de Ódio

No início dos anos vinte, Moreno ingressou na Famous Players de Jesse Lasky, e se tornou um de seus artistas mais bem pagos. Em 1922 contracenou com Gloria Swanson em Minha Esposa Modelo / My American Wife e, em 1926, com Alice Terry em Mare Nostrum / Mare Nostrum e com Greta Garbo em Terra de Todos / The Temptress. No ano seguinte, estava ao lado de Clara Bow em O Não Sei Quê das Mulheres / It , um sucesso enorme de bilheteria. Com o advento do cinema falado, embora continuando a trabalhar em hablados en español (entre eles, três com a espanhola Catalina Bárcena: Primavera de Outono / 1934, La Ciudad de Cartón /1934, Señora Casada Necesita Marido / 1935) e outros filmes americanos, Moreno começou a aceitar papéis em produções mexicanas. Ele também dirigiu quarto filmes no México, inclusive o drama Santa / 1932, o primeiro filme falado deste país. A partir dos meados dos anos trinta, Moreno passou a ser coadjuvante, aparecendo em inúmeros filmes americanos (vg. Chief Cochise em O Vale do Sol / Valley of the Sun / 1942; Don Francisco de Vega em O Capitão de Castela / Captain of Castile; Jose De Vasques em A Marca do Renegado / The Mark of the Renegade / 1951; Chief Dark Cloud em Pacto de Honra / Saskatchewan / 1954 e Emilio Gabriel Fernandez y Figueroa na obra-prima de John Ford, Rastros de Ódio / The Searchers / 1956).

Filed under: Posts
by AC
No Comments »

Os atores latinos foram usados por Hollywood no seu período clássico de duas maneiras: como astros e estrelas, personificando homens sedutores e mulheres lascivas ou temperamentais (porém ambos interpretando quase sempre papeís não-latinos, geralmente personagens europeus de vários países) ou como coadjuvantes ou extras, encarnando principalmente indígenas ou os estereotipos mexicanos de bandidos grotescos, peões preguiçosos ou cômicos, ditadores cruéis, señoritas virginais e as garotas das cantinas.

Curiosamente, houve atores não latinos ou que eram apenas descendentes de latinos, fazendo papéis de latinos como Ricardo Cortez, cujo verdadeiro nome era Jacob Krantz, criado no Lower East Side de Nova York e Joseph Calleia, que era filho de espanhóis, nascido em Malta.Existiram ainda atores latinos que anglicizaram seu nome artístico como Barry Norton e Gilbert Roland, nascidos respectivamente na Argentina e no México com os nomes de Alfredo Biraben e Luís Antonio Damaso de Alonso.

De modo inverso, outros artistas de origem latina ou semi-latina, que nasceram nos Estados Unidos e tinham nomes não-latinos, escolheram nomes artísticos, que soassem mais como latinos como Raquel Torres, que era meio-alemã e meio-mexicana, nascida no México com o nome de Paula Marie Osterman.

Vários fatores cooperaram para que atores latinos atingissem o estrelato. Primeiramente, a expansão industrial e a competição internacional levou os estúdios a dar mais destaque para atores estrangeiros ou “étnicos”, a fim de ampliar a atração dos filmes de Hollywood nos mercados internacionais. Outro fator foi a enorme popularidade de todas as coisas mexicanas entre 1920 e 1935, quando houve um entusiasmo tanto pela herança do período pré-conquista como pela obra de artistas contemporâneos e muralistas como Diego Rivera e José Clemente Orozco, um aumento da publicação de livros sobre o México, e um estreitamento das relações entre os dois países, tornando-os mais abertos ao intercâmbio cultural.Finalmente, os sotaques não eram problema na cena muda e a transferência da produção de filmes da Costa Leste para a Califórnia, proporcionou a proximidade e acesso, particularmente para os mexicanos, ao mundo do cinema.

Feita essa breve introdução, seguem, em ordem alfabética, bio-filmografias sucintas dos atores e atrizes latinos mais conhecidos no cinema americano clássico, exluídos alguns grandes astros (v.g. Dolores Del Rio, Ramon Novarro, Anthony Quinn, Rita Hayworth), artistas brasileiros, portuguêses e italianos, os que fizeram apenas versões em língua espanhola de filmes americanos ou filmes falados originariamente em espanhol e apenas um ou dois filmes americanos, e as aparições em filmes ou séries de televisão.

Rodolfo Acosta

RODOLFO ACOSTA (1920-1974). Local de nascimento: Chihahua, México. Nome verdadeiro: Rodolfo Acosta Pérez. Quando tinha três anos de idade, sua família mudou-se para a Califórnia. Fascinado pela arte dramática, frequentou a Pasadena Playhouse. Aos dezenove anos de idade, ganhou uma bolsa para o Palacio de Bellas Artes em Mexico City, ali permanecendo por três anos. Com o advento da Segunda Guerra Mundial, Acosta alistou-se na Marinha dos Estados Unidos, incorporando-se na Naval Intelligence. Depois da guerra, por intermédio de John Ford, ele conseguiu fazer uma ponta em Dominio de Bárbaros / The Fugitive / 1947, e depois trabalhou em muitos filmes mexicanos, destacando-se Santa entre Demônios / Salón Mexico / 1949

Rodolfo Acosta e Marga López em Santa entre Demônios

Rodolfo Acosta em Caminhos Ásperos

com Marga López e Vítimas do Pecado / Victimas del Pecado /1951 com Ninon Sevilha e Tito Junco, ambos dirigidos por Emilio Fernández. Acosta conquistou o premio Ariel (o equivalente ao Oscar no México) por sua interpretação como o gigolô Paco no primeiro filme, o que o levou a um contrato com a Universal, onde estreou em Nem o Céu Perdoa / One Way Street / 1950, estrelado por James Mason. Entre os filmes que fez desde então em Hollywood merecem destaque seus papéis em Império do Pavor / Horizons West / 1952 (General José Escobar Lopes), Revolta do Desespero / Wings of the Hawk / 1953 (Arturo Torres), Caminhos Ásperos / Hondo / 1953 (Silva) e, principalmente, o de Scarface Charlie, em Rajadas de Ódio / Drum Beat / 1954.

Maria Alba

MARIA ALBA (1910-1999). Local de nascimento: Barcelona, Catalunha, Espanha. Nome verdadeiro: Maria Casajuana Martínez. Foi a vencedora da Espanha (juntamente com Antonio Cumellas) no Concurso de Beleza Fotogênica, que a Fox promoveu em alguns países de língua latina, inclusive no Brasil, onde os ganhadores foram Lia Torá e Olimpio Guilherme. Como consequência, Maria Casajuana firmou um contrato com a dita produtora e foi com este nome mesmo que apareceu em um short intitulado Her Blue, Black Eyes / 1927. Ainda como Casajuana, estreou no longa-metragem Uma Noiva em Cada Porto / A Girl in Every Port / 1928 de Howard Hawks como Chiquita, ao lado de Victor Mac Laglen e Louise Brooks. Em seguida, já com o nome artístico de Maria Alba, fez na Fox Frutos da Época / Road House / 1928, Consciência Velada / Blindfold / 1928, Rua Alegre / Joy Street / 1928 e Os Três Padrinhos / Hell’s Heroes / 1929. Depois de aparecer em uma revista musical da Hollywood Spanish Pictures, dirigida por Xavier Cugat, Charros, gauchos y manolas / 1930, ela participou de versões em espanhol de filmes americanos na Fox e em outras companhias (Corpo de Delito / El Cuerpo del Delicto, v.esp. de The Benson Murder Case / 1930;

Douglas Fairbanks e Maria Alba em Robinson Crusoe Moderno

Maria Alba e Bela Lugosi em A Volta de Chandu

A Força de Querer / La Fuerza del Querer, v.esp. de The Big Fight / 1930; Olimpia / Olimpia, v.esp. de His Glorious Night / 1930; Los Que Danzan, v.esp. de Those Who Dance / 1930; El Código Penal, v.esp. de The Criminal Code / 1931; Camino del Infierno, v.esp. de The Man Who Came Back / 1931; Sua Última Noite / Su Última Noche / 1931, v.esp. de The Gay Deceiver; A Lei do Harem / La Ley del Haren, v.esp. de Fazil / 1931) e de outros filmes na MGM (Gigolô / Just a Gigolô / 1931, Fox (Por uma Mulher / Goldie / 1931, Almost Married / 1932), Mack Sennett (Hypnotized / 1932), Monarch (Beijo de Árabe / Kiss of Araby / 1932), Monogram (Flirting with Danger / 1932, Great God Gold /1935), RKO (No Domínio dos Homens / West of the Pecos / 1934). Maria Alba trabalhou também em um seriado, A Volta de Chandu / The Return of Chandu como Nadji – Princesa do Egito e em Robinson Crusóe Moderno / Robinson Crusoe, no seu melhor papel, “Saturday”, ao lado de Douglas Fairbanks. Em 1946, retirou-se das telas, após aparecer em dois filmes mexicanos, El Hijo de Nadie e La Morena de mi Copla.

Don Alvarado

DON ALVARADO (1905-1967). Local de nascimento: Albuquerque, New Mexico, EUA. Nome Verdadeiro: José Paige. Começou sua carreira como extra em 1924 e se tornou um leading man no final dos anos vinte, aparecendo com maior destaque em Os Amores de Carmen / The Loves of Carmen / 1927 e Vendida / No Other Woman / 1928, ao lado Dolores Del Rio; A Dança da Vida / Drums of Life / 1928, com Mary Philbin; A Dama Escarlate / The Scarlet Lady / 1928 com Lya de Putty; A Ponte de San Luis Rey / The Bridge of San Luis Rey / 1929 com Lili Damita.

Don Alvarado e Dolores Del Rio em Os Amores de Carmen

Don Alvarado e Lili Damita em A Ponte de San Luis Rey

Alvarado sobreviveu à transição do cinema mudo para o falado, porém sua carreira foi declinando e o único papel de relêvo que ainda lhe coube foi no média-metragem em Technicolor de três cores La Cucaracha / La Cucaracha / 1934. Nos anos quarenta e cinquenta apareceu em filmes intermitentemente e depois passou a exercer a função de assistente de diretor, creditado como Don Page (vg. Juventude Transviada / Rebel Without a Cause / 1955 e A Mulher do Século / Auntie Mame / 1958). Sua ex-esposa, Ann Boyar, filha de imigrantes judeus russos, casou-se com Jack L. Warner. Com Ann, Alvarado teve uma filha, Joe Page, que também se tornou atriz.

Pedro Armendáriz

PEDRO ARMENDÁRIZ (1912-1963). Local de nascimento: Mexico City, México. Nome verdadeiro: Pedro Gregorio Armendáriz Hastings. Filho do mexicano Pedro Armendáriz García-Conde e da americana, Adela Hastings, Pedro e seu irmão Francisco, moraram com seu tio, Henry Hastings, Sr. em Laredo, depois que sua mãe faleceu. Após se formar em engenharia na California Polytechnic State University, Pedro retornou ao México no início dos anos trinta e começou uma carreira de ator no teatro. Desde seu primeiro filme Maria Elena / 1935 até estrear no cinema americano em Domínio de Bárbaros / The Fugitive / 1947, sob as ordens de John Ford, Armendáriz fez mais 48 filmes mexicanos, entre os quais se destacaram Flor Silvestre / Flor Silvestre / 1943, Maria Candelaria / Maria Candelaria / 1943, As Abandonadas / Las Abandonadas / 1944, A Pérola / La Perla / 45, Coração Torturado / Bugambilia / 1944 e Enamorada /Enamorada / 46, todos dirigidos por Emilio Fernández, firmando-se como um grande astro na cinematografia azteca.

Pedro Armendáriz e Dolores Del Rio em Maria Candelaria

Pedro Armendáriz e Paulette Goddard em Do Ódio nasce o Amor

Em Hollywood, passou a coadjuvante, salientando suas aparições nos três filmes de Ford (os outros dois foram: O Céu Mandou Alguém / Three Godfathers / 1948 e Sangue de Heróis / Fort Apache / 1948) e em um de John Huston, Resgate de Sangue / We Were Strangers / 1949). Porém continuou como astro em filmes mexicanos (v.g. Maclovia / Maclovia / 1949, A Malquerida / La Malquerida / 1949, Do Ódio Nasce o Amor / The Torch / 1950 (co-produção com EUA) todos de Emilio Fernandez, e O Bruto / El Bruto / 1953, de Luis Buñuel e Mulata / 1954, ao lado de Nino Sevilla). Posteriormente, tornou-se um artista internacional, atuando em filmes europeus (vg. O Tirano de Toledo / Les Amants de Tolède / 1952, Os Amores de Lucrécia Borgia / Lucrèce Borgia / 1953, O Diabo do Deserto / Fortune Carrée / 1955, Homens e Lobos / Uomini I Lupi / 1957), sem deixar de lado os americanos (vg. Diana da França / Diane / 1953, Sangue de Bárbaros / The Conqueror / 1955, Terra Maravilhosa / The Wonderful Country / 1959, São Francisco de Assis / Francis of Assisi / 1961).

Pedro Armendáriz, Harry Carey Jr. e John Wayne em Os Três Padrinhos

Pedro Armendáriz e Lana Turner em Diana da França

Seu último filme foi Moscou contra 007 / From Russia with Love / 1963, produzido no Reino Unido. Durante a filmagem, Armendáriz estava seriamente doente com câncer avançado nas glândulas linfáticas. Quando recebeu a notícia de que teria somente mais um ano de vida, ele se matou com um tiro no quarto do hospital em Los Angeles.

Armida

 ARMIDA (1913-1989). Local de nascimento: Aguascalientes, México. Nome verdadeiro: Armida Vendrell. Seu pai, Joaquin Vendrell, era um mágico conhecido como “The Great Arnold”, que imigrou para o México, oriundo de Barcelona, Espanha. Armida começou a representar aos dezesseis anos de idade, quando sua família se mudou para os Estados Unidos. Seu pai abriu o primeiro cinema em Douglas, Arizona, onde ela e suas irmãs, Lydia e Lola, cantavam e dançavam durante o intervalo e seu progenitor praticava seus atos de ilusionismo. Armida foi descoberta pelo ator, produtor e compositor Gus Edwards, que a introduziu no vaudeville e depois a levou para Hollywood, colocando-a em shorts musicais na MGM (Colortone Novelties) até que ela obteve o papel principal de Conchita em Border Romance /1929. Ainda em 1929, ela fez um número musical intitulado “Irmãs Unidas” / “Meet my Sister” em A Parada das Maravilhas / The Show of Shows, do qual participaram vários astros e estrelas da Terra do Cinema. Entre seus filmes mais conhecidos estão:

Don Juan do México / Under a Texas Moon / 1930; O General Crack / General Crack / 1930, estrelado por John Barrymore; Ai Vêm os Navais / The Marines are Coming / 1934; Sob o Luar dos Pampas / Under the Pampas Moon / 1934; Ritmo Serrano / Rootin’ Tootin’ Rhythm / 1937 com Gene Autry e Smiley Burnette; Ao Sul de Tahiti / South of Tahiti / 1941; Sempre em meu Coração / Always in My Heart / 1942; Nocaute do Amor / The Girl from Monterey / 1943; dois filmes da série Cisco Kid (A Canção da Fronteira / South of the Rio Grande / 1945 e The Gay Amigo / 1949; A Deusa das Selvas / Jungle Goddess / 1948; e o seriado A Rainha do Congo / Congo Bill / 1948, no qual ela fazia o papel de uma nativa, Zulea.

Desi Arnaz

DESI ARNAZ (1917-1986). Local de nascimento: Santiago de Cuba, Cuba. Nome verdadeiro: Desiderio Alberto Arnaz y de Acha III. Seu pai foi prefeito de Santiago e também ocupou uma cadeira na Câmara dos Deputados de Cuba. Após a Revolução Cubana de 1933, liderada por Fulgêncio Batista, que derrubou o governo do presidente Gerardo Machado, o pai de Desi foi preso e teve seus bens confiscados. Quando recuperou a liberdade, a família mudou-se para Miami. Desi arrumou emprego como guitarrista em uma banda que tocava rumba e, eventualmente, foi para Nova York, juntando-se à orquestra de Xavier Cugat. Desi introduziu a moda da conga como dansa de salão na América e sua popularidade levou-o à Broadway, onde obteve um papel no musical de George Abbott, “Too Many Girls” como Manuelito, um jogador de futebol sulamericano. Em 1940, Desi foi convocado por Hollywood para recriar seu papel na versão cinematográfica do musical. Ele conheceu Lucille Ball na RKO, onde Garotas em Penca / Too Many Girls foi filmado, e eles se casaram. Desi fez mais três filmes corriqueiros na RKO (Papai Vai Casar / Father Takes a Wife / 1941, Quatro Valetes e uma Dama / Four Jacks and a Jill / 1942, Emboscada em Alto Mar / The Navy Comes Through / 1942) e participou, na MGM, de um bom filme de guerra dirigido por Tay Garnett, A Patrulha de Bataan / Bataan / 1943, no papel de Felix Ramirez, um dos soldados componentes da unidade totalmente dizimada pelos japoneses durante a Segunda Guerra Mundial.

Desi Arnaz e Lucille Ball em Lua-de-Mel Agitada

Depois de mais dois filmes de pouca importância, Ao Calor da Rumba / Cuban Pete / 1946 e Holiday in Havana / 1947 e um short musical, Jitterumba / 1947, produzido pela Universal, ele e Lucille Ball tentaram repetir o êxito que estavam alcançando na série de televisão I Love Lucy (1951-1957), compondo um outro casal em Lua-de-Mel Agitada / The Long Long Trailer / 1953; mas, apesar de dirigido por um cineasta do porte de Vincente Minelli, o espetáculo foi apenas razoável. A dupla tentou de novo com Eu e Meu Anjo / Forever, Darling / 1956, porém o resultado foi pior. Desi só retornaria ao cinema em 1982 para fazer, ao lado de Raul Julia, seu último filme, O Pequeno Mágico / The Escape Artist, cujo produtor-executivo era Francis Ford Coppola. Com o sucesso de I Love Lucy, Desi e Lucille formaram a Desilu Productions, compraram as instalações do estúdio da RKO e se dedicaram à produção de programas para a televisão. Eles se divorciaram em 1960.

Lita Baron

LITA BARON (1929 – ). Local de nascimento: Almería, Espanha. Nome verdadeiro: Isabel Beth Castro. Quando tinha quatro anos de idade, sua família emigrou para os Estados Unidos. A primeira incursão de Lita no mundo do espetáculo foi pela mão de Xavier Cugat, com quem cantou no Trocadero, apresentando-se sob o nome artístico de Isabelita. Em 1943, ela apareceu em um filme da Republic, That’s My Baby! juntamente com o Guadalajara Trio, formado por cantores guitarristas. Em 1945, contratada pela RKO Pictures, participou do elenco de Pan-Americana / Panamericana no papel de Lupita. Em seguida, fez filmes dois shorts (Champagne for Two e Samba-Mania na Paramount (série Musical Parade) e longas-metragens em vários estúdios (v.g. A Alegre Mexicana / The Gay Señorita / 1945 (Columbia); Clube Havana / Club Havana / 1945 e A Volta de Don Ricardo / Don Ricardo Returns / 1946 (PRC); Ligeiramente Escandalosa / Slightly Scandalous / 1946 (Universal); Herói Ginasial / School Hero / 1946 e Bomba e a Pantera Negra / Bomba on Panther Island / 1949 (Monogram);

Lita Baron em Jim das Selvas

Rory Calhoun e Lita Baron

Jim das Selvas / Jungle Jim / 1948 (Esskay), já como o nome de Lita Baron no papel de Zia; Mercado Humano / Border Incident / 1949 como Rosita, sem ser creditada (MGM); Savage Drums /1951 (Sigmund Neufeld), co-estrelando com Sabu. Nos anos cinquenta, Lita trabalhou com seu marido Rory Calhoun nos westerns O Tesouro de Pancho Villa / The Treasure of Pancho Villa / 1955 e Onde Imperam as Balas / Red Sundown / 1956, e foi ao lado dele que fez seu ultimo filme em 1979, Bitter Heritage, no papel de La Madre.

Alfonso Bedoya

ALFONSO “INDIO” BEDOYA (1904-1957). Local de nascimento: Vicam, Sonora, México. Descendente da tribo Pascua Yaqui, teve uma infância nômade, morando em vários lugares, inclusive, durante certo tempo, em Mexico City. Na adolescência, recebeu uma educação particular em Houston, Texas, mas logo largou os estudos, e teve vários empregos. Entretanto, sua família, trouxe-o de volta para Mexico City, onde ele encontrou trabalho na indústria de cinema mexicana. Bedoya fez dezenas de filmes mexicanos em papéis muito pequenos até ser descoberto pelo diretor John Huston, que lhe ofereceu o papel de Gold Hat em O Tesouro de Sierra Madre / The Treasure of Sierra Madre / 1948. Bedoya roubou as cenas nas quais aparecia. Quando Gold Hat e seu bando tentam convencer os garimpeiros (Walter Huston, Tim Holt, Humphrey Bogart) de que são “federales”, Dobbs, o personagem interpretado por Bogart, pergunta: “Se vocês são da polícia, onde estão seus distintivos?”. E aí, Gold Hat diz uma frase, que foi incluída em uma enquete feita pelo American Film Institute, entre as mais memoráveis do cinema: “Badges? We ain’t got no badges. I don’t have to show you any stinking badges!”(Distintivos? Não temos distintivos. Não preciso mostrar para vocês nenhum distintivo nojento!).

Alfonso Bedoya (à esquerda) em um intervalo de filmagem de A Rosa Negra

Ele atuou ainda em muitos filmes americanos, a maioria westerns, comumente como bandido mexicano (vg. Tentação Selvagem / Angel and the Amazon / 1948, Mosqueteiros do Mal / Streets of Laredo / 1949, Mercado Humano / Border Incident / 1949; A Rosa Negra / The Black Rose / 1950 (como o chinês Lu Chung), O Fidalgo da California / California Conquest / 1952, Arizona Violenta / Ten Wanted Men / 1955 O Pistoleiro / Stranger Wore a Gun / 1953 e Da Terra Nascem os Homens / The Big Country / 1958. O alcoolismo destruiu sua saúde e Bedoya morreu com 53 anos.

Fortunio Bonanova

FORTUNIO BONANOVA (1895-1969). Local de nascimento: Palma de Mallorca, Espanha. Nome verdadeiro: Josep Lluís Moll. Estudou música, no Conservatório Real de Madrid e teve professores particulares de música em Milão, Itália e no Conservatório de Paris. Aos dezessete anos de idade, o jovem barítono estava cantando com o grupo da Capela Real em Madrid, quando Feodor Chaliapin o ouviu e o estimulou nas suas ambições musicais. Bonanova estreou na ópera em Paris como o toureador em “Carmen” de Bizet e depois cantou em várias companhias de ópera internacionalmente. No cinema mudo espanhol, atuou em Don Juan Tenorio / 1922 e produziu, dirigiu e estrelou Don Juan / 1924. Sua estréia no cinema americano deu-se em Mulheres e Aparência / Careless Lady / 1932, seguindo-se pequenos papéis em produções americanas (Manias de Gente Rica / A Successful Calamity / 1932, A Princesa e o Galã / Romance in the Dark /1938, Feitiço do Trópico / Tropic Holiday / 1938 ) e papéis principais em produções espanholas (v.g. El Capitan Tormenta / 1936, Poderoso Caballero / 1936, El Carnaval del Diablo /1936).

Fortunio Bonanova e Tyrone Power em O Cisne Negro

Fortunio Bonanova e Anne Baxter em Cinco Cova no Egito

Raloph Meeker e Fortunio Bonanova em A Morte num Beijo

Em 1939, Bonanova produziu, compôs a música e estrelou em um filme americano falado em espanhol, La Immaculada, dirigido por Louis J. Gasnier. Na sua extensa filmografia como coadjuvante em Hollywood seus papéis mais lembrados são: Matiste, o professor de canto de Susan Alexander Kane em Cidadão Kane / Citizen Kane / 1941; Dom Miguel em O Cisne Negro / The Black Swan / 1942; Fernando, o guerrilheiro espanhol em Por Quem Os sinos Dobram / For Whom the Bell Tolls / 1943; o General Sebastiano em Cinco Covas no Egito / Five Graves to Cairo / 1943; Sam Garlopis em Pacto de Sangue / Double Indemnity / 1944; Carmen Trivago, o amante de ópera cujo disco raro é quebrado diante de seus olhos pelo detective particular Mike Hammer em A Morte Num Beijo / Kiss me Deadly / 1955.

Argentina Brunetti

ARGENTINA BRUNETTI (1907-2005). Local de nascimento: Buenos Aires, Argentina. Nome verdadeiro: Argentina Ferrau. Iniciou sua carreira no mundo do espetáculos aos três anos de idade como figurante na ópera “Cavalaria Rusticana” e seguiu os passos de sua mãe famosa, a atriz de teatro italiana Mimi Aguglia. Em 1937, foi contratada pela MGM e começou dublando as vozes de Jeanette MacDonald e Norma Shearer para o italiano. Em seguida, tornou-se narradora do programa A Voz da América, entrevistando astros e estrelas americanos para as transmissões radiofônicas na Itália. Ao mesmo tempo, começou sua carreira cinematográfica estreando em A Felicidade Não Se Compra / It’s a Wonderful Live / 1946 como Mrs. Martini, depois de aparecer sem ser creditada em Gilda / Gilda / 1946 e A Volta de Monte Cristo / The Return of Monte Cristo / 1946.

Argentina Brunetti e Dean Martin em Sofrendo da Bola

Argentina fez mais 63 longas-metragens (sem receber crédito em pelo menos um terço deles), sendo mais lembrados seus papéis como Mrs. Rodriguez em O Fugitivo de Santa Marta / The Lawless / 1950, Nalikadeya, a mulher de Cochise em Flechas de Fogo / Broken Arrow / 1950, Mama Antony em Sofrendo da Bola / The Caddy / 1953, para quem o filho, interpretado por Dean Martin, canta “That’s Amore”), Mrs. Ricco em Os Irmãos Ricco / The Brothers Ricco / 1957. Seu filme derradeiro foi O 4º Tenor / The 4th Tenor / 2002, em uma breve aparição nesta comédia de Rodney Dangerfield.

Joseph Calleia

JOSEPH CALLEIA (1897-1975). Local de Nascimento: Rabat, República de Malta. Nome verdadeiro: Giuseppe Maria Spurrin Calleja. Filho de espanhóis, quando estva no colégio, organizou um conjunto juvenil de harmônica, que lhe rendeu o dinheiro necessário para sair de Malta em 1914, com 17 anos de idade e iniciar uma carreira de cantor, excursionando pela Europa. Posteriormente, foi para Nova York, ainda como cantor, e depois se interessou pela arte dramática, atuando em várias peças. No cinema, estreou em Meu Pecado / My Sin / 1931, filme estrelado por Tallulah Bankhead e Fredric March. Fez ao todo 57 filmes até 1963, interpretando quase sempre papéis de mexicano ou espanhol típicos (v.g. Alejandro Uradi em Juarez / Juarez, El Surdo em Por Quem Os Sinos Dobram / For Whom the Bells Toll / 1943, Juan Moreno em Nenhuma Mulher Vale Tanto / The Iron Mistress / 1952);

Joseph Calleia e Rita Hayworth em Gilda

Joseph Calleia em Argélia

Joseph Calleia em A Marca da Maldade

gangster (vg. Sonny “Dinkie” Black em Armas da Lei / Public Hero Nº 1 / 1935, Ace Acello em Jogo Perigoso / Exclusive Story / 1936, Nick Varna em Capitulou Sorrindo / The Glass Key / 1942) e policial (v.g. Inspetor Slimane em Argélia / Algiers /1938, detective Maurice Obregon em Gilda / Gilda /1946 e sargento detective Pete Menzies em A Marca da Maldade / Touch of Evil, seu personagem inesquecível. Calleia colaborou no roteiro de O Bandoleiro do Eldorado / Robin Hood of Eldorado / 1935.

Leo Carrillo

LEO CARRILLO (1881-1961). Local de nascimento: California, EUA. Nome verdadeiro: Leopoldo Antonio Carrillo. Descendente de uma família que exerceu um papel importante na história da Califórnia hispano-mexicana, decidiu seguir carreira como artista. Mas, para ganhar dinheiro, a fim de prosseguir seus estudos superiores, empregou-se no departamento de engenharia da Southern Pacific Railroad. Posteriormente, Carrillo foi contratado como cartunista do San Francisco Examiner e pisou no palco pela primeira vez em um espetáculo beneficente. Depois, entrou para o vaudeville, onde atuou por sete anos até que, em 1914, ingressou no chamado legitimate theater, aparecendo em várias peças de sucesso após a Primeira Guerra Mundial. Ele estreou no cinema (depois de participar de três shorts) em Mister Antonio / 1929, seguindo-se mais 85 longas-metragens, destacando-se seus papéis como Don Jose Tostado em Girl of the Rio / 1932; Sierra em Viva Villa! / Viva Villa! / 1934; Father Joe em Vencido pela Lei / Manhattan Melodrama / 1935;

Wallace Beery, Leo Carrillo e Stuart Erwin em Viva Villa!

Leo Carrillo e Duncan Renaldo

Pablo Braganza (o bandido mexicano que sequestra um cantor de ópera (Nino Martini) e uma herdeira (Ida Lupino) em O Mundo é Meu / The Gay Desperado / 1936), o chefe de polícia em Domínio de Bárbaros / The Fugitive / 1947; o gangster Tony Marlow em Crime S/A / Crime, Inc. / 1945; e, principalmente, como Pancho, o companheiro leal de Cisco Kid (Duncan Renaldo) na série de 5 fimes feitos pela Inter-American Productions e distribuídos pela United Artists.

Linda Christian

LINDA CHRISTIAN (1923-2011). Local de nascimento: Tampico, Tamaulipas, México. Nome verdadeiro: Blanca Rosa Welter. Filha de um engenheiro holandês e executivo da Royal Dutch Shell, Gerardus Jacob Welter e de sua esposa nascida no México, Blanca Rosa Vorhauer, de descendência hispano-germânico-francêsa. A família Welter morou em tudo que é lugar desde a América do Sul, Europa, Oriente Médio até a África e, em consequência desse estilo de vida nômade, Linda tornou-se uma poliglota consumada, com a capacidade de falar fluentemente vários idomas. Na sua juventude, o único desejo de Linda era ser médica porém, depois de formada na escola secundária, teve um encontro fortuito com seu ídolo da tela, Errol Flyyn, que se tornou seu amante, e foi persuadida por ele a ir para Hollywood. Seu nome artístico foi inventado por Flynn, inspirado no personagem de “Mutiny on the Bounty”, Fletcher Christian, que ele havia interpretado em um filme australiano de 1933.

Linda Christian em Tarzan e as Sereias

Casamento de Linda Christian e Tyrone Power

Linda Christian e Baby Pignatari

Ela estreou (como Goldwyn Girl) na comédia musical Sonhando de Olhos Abertos / Up in Arms com Danny Kaye e Dinah Shore e começou a chamar atenção do público como Hine-Moa em A Rua do Delfim Verde / Green Dolphin Street / 1947 e como Mara em Tarzan e as Sereias / Tarzan and the Mermaids / 1948. Em 1952, Linda atuou com maior destaque como Mignonette Chappuis em O Amor, Sempre o Amor / The Happy Time e como atriz principal, ao lado de Richard Conte, em Escravos da Babilônia / Slaves of Baylon / 1953, no papel da Princesa Panthea. Fêz também vários filmes europeus, porém ficou mais célebre por seus casamentos com Tyrone Power e Edmund Purdom, e seu romance rumoroso como o milionário e playboy brasileiro Baby Pignatari.

Ricardo Cortez

RICARDO CORTEZ ( 1899-1977). Local de nascimento: Viena, Austria. Nome verdadeiro: Jacob Krantz. Sua familia emigrou para a América quando ele tinha três anos de idade. Sua aparição em um concurso de dança proporcionou-lhe um contrato com a Paramount. Krantz era um excelente dançarino de salão e ele e sua parceira estavam participando de um concurso de dança no Cocoanut Grove em 1922. Jesse L. Lasky estava na platéia e notou logo como o rapaz austríaco se parecia com Valentino, que estava querendo deixar a Famous Players. Lasky imediatamente ofereceu um contrato a Krantz e começou a prepará-lo para substituir o grande latin lover. O primeiro passo foi a invenção de um nome latino adequado, e foi a secretária de Lasky quem escolheu o novo nome: Ricardo Cortez.

Ricardo Cortez e Greta Garbo em Laranjais em Flor

Ricardo Cortez em O Falcão Maltês

Ele ficou mais seis anos na Famous Players e depois transferiu-se para a MGM, onde foi o único astro que teve o nome nos créditos acima do de Greta Garbo no filme de estréia da atriz sueca no cinema americano, Laranjais em Flor / Torrent / 1926. De 1923 a 1958, fez mais de cem filmes, encerrando sua carreira cinematográfica em O Último Hurrah / The Last Hurrah / 1958 de John Ford. Cortez foi Sam Spade em O Falcão Maltês / The Maltese Falcon / 1931, a primeira versão do romance de Dashiel Hammett e, entre 1939-40 dirigiu sete producões modestas (Sombra de Noite / Inside Story /1939, Cortejando a Morte / Chasing Danger / 1939, A Fuga / The Escape /1939, Heaven With a Barbed Wire Fence / 1939, A Sorte Engana / City of Chance / 1940, Loura Perigosa / Free, Blonde and 21 / 1940, O Quarto 313 / Girl in 313 / 1940. Quando se retirou das telas, tornou-se corretor de títulos em Wall Street e viveu confortavelmente até o fim da vida. Foi casado com a atriz do cinema mudo Alma Rubens.

Xavier Cugat

XAVIER CUGAT (1900-1990). Local de nascimento: Girona, Catalunha, Espanha. Nome verdadeiro: Francisco de Asís Javier Cugat Mingall de Bru y Deulofeo. Sua família emigrou para Cuba, quando ele tinha cinco anos de idade. O pequeno Francisco foi treinado para ser um violinista clássico e, quando Enrico Caruso esteve em Havana, conheceu o menino prodígio e o contratou para uma excursão nos Estados Unidos, na qual Cugat, com o nome de Frances Cugat, apresentou-se tocando solos de violino nos intervalos dos números do famoso tenor. Nos anos vinte, Cugat foi para a Califórnia, onde trabalhou como cartunista no Los Angeles Times durante o dia e à noite tocava com sua banda nas boates. Sua grande chance aconteceu em 1928, quando ele e seu conjunto foram contratados pelo prestigioso Cocoanut Grove. Eles fizeram um short, A Spanish Ensemble creditados como “Xavier Cugat and his Gigolos” e, em 1933, se transferiram para Nova York, a fim de inaugurar o novo Starlight Room do Hotel Waldorf-Astoria. Seu estilo musical agradou o público e nos anos 30 e 40 foi apelidado de “O Rei da Rumba” por causa da sua popularização dessa dança latina nos Estados Unidos

Xavier Cugat em Duas Garotas e um Marujo

Xavier Cugat e Lina Romay

Além de continuar se exibindo no Waldorf, Cugat e sua orquestra passaram a ser vistos na tela em Bonita Como Nunca / You Were Never Lovelier /1942, Noivas de Tio Sam / Stage Door Canteen / 1943, Sedução Tropical / The Heat’s On / 1943, Duas Garotas e um Marujo / Two Girls and a Sailor / 1944, Aquí Começa a Vida / Week-End at the Waldorf / 1945, Romance no México / Holiday in Mexico / 1946, Sem Licença nem Amor / No Leave, No Love / 1946, O Príncipe Encantado / A Date with Judy / 1948, Transatlântico de Luxo / Luxury Liner / 1948, Crime em Chicago / Chicago Syndicate / 1955 e em quatro filmes de Esther Williams: Escola de Sereias / Bathing Beauties / 1944, Saudade de Teus Lábios / This Time for Keeps / 1948, Numa Ilha com Você / On an Island with You / 1949, A Filha de Netuno / Neptune’s Daughter / 1949. Uma das marcas registradas de Cugat era segurar um cãozinho Chihuaha enquanto agitava sua batuta com o outro braço, acompanhado sempre de uma bela cantora (vg. Lina Romay, Abbe Lane).

PEDRO DE CORDOBA (1881-1950). Local de nascimento: Nova York, NY, EUA. Filho de pai cubano e de mãe francêsa, e com formação teatral, tornou-se um dos mais prolíficos coadjuvantes dos filmes americanos mudos e sonoros. Entre 1915 e 1951, apareceu em mais de 100 filmes (entre eles The Young Diana / 1922), começando diante das câmeras como Escamillo em Carmen / Carmen / 1915 de Cecil B. DeMille. Na sua longa carreira, seus papéis mais lembrados são os de Don Diego em Capitão Blood / Captain Blood / 1935, Don Miguel em A Marca do Zorro / The Mark of Zorro / 1940, Capitão Mendoza em O Gavião do Mar / The Sea Hawk / 1940, Havez em Castelo Sinistro / The Ghost Breakers / 19040,Gravini em Os Irmãos Corsos / The Corsican Brothers / 1941, Don José Alvarez em Sangue e Areia / Blood and Sand / 1941,

Pedro de Córdoba em Sangue e Areia

Pedro de Cordoba em O Sabotador

Bones, “o homem-esqueleto” que esconde os fugitivos (Robert Cummings e Priscilla Lane) na sua carroça do circo em O Sabotador / Saboteur / 1942 de Alfred Hitchcock, Bar Simon em Sansão e Dalila / Samson and Delilah / 1949 e Father Del Puento em Terra em Fogo / Crisis / 1950.

Arturo de Cordova

ARTURO DE CORDOVA (1907-1973). Local de nascimento: Mérida, Iucatã, México. Nome verdadeiro: Arturo García Rodríguez. Filho de cubanos radicados no México, foi criado em Mérida até os sete anos de idade e depois sua família o levou para os Estados Unidos, onde estudou até os doze anos, quando todos se mudaram para a Argentina. Mais tarde, seus pais o enviaram para a Suiça, a fim de realizar estudos de idiomas. Ele regressou a Argentina em 1928, começando a trabalhar na United Press na qualidade de correspondente. Em 1932, decidiu emigrar para os Estados Unidos mas, durante a viagem, fez uma escala em sua cidade natal, ficando ali alguns meses até ser “fisgado” por uma jovem chamada Enna Arana, com a qual terminou se casando em 23 de agosto de 1933. Por causa do seu casamento, decidiu ficar em Mérida, onde logo arrumou emprego como locutor graças a sua voz clara, sonora e varonil, e sua dicção impecável. Como locutor, conseguiu ingressar na emissora de radio XEW do México, e acabou sendo “descoberto” pelo cinema, estreando no filme Celos / 1935, dirigido pelo russo Arcady Boytker, compartilhando o tôpo do elenco com o ator Fernando Soler. A partir daí, Cordova construiu uma carreira internacional, trabalhando em cinco cinematografias: 83 filmes de longa-metragem no México (v.g. El Conde de Montecristo / 1942, Palavras de Mulher / La Selva de Fuego / 1945, A Deusa Ajoelhada / La Diosa Arrodillada / 1947, O Homem sem Rosto / El Hombre sin Rostro / 1951, O Alucinado / El / 1953, dirigido por Luis Buñuel; Um Estranho na Escadaria / Un Extraño en la Escalera / 1955, Quarta-feira de Cinzas / Miércoles de Ceniza / 1958);

Arturo de Cordova  e Maria Felix  em A Deusa Ajoelhada

Arturo de Cordova e Lucille Bremer em Casanova Aventureiro

Joan Fontaine e Arturo de Cordova em Gaivota Negra

Arturo de Cordova e Tonia Carrero em Mãos Sangrentas

9 em Hollywood: (Miracle on Main Street / 1939, Chispa de Fogo / Incendiary Blonde / 1943, Por Quem os Sinos Dobram / For Whom the Bell Tolls / 1943, Reféns / Hostages / 1943, A Gaivota Negra / Frenchman’s Creek / 1944, A Morte de uma Ilusão / A Medal for Benny / 1944, Fantasia Mexicana / Masquerade in Mexico / 1945, Casanova Aventureiro / Adventures of Casanova / 1947, New Orleans / New Orleans / 1947); 6 na Argentina (Deus lhe Pague / Dios se lo Pague /1947, Passaporte para o Rio / Pasaporte a Río / 1948, Yo no elegí mi Vida / 1949, Fascinação / Fascinación / 1949, Santa e Pecadora / Nacha Regules / 1950, Fuego Sagrado / 1950; 5 na Espanha: Com a Morte no Coração / La Herida Luminosa / 1956, Amante e Assassino / El Amante Asesino / 1959, El Amor que yo te di / 1959, El Amor de los Amores / 1961, Cena de Matrimonios / 1962; 2 no Brasil: Mãos Sangrentas / 1954 e Leonora dos Sete Mares / 1955, ambos dirigidos por Carlos Hugo Christensen; 1 na Venezuela: La Balandra Isabel llegó esta Tarde / 1950. Cordova contracenou com algumas das atrizes mais bonitas e importantes do seu tempo (v.g. Dolores del Rio, Maria Felix, Silvia Pinal, Libertad Lamarque, Zully Moreno, Rosita Quintana, Delia Garcés, Sara Montiel, Amparo Rivelles, Joan Fontaine, Irasema Dilián, Miroslava, Tonia Carrero), porém merece menção especial o relacionamento cinematográfico, e logo sentimental (depois que se separou de sua esposa Enna), que ele manteve com a atriz argentina Marga López, com quem fez 15 filmes (v.g. Meia-Noite / Medianoche / 1948, Minha Esposa e a Outra / Mi Esposa y la Otra / 1951, A Entrega / La Entrega / 1954, Os Perversos / Los Perversos / 1965 e O Professor / El Profe / 1970 (ambos ao lado de Cantinflas).

Filed under: Posts
by AC
4 Comments »

George Arliss foi um grande ator e merece ser redescoberto. Após ter conquistado a popularidade nos palcos, principalmente por suas interpretações de personalidades célebres, ele transferiu essa especialidade para o cinema, estrelando uma série de biografias históricas, tendo sido o precursor desse gênero em Hollywood. Além dos dramas históricos, Arliss emprestou seu talento para outros tipos de filmes, mostrando sempre a sua dicção perfeita, senso de humor e perfeccionismo.

Arliss nasceu em 10 de abril de 1868 no distrito de Bloomsbury em Londres.  Em 1887, assumiu seu primeiro compromisso como ator no Elephant and Castle Theater e depois teve a chance de interpretar papéis de destaque, excursionando pelas províncias das Ilhas Britânicas em pequenas trupes. Posteriormente, Arliss ingressou na companhia de repertório do Theatre Royal, situado na cidade balneária de Margate.  O teatro funcionava em associação com a Miss Thorne’s Academy of Acting e a escola precisava dos serviços de um ator para interpreter as “velhas comédias”, das quais Arliss não tinha a menor experiência. Porém um amigo mútuo de Arliss e Miss Thorne garantiu à mestra da escola que Arliss era “o homem certo”, e ele foi contratado. Uma das alunas da Miss Thorne’s Academy era uma jovem chamada Florence Montgomery, com quem Arliss se casou em 16 de setembro de 1899 na igreja Anglicana em Harrow Weald. Pouco depois do matrimônio, o casal passou a integrar a companhia de Mrs. Patrick Campbell, que atuava no West End em Londres, e eventualmente os levou para Nova York em 1901.  Nesta cidade, Arliss depois trabalhou com os empresários David Belasco e Charles Dillingham e com a companhia de Mrs. Minnie Maddern Fisk.

Edmund Lowe e George Arliss em Satanás

O primeiro filme de Arliss,  Satanás /  The Devil, foi uma adaptação, feita por Edmund Goulding, de uma peça de Ferenc Molnar, na qual ele havia atuado na Broadway em 1909, dirigida por James Young, produzida pela The Associated Exhibitors, Inc., e distribuída pela Pathé, a partir de janeiro de 1921.  No mesmo ano, ele repetiu outro sucesso da Broadway na versão silenciosa de Disraeli, acompanhado por sua esposa, creditada como Mrs. George Arliss, no papel de Lady Beaconsfield. Seguiram-se mais quatro filmes mudos (The Ruling Passion / 1922, The Man Who Played God / 1922, A Deusa das Delícias / The Green Goddess / 1923, e $20 a Week / 1924, antes de seu grande êxito na versão sonora de Disraeli / Disraeli em 1929, arrebatando o Prêmio da Academia como Melhor Ator.  Com este filme, ele iniciou um ciclo de dramas ou biografias históricas – Alexander Hamilton / Alexander Hamilton / 1931, Voltaire / Voltaire / 1933, A Casa de Rotschild /The House of Rotschild / 1934, O Duque de Ferro / The Iron Duke / 1934, Cardeal Richelieu / Cardinal Richelieu / 1935 – que se sucederam na sua carreira intermitentemente entre outras produções (A Deusa Verde / The Green Goddess / 1930, Old English / 1930, O Milionário / The Millionaire / 1931, O Homem Deus / The Man Who Played God / 1932, Manias de Gente Rica / A Successful Calamity / 1932, Amor na Côrte / The King’s Vacation / 1933, Negócios em Família / The Working Man / 1933, O Último Gentilhomem / The Last Gentleman / 1934, O Vagabundo Milionário / The Guv’nor / 1935, Oriente contra Ocidente /  East Meets West / 1936, Sua Excia., o Ministro / His Lordship / 1937 e Doctor Syn / 1937). O Duque de Ferro e os quatro últimos foram produzidos na Inglaterra, pela Gaumont British.  Os demais, pela Warner Bros. (dez filmes entre 1929 e 1933) e Twentieth Centuury (três filmes entre 1934 e 1935), todos com o apoio entusiasta de um jovem produtor, Darryl F. Zanuck.

George Arliss em A Deusa Verde

George Arliss em Amor na Côrte

Bette Davis e George Arliss em O Homem Deu

Contribuindo na redação dos roteiros, podendo aprovar ou não o elenco, insistindo em duas semanas de ensaio “ao vivo” antes da filmagem de qualquer cena na presença do diretor, fotógrafo, cenógrafo, montador e outros membros de sua unidade de produção – com os quais discutia a sua visão do espetáculo embora nada disso estivesse previsto no seu contrato -, Arliss sempre foi a força criativa atrás de seus filmes, espécie rara de ator como autor.  Sua interpretação teatral pode parecer datada, mas a personalidade marcante do ator continua fascinando o público. Arliss escreveu duas autobiografias, Up the Years from Bloomsbury (1927) e Ten Years at the Studios (1940).  Sua esposa Florence, trabalhou com ele em vários filmes. Arliss retirou-se das telas em 1937, quando ela começou a perder a visão. O filho deles era Leslie Arliss, realizador entre outros de dois clássicos dos melodramas da Gainsborough, O Homem de Cinzento / The Man in Grey / 1943 e Malvada / The Wicked Lady / 1945.

Neste artigo vou relembrar apenas as biografias históricas de George Arliss, que pude assistir recentemente em três dias seguidos. Porque quando a gente fica conhecendo esse artista inimitável, dá vontade de ver todos os seus filmes.

DISRAELI / DISRAELI / 1929. Dir: Alfred E. Green.

Joan Bennett e George Arliss em Disraeli

Em 1874, a ambiciosa política exterior de Benjamin Disraeli, Primeiro Ministro da Grã Bretanha (George Arliss), visando criar um Império Britânico, é rejeitada pela House of Commons, após um discurso de seu maior rival, William Gladstone. Mais tarde, Disraeli recebe a boa notícia de que o Quediva do Egito está precisando de dinheiro e disposto a vender suas ações do Canal de Suez. A compra do Canal iria assegurar à Grã Bretanha o controle da India, mas Lord Michael Probert (David Torrence), presidente do Banco da Inglaterra, deixa claro para o Primeiro Ministro que ele se opõe veementemente a tal plano. Disraeli então convoca Sir Hugh Myers (Ivan F. Simpson), jovem banqueiro judeu e ainda encontra tempo para servir de casamenteiro para dois jovens, Lady Clarissa Pevensey (Joan Bennett) e Lord Charles Deeford (Anthony Bushell), que ele admite como seu secretário. Enquanto isso, a Russia, ansiosa para se apoderar da India para si mesma, designa dois espiões, Mrs. Travers (Doris Lloyd) e Mr. Foljambe (Norman Lannon), para vigiar Disraeli. Este usa suas habilidades para enfrentar os russos e resolver o problema do dinheiro. Ele desmascara os espiões e obriga Probert a dar um crédito ilimitado para Myers – que, vítima de uma sabotagem por parte dos russos, tivera que pedir falência -, sob pena da carta-patente do Banco da Inglaterra ser revogada pelo Parlamento. Depois que Probert sai da casa de Disraeli, este confessa para sua esposa, Mary Anne, Lady Beaconsfied (Florence Arliss) e Clarissa – que estava blefando.

George Arliss em Disraeli

Cena de Disraeli

A peça “Disraeli”, escrita por Louis N. Parker, foi adaptada para a tela por Julian Josephson, sob a supervisão de Maude T. Howell, diretora de cena de Arliss desde 1920. Uma das responsabilidades de Howell era monitorar a filmagem das cenas nas quais Arliss não aparecia, particularmente com relação à caracterizacão. Ela eventualmente recebeu crédito como roteirista e/ou diretor associado em outros filmes de Arliss. Disraeli é um espetáculo estático revelando a sua origem teatral e a dificuldade de movimentação da câmera nos primeiros tempos do cinema sonoro; mas, como todos os filmes de Arliss, foi construído com inteligência e um bom encadeamento das cenas. Seus autores reduziram um fragmento complexo da História em uma simples história de espionagem e cometeram um erro fatual: não foi Hugh Meyer quem financiou o esquema do canal de Suez como descrito no filme, mas sim a família Rotschild. Apesar dessas falhas, George Arliss, com sua voz bem treinada no palco e gestos expansivos, brilhou no papel principal (que ele havia interpretado no palco e na versão muda de 1921), e arrebatou o Oscar de Melhor Ator da Academia.Disraeli agradou a todos os tipos de público e a Warner percebeu que havia adquirido um novo astro popular na pessoa de um inglês de 61 anos de idade, embora a publicidade do estúdio o descrevesse como “o distinto ator americano”.

ALEXANDER HAMILTON /ALEXANDER HAMILTON / 1931. Dir: John G. Adolfi.

George Arliss  como Alexander Hamilton

O enredo se concentra em dois acontecimentos aparentemente não relacionados entre si: os esforços do Secretário do Tesouro dos Estados Unidos (George Arliss) para aprovar seu projeto de lei, que estabeleceria um sistema bancário federal para assumir as dívidas dos Estados, especialmente as pensões que não haviam sido pagas aos veteranos das guerras revolucionárias e a tentativa de seus oponentes políticos – Thomas Jefferson (Montagu Love), Dudley Digges (James Roberts), James Monroe (Morgan Wallace) – de desacreditá-lo, difundindo um caso de adultério, no qual ele se envolvera. O episódio, historicamente conhecido como “O Caso Reynolds”, relacionava Hamilton com uma Mrs. Reynolds (June Collyer), cujo marido, James Reynolds (Ralf Harolde) subsequentemente o chantageara e usara o dinheiro para comprar as pensões dos velhos soldados por preço vil, prevendo que lucraria muito, quando elas fossem resgatadas pelo governo. Os dois elementos da trama convergem quando Hamilton é acusado de usar Reynolds como seu agente, na compra dos títulos, para enriquecer a si próprio enquanto garantia a aprovação de seu projeto de lei. A única maneira de provar sua inocência, seria revelar publicamente que o dinheiro que ele dera a Reynolds fora apenas para encobrir seu adultério com Mrs. Reynolds, uma declaração que poderia destruir seu casamento com sua fiel esposa Betsy (Doris Kenyon).

June Collyer e George Arliss em Alexander Hamilton

A peça de George Arliss e Mary Hamlin foi adaptada por Julian Josephson e Maude Howell, expandindo-se o título original de “Hamilton” para “Alexander Hamilton”. Algumas liberdades foram tomadas com o fato histórico, porém a maior delas foi com relação à discrepância entre a idade do verdadeiro Hamilton e a do astro. Arliss tinha cinquenta anos de idade quando interpretou o Hamilton com cinquenta e cinco anos no palco. Em 1931, Arliss tinha sessenta e três anos. Entretanto, o seu físico esguio, uma peruca escura, e uma iluminação cuidadosa, disfarçaram a idade real do ator.Alexander Hamilton é um pouco menos estático do que Disraeli e começa com o “Farewell Adress” de George Washington aos seus soldados, dito magnificamente por Alan Mowbray. Washington não era um personagem na peça, mas é tratado quase que reverencialmente no filme, aparecendo na primeira e na última cena do espetáculo, quando Hamilton recebe a visita do presidente, que lhe diz que sua lei foi aprovada e renova a sua confiança nele.Pela primeira vez, a música de fundo foi usada dramaticamente em um filme de Arliss em duas cenas: quando Hamilton se despede de Betsy que está viajando para a Inglaterra, a fim de cuidar de sua irmã doente, ouve-se a melodia “Drink to Me Only with Thine Eyes”. Hamilton dá a Betsy uma flor de lembrança, um lance sentimental tomado emprestado de Disraeli. Mais tarde, o mesmo tema é usado eficazmente na cena climática em que Betsy esta arrumando as malas para partir, depois de saber do caso Reynolds. Hamilton traz de novo uma flor para Betsy e, sem ser visto, deixa-a para ela. Quando Betsy a descobre, se emociona, e decide ficar ao lado do marido.Alexander Hamilton não provocou o mesmo impacto que Disraeli e seu desempenho nas bilheterias foi modesto, mas Arliss, como sempre, teve uma interpretação magnética.

VOLTAIRE / VOLTAIRE / 1933.Dir: John G. Adolfi.

George Arliss como Voltaire

Na França pré-revolucionária, Voltaire (George Arliss, através de seus panfletos anônimos, tenta advertir o Rei Luis XV (Reginald Owen) sobre a crescente inquietacão entre seus súditos. O escritor e filósofo iluminista tem uma poderosa aliada na amante de Luis XV, Madame Pompadour (Doris Kenyon), porém o Conde de Sarnac (Alan Mowbray) é seu inimigo. Quando Voltaire pede ao rei pela vida de Jean Calas, um prisioneiro político, Sarnac convence o monarca de que isto seria um sinal de fraqueza e o acusado é executado. Incapaz de impedir a execução de Calas, Voltaire protege a filha dele Nanette (Margaret Lindsay), abrigando-a em sua casa. Enquanto isso, Sarnac tenta persuadir o rei de que Voltaire é um traidor, citando sua conhecida amizade com Frederico o Grande e insinuando que é ele que está revelando os segredos militares francêses para o soberano da Prússia. Louis XV não está inteiramente convencido, mas expulsa Voltaire de sua corte em Versailles. Madame Pompadour intercede em favor de Voltaire para que o rei permita que ele encene uma nova peça em Versailles. A peça é uma descrição ligeiramente disfarçada da execução de Calas transposta para um cenário exótico, em uma tentativa de obter o perdão póstumo do executado e a restauração de suas terras em nome de Nanette. O rei está gostando da representação, não se reconhecendo como opressor, mas Sarnac o faz ver que está sendo atacado e Louis XV ordena que Voltaire seja conduzido para a Bastilha. Entretanto, ao saber de um rico presente que foi dado a Sarnac por Frederico, Voltaire desmascara o conde como o verdadeiro traidor. Sarnac é preso, e Nanette empossada nas suas terras.

George Arliss e Doris Kenyon em Voltaire

Em 1933, a Warner estava procurando uma história para um novo filme de Arliss e este sugeriu a Darryl Zanuck a peça de E. Lawrence Dudley e George Gibbs, que ele havia representado no teatro. Zanuck ficou interessado na idéia, porém a realidade financeira do país, obrigou o estúdio a adotar algumas medidas de economia, e um filme de época precisava da aprovação dos irmãos Warner. Para surpresa de Arliss, e considerando o lucro medíocre de Alexandre Hamilton, eles concordaram, sendo designado Paul Greene para escrever o roteiro, que seria revisado por Maude T. Howell. Mal Greene acabara de terminar seu trabalho, os Warner voltaram atrás, e decidiram arquivar o projeto, quando consideraram a necessidade de recriar a faustosa corte de Luis XV. Depois, o estúdio verificou que a decoração de interiores do século dezoito criadas para o filme de 1927 de John Barrymore, Quando o Homem Ama / When a Man Loves, poderia ser reutilizada para Voltaire, proporcionando-lhe uma opulência pictórica por um preço razoável, e a produção foi avante. Tanto a Warner quanto Arliss temiam que um filme girando em torno de um homem que somente escrevia durante todo o tempo, seria anti-cinematográfico e muito intelectual para o gosto popular. Entretanto, o fato de que Voltaire “não faz nada” em termos dramáticos foi artisticamente dissimulado e Arliss conseguiu dar vida a essa figura ímpar que domino, com sua defesa intransigente contra a superstição e a injustiça, todo o século XVIII.  O velho irascível, propenso a acessos de cólera quando não consegue achar a peruca certa para usar, realiza algumas de suas proezas mais notáveis vestido com seu roupão. Ele não tem medo de incorrer na fúria do rei – ”O rei desafia meu poder”, diz ele a certa altura da trama -, mas é intimidado pelo seu médico.Os chefões da Warner devem ter ficado satisfeitos quando resolveram fazer o filme, porque ele obteve um resultado financeiro apreciável. Ironicamente, quando os irmãos Warner verificaram o lucro vultoso do espetáculo, eles haviam deixado Arliss escorregar pelos seus dedos. Voltaire foi o último filme de Arllis para o estúdio, encerrando uma relação harmoniosa de cinco anos.

A CASA DE ROTHSCHILD / THE HOUSE OF ROTHSCHILD / 1934. Dir: Alfred Werker (substituido brevemente por Sidney Landfield).

Arliss, Loretta Yong e Robert Yong em uma cena de A Casa de Rothschild

Em Frankfurt, que, em 1780, fazia parte da Prussia, os judeus eram proibidos de aprender uma profissão, cultivar terras, e sair da “Rua dos Judeus” após o pôr do Sol. Quando o coletor de impostos chega na casa do cambista Mayer Rothschild (George Arliss) e exige uma taxa mais alta do que a devida, seu filho, Nathan, ajuda o pai a subornar o coletor. Pouco depois, Mayer fica sabendo que o homem que teria que lhe trazer dez mil gulden de Hamburgo, foi emboscado e roubado por agentes do tesouro, Então ele se enfurece com a situação dos judeus, e sofre um colapso. No seu leito de morte, Mayer aconselha seus cinco filhos a, cada um, abrir uma casa bancária em países diferentes e permanecerem unidos. Eles os adverte de que devem se lembrar do gueto e lhes diz que nada lhes trará felicidade, até que seu povo tenha igualdade, respeito e dignidade. Trinta anos mais tarde, depois que Napoleão assolou a Europa, Nathan (George Arliss), em Londres, recebe uma petição trazida pelo Capitão Fitzroy (Robert Young), enviado do Duque de Wellington (C. Aubrey Smith), pedindo-lhe que permita a seus irmãos (Paul Harvey, Ivan F. Simpson, Noel Madison, Murray Kinney) em Viena, Nápoles, Paris e Frankfurt, emprestarem dinheiro para impedir o avanço de Napoleão. Depois que este é derrotado, Fitzroy e a filha de Nathan, Julie (Loretta Young), planejam contrair matrimônio e, embora Nathan prefira que ela se case com um judeu, ele dá seu consentimento, porque acredita que o mundo está mudando. Em gratidão, Wellington fornece a Nathan uma informação secreta relativa a um empréstimo necessitado pela França para se recuperar da guerra. Sabendo que o empréstimo tornará o Rothschild o banco mais poderoso da Europa, Nathan fica perturbado quando um Conselho Aliado, liderado por um anti-semita virulento, Conde Ledrantz (Boris Karloff), recusa sua oferta, que era a melhor de todas, e favorece um de seus rivais, com os quais pretende oferecer títulos do governo ao público, para pagar o empréstimo. Furioso, Nathan compra títulos do governo previamente e ameaça oferecê-los ao público a um custo baixo, forçando os membros do conselho a vender seus titulos para ele. Em represália, Ledrantz incita tumultos anti-semitas por toda a Prússia e, ao saber que Nathan está em Frankfurt, impede sua saída da cidade. Quando Napoleão foge da Ilha de Elba, Ledrantz é forçado a procurar Nathan em sua casa no gueto para persuadí- lo a não emprestar dinheiro para o imperador e concorda em aceitar os termos de Nathan exigindo liberdade, respeito e dignidade aos judeus. Em 22 de março de 1815, Napoleão chega a Paris, Luis XVIII foge, e a Europa é mobilizada. Em junho, após algumas vitórias de Napoleão, a Bolsa de Londres entra em pânico, e circulam rumores de que possa fechar. Para impedir seu fechamento, enquanto todos estão vendendo ações, Nathan continua a comprar, apesar dos boatos da derrota de Wellington, até que a guerra termina com a vitória de Wellington em Waterloo. Julie e Fitzroy se casam e Nathan é feito barão pelo Rei da Inglaterra.

Boris Karloff e George Arliss em A Casa de Rotschild

A Casa de Rothschild revitalizou a carreira cinematográfica de Arliss, levando-o para a capa da revista Time (de 26 de março de 1934), firmou a nova companhia de Darryl Zanuck (Twentieth Century Pictures), como um estúdio importante na indústria de cinema americana, e foi indicado para o Oscar de Melhor Filme.Primeiramente, Arllss ficou impressionado com a peça “Rothschild”, escrita em 1931 pelo jornalista George Hembert Westley, e propôs a Warner que a comprasse. O estúdio concordou, mas o projeto não foi adiante por motivos financeiros; entretanto, Zanuck se interessou pela idéia e comprou da Warner os direitos de filmagem da peça. Embora Nunnally Johnson apareça nos créditos como roteirista, um esboço anterior do script foi escrito anônimamente por Sam Mintz e Maude T. Howell (creditada como diretor associado), e foi para esta versão que Arliss contribuiu com algumas anotações e recomendações adicionais para a narrativa. Ele sugeriu que se acrescentasse um prólogo à história, no qual a família Rotschild é submetida ao preconceito e leis injustas no gueto judeu de Frankfurt.Paverell Marley, captou com esmêro os interiores da época da Regência assim como o clima opressivo do gueto e Alfred Newman, combinou cantigas ídiches com melodias patrióticas exictantes, tais como “God Save the King, para expressar o relacionamento inquietante entre judeus e gentios. Arliss conseguiu combinar seu senso de humor característico com o tema trágico do anti-semitismo. Quando um cocheiro se queixa de que a filha de Nathan lhe dá maiores gorjetas do que as que ele recebe de Nathan, Arliss responde: “Julie tem um pai rico; eu não”. Em outra fala de diálogo, Arliss comenta, quando uma pedra é arremessada através da janela da casa da família em Frankfurt: “Evidentemente algum gentio se extraviou no nosso bairro”. Não satisfeito com a produção já luxuosa, Zanuck mandou que a cena final, no St. James Palace, quando Nathan é feito barão, fosse fotografada no processo recentemente aperfeiçoado Technicolor de três cores. Embora a cena fosse fictícia – somente um outro Rotschild viria a receber tal honraria – a cena colorida produziu os efeitos esperados.

O DUQUE DE FERRO / THE IRON DUKE / 1934.Dir: Victor Saville.

George Arliss em O Duque de Ferro

Com Napoleão, derrotado e exilado, o relutante Arthur Wellesley, Duque de Wellington (George Arliss) é persuadido por Lord Castelreagh (Gerald Lawrence) a representar os interesses da Grã-Bretanha no Congresso de Viena, onde os aliados vitoriosos irão decidir o futuro da Europa. Enquanto ele está lá, durante um baile, sua amiga, a Duquesa de Richmond (Norma Varden) o apresenta a uma admiradora ardente, a linda Lady Frances Webster (Lesley Wareing). No decorrer da noite, Wellington recebe uma mensagem urgente: Napoleão escapou da ilha de Elba e chegou na França. O Rei Luis XVIII (Allan Aynesworth) e sua sobrinha e conselheira Madame, Duquesa de Angoulême (Gladys Cooper), ficam alarmados. Ney (Edmund Willard), ex-marechal de Napoleão, se oferece para reunir uma tropa e capturar seu antigo líder. Porém depois, muda de lado. Napoleão acaba sendo derrotado pelo Duque de Wellington na Batalha de Waterloo. Os aliados ocupam a França e se reunem em Paris para dividir o espólio de guerra. Castelreagh incumbe Wellington de tentar impedir que os outros imponham penas muito severas a França, a fim de assegurar uma paz duradoura. A tarefa de Wellington é dificultada pela oposição da Duquesa de Angoulême, que está certa de que ele mesmo quer governar a França. Wellington adverte Luis XVIII de que o desejo da duquesa de mandar executar por traição o ainda popular Marechal Ney corre o risco de uma nova revolução. Para desacreditar Wellington, a duquesa faz com que ele seja chamado a Londres para responder a uma história publicada pela imprensa segundo a qual ele estaria vivendo um romance adulterino com Lady Frances. Wellington logo desmente a alegação, porém na sua ausência, Ney é condenado e morto por um pelotão de fuzilamento. De volta a França, Wellington obriga o rei a se descartar de seus conselheiros, inclusive a duquesa. De retorno a Londres, ele tem que defender sua decisão de não aceitar ressarcimentos para seu país.

Em um intervalo da filmagem de O Duque de Ferro, Victor Saville explica alguma coisa para Arliss

O Duque de Ferro marcou a estréia de Arliss no cinema britânico. Foi o primeiro filme falado que ele fez sem Darryl Zanuck e sua colaboradora habitual Maude T. Howell. Funcionando como diretor associado, Maude ficou em Hollywood preparando o próximo filme de Arliss na Twentieth Century. O roteiro foi escrito por H. M. Harwood, baseando-se em vários epísódios da vida de Arthur Wellesley enquanto a roteirista americana, Bess Meredith, o assistia na adaptação do script – porém somente Harwood foi creditado. No elenco estavam ainda Farren Soutar (Metternich), ator que raramente aparecia na tela mas era bem conhecido nos palcos londrinos, amigo de infância e padrinho de casamento de Arliss e o jovem talentoso, Emlyn Williams (Bates, o repórter sensacionalista), que depois ganharia fama. A Batalha de Waterloo, que era apenas sugerida em A Casa de Rotschild, recebeu um tratamento mais extenso em O Duque de Ferro, porém a sequência é uma miscelânea de cenas de batalha extraídas de um outro filme, mal encadeadas, e com tomadas de Arliss a cavalo, obviamente filmadas em um set de interiores do estúdio. Este era exatamente o tipo de deficiência técnica que fez Arliss recusar convites para fazer filmes nos estúdios britânicos. Entretanto, as cenas seguintes, quando Wellington chega ao refeitório dos oficiais e vê muitas cadeiras vazias é memoravelmente pungente.Temendo o pior, ele espera que seus comandados estejam meramente atrasados. Seu ajudante chega com uma lista de baixas e enquanto ele lê os nomes dos soldados mortos em combate, Arliss expressa convicentemente a tristeza e a angústia de perder cada colega e amigo.

 CARDEAL RICHELIEU / CARDINAL RICHELIEU / 1935. Dir: Rowland V. Lee.

George Arliss como Richelieu

Em 1630, um grupo representando os senhores feudais pede ajuda ao Papa na sua luta contra o Cardeal Armand Jean du Plessis, Duque de Richelieu (George Arliss), que havia preparado um édito para desapossá-los de suas terras, com a intenção de “federalizar” a França, transformando-a de um país de pequenos feudos em um governo unificado, controlado pelo rei Luis XIII (Edward Arnold). Ressentidos com a perda de seus reinos e poder, os nobres partem para a conspiração, celebrando um acordo secreto com a Espanha e a Inglaterra, para derrubar Luis e colocar seu irmão, Gaston (Francis Lister), no trono, como um monarca títere. O complô, liderado pelo Conde Baradas (Douglas Drumbrille), envolve também a própria esposa de Luís, Rainha Ana d’Austria (Katharine Alexander) e por sua mãe, Maria de Médicis (Violet Kemble Cooper). Richelieu enfrenta todos os obstáculos e intrigas, que envolvem ainda um casal de amantes, Lenore (Maureen O’Sullivan), a jovem sob sua guarda e Andre de Pons (Cesar Romero), um huguenote a serviço dos conspiradores, mas que depois passa para o lado do Cardeal.

Em dezembro de 1934, Arliss estava de volta aos estúdios da Twentieth Century em Hollywood, para a filmagem de Cardeal Richelieu. Ele antecipou para a imprensa que o roteiro de Nunnally Johson seria uma adaptação da famosa peça de Edward Bulwer-Lytton, “Richelieu or the Conspiracy”, escrita em 1839. Entretanto, Johnson resolveu criar um script original, devendo quase nada à obra de Bulwer-Lytton. Quando Arrliss persuadiu Darryl Zanuck de que o roteiro deveria ser rescrito para incluir algumas das cenas mais destacadas da peça, Johnson abandonou o projeto. Ele foi substituido por Cameron Rogers, Maude T. Howell e W.P. Lipscomb, creditados respectivamente como adaptador, roteirista e dialoguista.Zanuck produziu Cardeal Richelieu com muito luxo com a intenção clara de igualar A Casa de Rotschild em termos de valores de prdoução. Embora não tivesse sido usado o Technicolor na cena final, os cenários de Richard Day e Julia Heron e os figurines de Omar Kiam deram ao filme uma opulência visual, lindamente fotografada por J. Paverell Marley.O toque de Arliss, continua presente. Por exemplo, na cena em que Richelieu fica sabendo que seu comandante militar foi proibido por Luís XIII de conduzir o exército para fora de Paris, a fim de repelir as forças inimigas. Decidindo liderar o exército ele mesmo, Richelieu ergue uma espada e proclama: ”A Igreja tornou-se uma Igreja Militante” mas, antes de sair, lembra-se de alimentar seu gato, derramando um pouco de leite para o felino. Cardeal Richelieu foi o derradeiro filme de George Arliss em Hollywood e também o último no qual ele interpretou uma figura histórica.

Filed under: Posts
by AC
2 Comments »

Neste artigo, apresento , em ordem alfabética,  biografias resumidas das principais cantoras de ópera que trabalharam no cinema sonoro americano no período clássico:

Mary Ellis

MARY ELLIS (1897-2003). Nome verdadeiro: May Belle Elsas. Local de nascimento: Nova York, N.Y., EUA. Iniciou sua carreira de soprano em 1918 no Metropolitan Opera House, interpretando a noviça Genovieffa em Suor Angelica de Giacomo Puccini e no mesmo espetáculo, composto por três óperas de um ato, assumiu o papel de Lauretta em Gianni Schicchi, também de autoria de Puccini. No decorrer de sua carreira, Mary cantou com grandes artistas do canto lírico como Feodor Chaliapin e Enrico Caruso. Na ópera Boris Godunov de Modest Mussorgsky, ela cantava como Fyodor, o filho de Boris Godunov (Feodor Chaliapin) e em L’elisir d‘amore de Gaetano Donizetti, era Giannetta, uma das raparigas que corriam atrás do inocente Nemorino (Enrico Caruso), herdeiro de uma fortuna. Em 1921, ela resolveu se tornar atriz, mas foi atraída de volta para o palco musical em 1924, quando Rudolf Friml compôs a opereta Rose Marie para ela. Em 1930, Mary foi para Londres na companhia de seu terceiro marido, o ator inglês Basil Sydney, com o qual havia se casado em 1929. Em 1934, ela fez seu primeiro filme britânico, Bella Donna, dirigido por Robert Milton com Conrad Veidt e Cedric Hardwicke, cuja história girava em torno de um arqueólogo cuja esposa tentava envenenar seu marido pelo amor de um egípcio. Mary não cantava no filme.

Mary Ellis e Conrad Veidt em Bella donna

No ano seguinte, ela foi convidada pela Paramount para ir a Hollywood, a fim de aparecer, ao lado de Carl Brisson, em uma opereta de capa-e-espada, Os Cavaleiros do Rei / All the King’s Horses /1935 e A Dama Fatídica / Fatal Lady / 1936, no qual fazia o papel de uma diva (ao lado de Walter Pidgeon), acusada de assassinato. Nessa época, era comum a atriz cantar em cima do playback durante a filmagem – Maria surpreendeu o diretor, insistindo em fazer tudo ao vivo. Ela continuou sua carreira cinematográfica na América fazendo Primavera em Paris / Paris in Spring / 1936 (com Tullio Carminati) dirigido por Lewis Milestone e Glamorous Night / 1937 (com Barry McKay) dirigido pelo irlandês Brian Desmond Hurst. Nos palcos londrinos, atuou cantando como a heroína de três operetas de Ivor Novello: Glamorous Night (que chegou à tela com Barry McKay no lugar de Novello), The Dancing Years e Arc de Triomphe.

Mary Ellis e Ivor Novello em Glamorous Nights

Durante a maior parte da Segunda Guerra Mundial, Mary abandonou o teatro, visitando feridos em hospitais e dando concertos para os membros das forças armadas. Retornando a ribalta após o fim do conflito mundial, ela participou de peças como Point Venture de Noel Coward, The Browning Version de Terence Rattigan, Coriolanus de Shakespeare etc. Em 1952, integrou o elenco do musical de Noel Coward, After the Ball, porém sua voz tinha se deteriorado drasticamente e boa parte das músicas que cantava foi extirpada da encenação. No cinema, ela fez pontas em Amor e Pecado / The Astonished Heart / 1949 e The Magic Box / 1951 e apareceu no papel da Rainha Brobadingnag em As Viagens de Guliver / The 3 Worlds of Gulliver / 1960. Mary Ellis faleceu aos 105 anos de idade, deixando um livro de memórias, “Those Dancing Years” e uma autobiografia, “Moments of Truth”.

Alice Gentle

ALICE GENTLE (1885-1958). Local de nascimento: Chatsworth, Illinois, EUA. Iniciou sua trajetória artística em 1908 como membro do côro da Manhattan Opera Company (MOC) de Oscar Hammerstein I (avô do letrista Oscar Hammerstein II). Impressionado com o talento da jovem meio-soprano, Hammerstein começou a incluí-la em papéis secundários nas produções da MOC (v.g. Mercédès na ópera Carmen de Georges Bizet) e depois na sua Philadelphia Opera Company (v.g. Emilia em Otello de Giuseppe Verdi). Em 1918, Alice cantou uma temporada no Metropolitan Opera House, como Preziosilla em La forza del destino de Giuseppe Verdi e, em 1923, percorreu os Estados Unidos como Carmen com a San Carlo Opera Company.

Alice Gentle ao fundo entre Noah Beery, Alexander Gray e Bernice Claire em A Flama

No começo dos anos trinta, Alice apareceu em três filmes: como Natasha em A Flama / The Song of the Flame / 1930 (Dir: Alan Crosland com Alexander Gray, Bernice Claire, Noah Beery); como Mooda em Deusa Africana / Golden Dawn / 1930 (Dir: Ray Enright com Walter Woolf King, Vivienne Segal, Noah Beery), ambos rodados no sistema Technicolor bicolor; e em uma breve aparição como cantora no filme Voando para o Rio / Flying Down to Rio / 1933 (Dir: Thorton Freeland com Dolores del Rio, Gene Raymond, Raul Roulien, Fred Astaire, Ginger Rogers).

Miliza Korjus

MILIZA KORJUS (1909-1980). Nome verdadeiro: Miliza Elizabeth Korjus. Local de nascimento: Varsóvia, Polonia (então parte do Império Russo). Seu pai, um estoniano de descendência sueca, era Artur Korjus, tenente coronel do Exército Imperial Russo e mais tarde Chefe do Estado-Maior do Ministro da Guerra da Estonia e sua mãe, Anna Gintowt, descendente da nobreza Lituano-Polonesa. Seus pais se separaram durante a Revolução Russa de 1917 e, em 1918, Miliza mudou-se de Moscou para Kiev com sua mãe e irmãs, onde iniciou seu aprendizado musical. Ainda adolescente, ela integrou o Côro Dumka em Kiev e percorreu com ele a União Soviética. Em 1927, durante uma temporada em Leningrado, Miliza atravessou a fronteira e se juntou ao pai, que havia se instalado ali, depois que a Estonia ficou independente da Russia. Ela estudou com a eminente professora Barbara Malama e começou a percorrer os Estados Bálticos e a Escandinávia. Na Estonia, Miliza casou-se em 1929 com o Dr. Kuno Foelsch, um físico, mudando-se com ele para a Alemanha, onde ganhou o apelido de “O Rouxinol de Berlim”. Em 1933, foi contratada pela Ópera Estatal de Berlim (Staatsoper unter den Linden), alcançando seu maior sucesso como A Rainha da Noite em A Flauta Mágica (Die Zauber flüte) de Wolfgang Amadeus Mozart. Entre 1934 e 1936, Miliza fez 42 gravações para a Eletrola na Alemanha. Segundo algumas fontes, Irving Thalberg ouviu esses discos e, “sem conhecê-la pessoalmente”, contratou–a para a MGM.

Miliza Korjus em A Grande Valsa

Em A Grande Valsa / The Great Waltz / 1938, dirigido por Julien Duvivier, Miliza faz o papel de Carla Donner, uma prima donna que se apaixona por Johann Strauss II (Fernand Gravey, anunciado nos Estados Unidos como Gravet e dublado pelo violinista russo Toscha Seidel); ele corresponde ao seu amor, mas acaba se casando com Poldi (Luise Rainer), sua namorada desde a infância. Miliza foi indicada para o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante e encantou o público particularmente na cena em que canta “Tales from the Vienna Woods”. Embora Duvivier tivesse sido creditado como diretor, consta que ele foi repreendido pela MGM, por estar fazendo um filme mais sobre Mrs. Strauss do que sobre Johann. Victor Fleming substituiu-o no final da filmagem e Josef von Sternberg concebeu e dirigiu a sequência final do espetáculo. Em 1940, um segundo filme com Miliza, Guns and Fiddles, baseado na história de Sandor Rozsa (uma espécie de Robin Hood húngaro) começou a ser produzido na MGM; porém, algumas semanas antes de começar a filmagem, ela sofreu um acidente de automóvel sério e quase teve a perna amputada. Um ano depois, já suficientemente recuperada, Miliza empreendeu uma excursão de concertos pela America Latina e, em 1942, fez um filme no Mexico, Caballeria del Imperio, dirigido por Miguel Contreras Torres.

Miliza Korjus em Caballeria del Imperio

A trama mostrava Miliza como Vera Dona uma cantora de ópera ligada sentimentalmente a Johann Strauss II, que viaja para o México no tempo do Império de Maximiliano, onde transcorre uma intriga envolvendo uma baronesa fisicamente parecida com a Imperatriz Carlota (Medea de Novara), o general austríaco Von Schultz (René Cardona), e o chefe juarista Ramón Alvarado (Julien Soler). Mas quem cantava mais no filme era o tenor mexicano Pedro Vargas. Em 1944, Miliza retornou aos Estados Unidos, para se apresentar no Carnegie Hall com a New York Philharmonic Symphony Orchestra, cumpriu mais alguns compromissos através da América durante o final dos anos quarenta e, eventualmente, fixou residência em Los Angeles. Em 1952, casou-se novamente, desta vez com o Dr. Walter Shector, um médico – e se afastou do palco, preferindo gravar discos.

Jeanette MacDonald

JEANETTE MACDONALD (1903-1965). Nome verdadeiro: Jeanette Anna MacDonald. Local de nascimento: Filadélfia, Pennsylvania, EUA. Desde criança começou a estudar canto e dança. Aos nove anos de idade, participou de shows infantís, encabeçando o grupo “Six Little Song Birds”, formado pelo seu professor de dança, Al White. Em novembro de 1919, reuniu-se com sua irmã mais velha, a atriz Blossom Rock em Nova York, onde arrumou um emprego no côro de The Demi-Tasse Revue, um entretenimento musical apresentado no intervalo entre dois filmes no Capitol Theatre na Broadway. Nos anos vinte, trabalhou em vários musicais como coadjuvante, depois como atriz principal, e finalmente chegou ao cinema em 1929, quando o diretor Ernst Lubitsch, examinando um teste que Jeanette havia feito na Paramount (para um possível filme com Richard Dix Nothing but the Truth, afinal realizado com Wynne Gibson e Helen Kane), escolheu-a para estrelar, ao lado de Maurice Chevalier, seu primeiro filme sonoro, Alvorada de Amor / The Love Parade / 1929.

Jeanette MacDonald e Maurice Chevalier em Alvorada do Amor

Jeanette MacDonald e Jack Buchanan em Monte Carlo

Os primeiros discos gravados por Jeanette foram dois sucessos da trilha musical: “Dream Lover” e “March of the Greandiers”. Seus próximos filmes na Paramount foram: O Rei Vagabundo / The Vagabond King / 1930, versão em Technicolor de duas cores da opereta de Rudolf Friml com Dennis King no papel de François Villon e MacDonald como a Princesa Katherine (e Lillian Roth como Huguette, a garota das ruas que dá sua vida para salvar a do poeta); Naufrágio Amoroso / Let’s Go Native / 1930 (James Hall, Jack Oakie, Kay Francis), comédia dirigida por Leo McCarey; Monte Carlo / Monte Carlo / 1930, dirigida novamente por Lubitsch, contracenando com o astro do musical inglês, Jack Buchanan, e introduzindo a canção “Beyond the Blue Horizon”, que ela gravou três vezes durante a sua carreira; uma prevista aparição em Paramount em Grande Gala / Paramount on Parade / 1930, musical-revista cheio de astros e estrelas da companhia para o qual ela chegou a filmar um dueto de “Come Back to Sorrento” com Nino Martini, mas este trecho foi extirpado por ocasião do lançamento do filme. Jeanette foi para a United Artists, a fim de fazer A Noiva 66 / The Lottery Bride / 1930 (John Garrick, Joe E. Brown, ZaSu Pitts), porém, apesar da música de Rudolf Friml, o espetáculo não deu o lucro esperado. Ela então se transferiu para a Fox Film Corporation, onde fez: Paixão de Mulher / Oh, for a Man! / 1930 (Reginald Denny, Marjorie White); Não Apostes nas Mulheres / Don’t Bet on Women / 1931 (Edmund Lowe, Roland Young); Anna Belle  ou Intrigas de Annabelle / Annabelle’s Affairs / 1931 (Victor MacLaglen, Roland Young). Em 1931, Jeanette interrompeu seu trabalho em Hollywood, para participar de uma tournée de concertos pela Europa,. No ano seguinte, voltou para a Paramount, onde fez duas comédias românticas musicais inesquecíveis com Maurice Chevalier: Uma Hora Contigo / One Hour With You / 1932 (Dir: George Cukor, orientado por Ernst Lubitsch) e Ama-me Esta Noite / Love Me Tonight /1932 (Dir: Rouben Mamoulian).

Jeanette MacDonald e Maurice Chevalier em Ama-me esta Noite

Jeanette MacDonald e Ramon Novarro em O Gato e o Violino

Em 1933, Jeanette partiu novamente para a Europa e, enquanto estava lá, assinou contrato com a MGM. Seu primeiro filme na “Marca do Leão” foi O Gato e o Violino / The Cat and the Fiddle / 1934 ao lado de Ramon Novarro. Apesar de ter sido baseado em um sucesso da Broadway de Jerome Kern e de apresentar um final em Technicolor – o primeiro uso do Technicolor de três cores além dos desenhos de Walt Disney – o filme não foi um grande êxito nas bilheterias. Porém o segundo filme de Jeanette no estúdio,

Jeanette MacDonald, Edward Everett Horton e Maurice Chevalier em A Viúva Alegre

Maurice Chevalier, Jeanette MacDonald e Ernst Lubitsch em um intervalo da filmagem de A Víúva Alegre

A Viúva Alegre / The Merry Widow / 1934, versão luxuosa da opereta clássica de Franz Léhar, magnificamente dirigida por Ernst Lubitsch e contando com a participação de Maurice Chevalier e um elenco de coadjuvantes admiráveis, agradou plenamente o público e os críticos. Seguiram-se os filmes que Jeanette fez, intermitentemente, com o barítono Nelson Eddy: Oh, Marietta ! / Naughty Maritetta / 1935 (Dir: W. S. Van Dyke e canções como “Ah! Sweet Mystery of Life”); Rose Marie / Rose-Marie /1936 (Dir: W. S. Van Dyke e canções como “Indian Love Call”); Primavera / Maytime / 1937 (Dir: Robert Z. Leonard e canções como “Will You Remember”); A Princesa do El Dorado / The Girl of the Golden West / 1938 (Dir: Robert Z. Leonard e canções como “Obey Your Heart”; Lua Nova / New Moon / 1940 (Dir: Robert Z. Leonard e canções como “Lover, Come Back to Me”); Bitter Sweet / Canção de Amor / Sweethearts / 1938 (Dir: W.S. Van Dyke e canções como “Sweethearts”); Casei-me com um Anjo / I Married an Angel / 1942 (Dir: W. S. Van Dyke e canções como “Spring is Here”).

Nelson Eddy e Jeanette MacDonald em Rose Marie

Nelson Eddy e Jeanette MacDonald em Primavera

Nos intervalos entre os filmes que fez com Nelson Eddy, Jeanette contracenou com Clark Gable e Spencer Tracy em A Cidade do Pecado / San Francisco / 1936; (Dir: W. S. Van Dyke); com Allan Jones em O Vagalume / The Firefly / 1937 (DIr: Robert Z. Leonard); com Lew Ayres em Serenata na Broadway / Broadway Serenade /1939 (Dir: Robert Z. Leonard); com Brian Aherne e Gene Raymond em O Amor que não Morreu / Smilin’ Through / 1941 (Dir: Frank Borzage); com Robert Young em Cairo / Cairo / 1942 (Dir: W. S. Van Dyke). Em 1943, Jeanette e Nelson Eddy deixaram a MGM e foram para Universal. Enquanto Eddy terminava, sozinho, O Fantasma da Ópera / Phantom of the Opera / 1943, ela apareceu em Epopéia da Alegria / Follow the Boys / 1944, filme repleto de astros e estrelas de Hollywood entretendo as tropas, no qual cantava ”Beyond the Blue Horizon” em um concerto e “I’ll See You in My Dreams” para um soldado que ficara cego. Entretanto, o projeto de fazer filmes juntos na Universal gorou e, após cinco anos fora da tela, Jeanette voltou sem ele para a MGM, onde fez seus filmes derradeiros, Três Filhas Levadas / Three Daring Daughters / 1948 (Jose Iturbi, Jane Powell) e Sol da Manhã / The Sun Comes Up /1949 (Lloyd Nolan, Claude Jarman Jr. e … Lassie)

Alan Jones e jeanette MacDonald em O Vagalum

O diretor Robert Z. Leonard e Jeanette MacDonald em um intervalo da filmagem de O Vagalume.

Ao contrário de Nelson Eddy, que foi da ópera para o cinema, Jeanette reinventou-se na ópera. A partir de 1940, ela começou a treinar com Lotte Lehmann, uma das cantoras líricas mais prestigiadas do início do século vinte. Jeanette estreou na ópera no Canadá, interpretando Juliette em Roméo et Juliette de Charles Gounod e debutou nos Estados Unidos na Chicago Opera Company, onde repetiu o papel de Juliette e cantou também como Marguerite em Faust do mesmo compositor. Há controvérsias sobre a vida íntima de Jeanette MacDonald, notadamente seu casamento com o ator Gene Raymond e o relacionamento com Nelson Eddy, refletidas nos livros Sweethearts de Sharon Rich (Bell Harbour, 2014) e Hollywood Diva de Edward Baron Turk (University of California, 2000).

Grace Moore

GRACE MOORE (1898-1947). Nome verdadeiro: Mary Willie Grace Moore. Local de nascimento: Comunidade de Slabtown (hoje considerada como parte de Del Rio) no Cocke County, Tennessee, EUA. Passou sua adolescência em Jellico, estudou brevemente em Nashville, e depois foi para Washington D.C. e Nova York terminar seu aprendizado de canto lírico. Seu primeiro emprego como cantora foi no Black Cat Cafe em Greenwich Village e sua primeira aparição na Broadway deu-se em 1920 no musical Hítchy-Koo de Jerome Kern. Em 1922 e 1923 ela apareceu na segunda e terceira séries das Music Box Revues de Irving Berlin. Depois de se aperfeiçoar sua voz de soprano na França, Grace estreou no Metropolitan Opera House de Nova York em 1928, interpretando o papel de Mimi na ópera La Bohème de Giacomo Puccini. Durante suas dezesseis temporadas no Met, ela cantou várias óperas italianas e francêsas, incumbindo-se dos papéis principais em Tosca de Puccini, Manon de Massenet e Louise de Gustave Charpentier.

Atraída por Hollywood nos primeiros tempos do cinema falado, o primeiro papel de Grace na tela foi o de Jenny Lind no filme Dama Virtuosa / A Lady’s Morals / 1930 , produzido para a MGM por Irving Thalberg e dirigido por Sidney Franklin. No mesmo ano, ela estrelou com o barítono Lawrence Tibbett, Lua Nova / New Moon, primeira versão cinematográfica da opereta The New Moon, de Sigmund Romberg, sobressaindo as canções “Wanting You”, e “Lover Came Back to Me”). A MGM não renovou seu contrato e ela retornou ao palco, obtendo sucesso na Broadway em 1932 com a opereta Gräfin Dubarry de Carl Millöcker. Irving Thalberg pensou nela para atuar como a viúva rica de Marshovia ao lado de Maurice Chevalier em A Viúva Alegre, mas acabou entregando o papel para Jeanette MacDonald.

Tullio Carminati e Grace Moore em Uma Noite de Amor

Após uma ausência de quatro anos, Grace retornou a Hollywood sob contrato da Columbia Pictures, onde fez: Uma Noite de Amor / One Night of Love / 1934 com Tullio Carminati ( no qual cantava entre outras a ária “La Habanera” da ópera Carmen de Georges Bizet). Foi o seu maior sucesso  de público e de crítica, tendo sido indicado para o Oscar nas categorias Melhor Filme, Direção e Atriz; Ama-me Sempre / Love Me Forever / 1935 com Leo Carrillo; O Rei de Diverte / The King Steps Out / 1936 com Franchot Tone (dirigidos por Josef von Sternberg); Prelúdio de Amor / When You’re in Love / 1937 com Cary Grant (destacando-se o número com Cary ao piano e Grace em uma interpretação extravagante de “Minnie the Moocher” de Cab Calloway); e A Volta do Rouxinol / I’ll Take Romance / 1937 com Melvyn Douglas.

Grace Moore e Franchot Tone em O Rei se Diverte

O último filme de Grace foi Luíza / Louise / 1939, versão abreviada da ópera de Gustave Charpentier do mesmo nome, dirigida por Abel Gance e contando com a participação de dois renomados cantores francêses: o tenor Georges Thill e o baixo cantante André Pernet. Grace Moore casou-se com o ator espanhol Valentín Parera em 1931, escreveu uma autobiografia: “You’re Only Human Once” em 1944 e teve sua carreira retratada no filme Gloriosa Consagração / So This is Love / 1953, com Kathryn Grayson. Em 1947, ela faleceu em um desastre de avião ocorrido no aeroporto de Copenhagen. Ficou conhecida como “O Rouxinol do Tennessee”.

Lily Pons

LILY PONS (1928 – 1976). Local de Nascimento: Draguignan, França. Nome verdadeiro: Alice Joséphine Pons. Esta soprano coloratura francêsa arrebatou a platéia quando  estreou no Metropolitan em janeiro de 1931, cantando Lucia di Lamermoor de Giuseppe Donizetti com Beniamino Gigli, e continuou no Met por mais 28 anos, aposentando-se em 1958. A RKO contratou-a para aparecer em Vivo Sonhando / I Dream Too Much / 1935,  no qual sua personagem, Annette, é casada com um compositor, Jonathan (Henry Fonda) e, à medida em que carreira dela sobe,  a dele declina, algo que ele acha difícil de aceitar. Sem que Jonathan saiba, Annette decide ajudá-lo, concordando em atuar na sua última ópera, que ela transforma em uma comédia musical de sucesso. A RKO armou uma equipe excelente: John Cromwell, diretor, Max Steiner, diretor musical,  Hermes Pan, coreógrafo, e Jerome Kern foi convidado para escrever algumas canções, tendo Dorothy Fields como sua letrista. Lily Pons cantou a ária com a qual todos a associavam, a “Canção do Sino ” da ópera Lakmé de Léo Delibes assim como a “Caro Nome” da Rigoletto de Giuseppe Verdi. Seu marido na vida real, André Kostelanetz, regeu as sequências de ópera, segundo dizem, por insistência da atriz. Entretanto, apesar de todo cuidado tomado, o filme não foi o êxito de bilheteria esperado pelo estúdio.

No ano seguinte, a RKO tentou de novo, colocando Lily Pons em  A Parisiense / That Girl from Paris / 1936. No enredo, uma estrela da ópera parisiense foge de um casamento arranjado, embarca como clandestina em um navio para ficar perto do band leader que ela ama, e acaba nos Estados Unidos como imigrante ilegal. Seus co-astros eram Gene Raymond e Lucille Ball, e Lily Pons cantava uma ária do Barbeiro de Sevilha de Gioachino Rossini,  juntamente com uma valsa de Johann Strauss, uma tarantela, e algumas canções.

Edward Everett Horton, Jackie Oakie e Lily Pons em Nas Asas da Fama

Lily Pons interpretou,  ao lado de John Howard, Edward Everett Horton e Jack Oakie, uma cantora de jazz francêsa  em Nas Asas da Fama /  Hitting a New High / 1937, dirigido por Raoul Walsh. Neste espetáculo, ela cantava a ária  “Il Doce Suono”, a cena da “loucura” da Lucia di Lammermoor  e a ária  “Je suis Titania” da Mignon de Ambroise Thomas.  Foi o seu último filme. Desiludida com Hollywood, Lily Pons desistiu da carreira cinematográfica, queixando-se de que os realizadores não levavam a sua capacidade lírica a sério.

Gladys Swarthout

GLADYS SWARTHOUT (100-1969). Local de nascimento: Deepwater, Missouri, EUA. Enquanto estava estudando no Bush Conservatory of Music em Chicago, um grupo de amigos arranjou um teste para ela na Chicago Civic Opera Company. Para sua surpresa, Grace foi aprovada, embora na época não tivesse nenhum papel lírico no seu repertório. Ela estreou em 1924 como o pastor na ópera Tosca de Giacomo Puccini e, em 1929, estava no Metropolitano Opera House interpretando (com sua voz de meio-soprano) La Cieca em La Gioconda de Amilcare Ponchelli. Grace era uma artista inteligente e bonita mas, até que Hollywood a tornasse famosa, ela cantou apenas papéis secundários tais como Siébel em Faust de Charles Gounod ou Mellika em Lakmé de Léo Delibes. Depois de sua curta carreira no cinema coube-lhe papéis mais importantes, obtendo grande sucesso como Carmen na obra de Georges Bizet.

Gladys Swarthout e John Boles em Rosa do Rancho

Grace estrelou cinco filmes para a Paramount: Rosa do Rancho / Rose of the Ranch /1936 (com John Boles); Noite Triunfal / Give us This Night / 1936; Valsa da Champanha / Champagne Waltz / 1937; A Princesa e o Galã / Romance in the Dark / 1938; Cilada do Acaso / Ambush / 1939. Rosa do Rancho era um western musical passado em Monterey, sem uma nota sequer de ópera, para o qual Erich Wolfgang Korngold compôs duas canções adicionais: “Fight for the Night” e “Without Freedom”. No enredo, Gladys é Rosita Castro, que se faz passar por Don Carlos, espécie de Zorro, defensor dos rancheiros oprimidos por um latifundiário (Charles Bickford) e se apaixona por um agente federal (John Boles). Noite Triunfal, já tinha mais a ver com ópera, pois Gladys fazia o papel de Maria Severelli, prima donna envolvida com um pescador (Jan Kiepura), que se revelava um grande cantor lírico. A distribuidora no brasil anunciou o filme assim: “Um delicioso poema lírico com duas gargantas de ouro”. Porém a música era de Erich Wolfgang Korngold (incluindo duas belas canções: “Sweet Melody of Life” e “I Meant to Say I Love You” ) e as letras, de Oscar Hammerstein II.

Em Valsa de Champanha, Gladys é Elsa Strauss, neta do dono de um palácio da valsa em Viena, prejudicado pela existência de um clube jazz, onde toca o trompetista Buzzy Bellew (Fred MacMurray). Em A Princesa e o Galã, Gladys é Illona Boros, jovem camponesa que consegue cantar na Ópera de Budapeste, disfarçando-se como uma princesa egípcia na entrevista com um famoso tenor (John Boles) e seu empresário (John Barrymore). Em Cilada por Acaso, Gladys é Jane Hartman, irmã de um assaltante de banco, obrigada a ludibriar um chofer de caminhão (Lloyd Nolan), para que ele ajude os ladrões a fugir. Nenhum dos filmes de Gladys era particularmente bom nem a tornaram uma grande estrela, Ela retornou à ópera, apresentando-se regularmente no Met até 1945. Gladys Swarthout foi casada duas vezes, a primeira vez com Harry Kern, gerente geral da empresa Hart-Schaffner Marx Company e a segunda vez com o tenor Frank M. Chapman, Jr. Ela conheceu Frank em 1929 na cidade de Florença onde, anos depois, Gladys viria a falecer.

Filed under: Posts
by AC
No Comments »

Muito antes do advento do cinema falado, vários pioneiros usaram árias de óperas como base de suas experiências com sistemas de som. Outros realizadores decidiram aproveitar enredos de óperas nos seus filmes ou transformar cantores deste gênero musical em astros de cinema.

Neste artigo, apresento, por ordem alfabética, bio-filmografias resumidas das principais cantoras de ópera que trabalharam no cinema mudo americano.

Anna Case

ANNA CASE (1888-1984). Local de nascimento: Clinton, New Jersey, EUA. Filha de um ferreiro, aos 15 anos de idade Anna regia o côro e tocava piano em uma Igreja Protestante na sua comunidade, sem nunca ter tido lições de música. Ela começou a estudar com um professor local que, percebendo seu grande potencial como cantora, indicou-a para outro mestre em Nova York. Referida sempre como “A Cantora Favorita de Edison”, Anna estreou no Metropolitan Opera House em 1909, permanecendo na companhia até 1919, tendo sido Aida e Carmen considerados como seus melhores papéis. Em 1913, interpretou Sophie de Faninal na primeira apresentação no Met da ópera Der Rosenkavalier de Richard Strauss Ela começou a gravar em cilindros de cera para o grande inventor Thomas Alva Edison “Believe Me, If All Those Endearing Young Charms” e dois outros números, antes de gravar 98 Diamond Discs para a Edison Records. Anna aparecia frequentemente no palco demonstrando os “Tone Tests” de Edison, quando as luzes eram apagadas e a platéia tinha que adivinhar quando a cantora parava de cantar e o fonógrafo começava a tocar. Ela gravou somente um disco para a Victor e, depois de realizar um trabalho para o sistema Vitaphone, se transferiu para a Columbia, onde gravou 41 discos entre 1928 e 1930. Anna Case fez somente um filme, The Hidden Truth / 1919 (também conhecido como The Golden Hope), dirigido por Julius Steger e distribuído pela Select Pictures Corp.

Lina Cavalieri

LINA CAVALIERI (1874-1944). Nome verdadeiro: Natalina Cavalieri. Local de nascimento: Viterbo, Itália. Orfã aos 15 anos, Lina foi enviada para um orfanato católico, mas fugiu, juntando-se a um grupo teatral ambulante. Possuidora de uma bela voz, a jovem foi para Paris onde cantou em cafés e até no Folies Bergères. Desenvolvendo sua aptidão para o canto, de acordo com algumas fontes, ela estreou no palco aos 26 anos de idade, interpretando Mimi em La Bohème de Giacomo Puccini no teatro San Carlo em Nápoles; segundo outras fontes, o seu debute foi em Lisboa, no papel de Nedda em Pagliacci. De Ruggero Leoncavallo. O que é certo é que, depois de se divorciar de seu primeiro marido, o príncipe russo Sergei Bariatonsky, ela chegou aos Estados Unidos em 1906, para cantar no Metropolitan Opera House ao lado de Enrico Caruso, em Fedora de Umberto Giordano; no Met, a bela soprano cantou também nas óperas Manon Lescaut de Puccini e Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea. Em 1913, Lina casou-se com o tenor francês Lucien Muratore (depois de ter terminado seu matrimônio de curta duração com Robert Winthrop Chanler, membro da família Astor de Nova York). Sua carreira estava virtualmente acabada porém com sua fama de “a mulher mais bonita do mundo” e sua conhecida paixão por jóias e roupas finíssimas ela aparecia constantemente na primeira páginas dos jornais e assim chegou ao cinema, ao lado de seu esposo, em Manon Lescaut / 1914 que, no entanto, não tinha nada a ver com a ópera mas sim com o romance Abade Prévost.

Lina Cavalieri em The Eternal Temptress

Lina Cavalieri

Depois desta estréia nas telas americanas, Lina fez dois filmes na Itália  (Esposa da Morte /La Sposa della Morte / 1915 e  Rosa de Granada /La Rosa di Granada / 1916) novamente com Lucien Muratore, e voltou para os Estados Unidos, onde fez quatro filmes para a Famous Players (A Eterna Tentadora / The Eternal Temptress / 1917, Gismonda ou Conquista do Coração / Love’s Conquest / 1918, Tesouro de Arte / A Woman of Impulse / 1918, A Filha do Escultor / The Two Brides / 1919), o primeiro dirigido por Emile Chautard e os outros três, por Edward José – todos, com exceção de A Woman of Impulse, também não relacionados com o meio operístico. Após sua aposentadoria como cantora de ópera, Lina mudou-se para Paris, onde abriu uma salão de moda e então, na companhia de seu quarto marido, Paolo d’Arvani, fixou moradia em Florença. Durante um ataque áereo das forças aliadas à cidade em 1944, ela ficou preocupada com suas jóias, saiu do abrigo onde se encontrava, rumou para a sua casa a fim de apanhá-las, e foi morta. Sua vida foi retratada no filme A mulher mais bela do mundo / La donna píu bella del mondo / 1955, estrelado por Gina Lollobrigida.

Geraldine Farrar

GERALDINE FARRAR (1882-1967). Local de nascimento: Melrose, Massachusetts, EUA. A maior das estrelas que fizeram a transição do teatro lírico para a tela no tempo da cena silenciosa, era filha de um jogador de baseball Sidney “Syd” Farrar, e de sua esposa, Henrietta Barnes, ambos músicos amadores. Aos cinco anos de idade, ela começou a estudar música em Boston com Mrs. J. H. Long e Victor Capoul, e sucessivamente com Emma Thursby em Nova York (quando começou a dar recitais, chamando a atenção da cantora de ópera Nellie Melba; com o Marquês Ange-Pierre de Trabadelo em Paris; e Francesco Graziani em Berlim. Em 1901, Geraldine estreou como Marguerite na ópera Faust de Charles Gounod na Berlin Hofoper e, logo após o seu debute no palco, iniciou suas aulas com outra professora, Lilli Lehmann, que lhe ensinou a modelar sua voz Terminada a temporada em Berlim, ela partiu para a Ópera de Monte Carlo, onde cantou de 1904 a 1906, estreando em La Bohème de Puccini, ao lado de Enrico Caruso, que desempenharia um papel significativo como seu co-astro nos Estados Unidos. Depois, apresentou-se em Paris, Munique, Varsóvia e Salzburg, firmando uma reputação internacional. Na abertura da temporada de 1906-1907 do Metropolitan Opera House em Nova York, Geraldine estreou na companhia com a qual ficaria associada pelo resto de sua carreira.

Geraldine Farrar em Carme

Geraldine Farrar em Jeanne D’Arc

O primeiro filme de Geraldine Farrar, Carmen / Carmen / 1915 , foi dirigido por Cecil B. DeMille. Mesmo sem os espectadores ouvirem o som de sua voz, o espetáculo foi um sucesso, conquistando-lhe fãs, que não eram necessariamente fãs de ópera. Ela então deu início a uma segunda carreira como atriz de cinema, fazendo mais 13 filmes de longa-metragem: Tentação / Temptation / 1915, Maria Rosa ou Amor Vingado / Maria Rosa / 1915, Jeanne D’Arc e, em reprises, Joana D’Arc e A Donzela de Orleans / Jeanne D’Arc / 1916, A Mulher Que Deus Esqueceu / The Woman God Forgot / 1917, A Pedra do Diabo / The Devil Stone / 1917 (todos dirigidos por DeMille), O Ponto de Honra / Turn of the Wheel / 1918, Uma Fera! / The Hell Cat / 1918, Sombras do Passado / Shadows / 1919, Cruel  Juramento / The Stronger Vow / 1919, A Chama do Amor ou A Chama do Deserto / Flame of the Desert / 1919, Flor de Sevilha ou A Mulher e o Fantoche / The Woman and the Puppet / 1920 (todos dirigidos por Reginald Barker), O Mundo e suas Mulheres / The World and the Woman / 1919 (Dir: Frank Lloyd), O  Enigma – A Mulher / The Riddle: Woman /1920 (Dir: Edward José). Nenhum dos filmes foi sobre personagens de ópera. Todos confirmaram o talento de Geraldine para a arte dramática. O casamento de Geraldine com o ator Lou Tellegen em 1916, terminou, em consequência dos inúmeros casos amorosos de seu marido, por um divórcio muito divulgado pela imprensa em 1923, e o assunto voltou às manchetes dos jornais, quando Tellegen se suicidou em 1934, esfaqueando-se com uma tesoura. Geraldine deixou uma autobiografia: “Such Sweet Compulsion, escrita em 1938.

Mary Garden

MARY GARDEN (1874-1967). Local de Nascimento: Aberdeen, Escócia. Quando tinha nove anos de idade sua família se mudou para Chicopee, Massachusetts, EUA, transferindo-se depois sucessivamente para Harford, Connecticut e Chicago, Illinois. Graças ao apoio financeiro de dois patronos das artes, David e Florence Mayer, pôde estudar com Marquês Ange-Pierre de Trabadelo e depois com Lucien Fugère. Em 1899, os Mayers suspenderam seu apoio a Mary em virtude de boatos sobre o seu comportamento escandaloso na Cidade-Luz. Alguns meses depois, ela estava sem poder pagar seu aluguel quando Silby Sanderson, uma cantora americana, abrigou-a, e lhe deu algum dinheiro. Através dos contatos de Sanderson, Mary conseguiu fazer um teste na Opéra-Comique, e, em janeiro de 1900, foi contratada pela companhia.

Mary Garden em Pelléas et Mélisande

Um dos seus melhores papéis foi o de Mélisande em Pelléas et Mélisande de Claude Debussy. Em 1907, Mary assinou um contrato com Oscar Hammerstein para cantar na Manhattan Opera House e estreou em Nova York em Thäis de Jules Massenet, sendo aclamada como uma grande soprano operística. Após sua viagem exitosa aos EUA, Mary voltou para Paris, e continuou sua carreira no velho continente; mas continuou dividindo seu tempo entre a Europa e a América. Em 1917, Samuel Goldwyn contratou-a, pagando-lhe 10 mil dólares por semana, para fazer cinco d filmes, porém ela só fez dois. Tanto o primeiro filme, Thäis / Thäis, baseado no seu grande sucesso do palco (Dir: Hugo Ballin e Frank Hall Crane) quanto o segundo filme, Pecadora e Mártir / The Splendid Sinner/ 1918, passado durante a Primeira Guerra Mundial (Dir: Edwin Carewe), sem o benefício do som, não caíram no agrado do público. Durante a temporada 1921-1922, Mary dirigiu a Chicago Opera Association e continuou interpretando papéis principais em óperas. Após sua aposentadoria dos palcos em 1934, trabalhou como descobridora de talentos para a MGM e, em 1951, retornou à sua terra natal, e escreveu uma autobiografia, “Mary Garden’s Secrets”.

                                                                                                       Beatriz Michelena

BEATRIZ MICHELENA (1890-1942). Local de nascimento: Nova York, N.Y. EUA. Filha de Fernando Michelena, conhecido tenor venezuelano, que se apresentava em uma companhia itinerante pelos Estados Unidos. Influenciadas pelo pai, ela e sua irmã mais velha Vera também se dedicaram ao canto liríco. Vera iniciou uma carreira em Nova York e Beatriz continuou treinando com seu progenitor, que havia se estabelecido em San Francisco, Califórnia como professor. O sonho de Beatriz era se tornar “uma cantora de ópera maravilhosa”, porém seu plano de estudar no exterior foi abandonado, quando a guerra irrompeu na Europa. Em 1907, ela se casou com George E. Middleton, gerente da Middleton Car Company e filho de um magnata da indústria madeireira. Beatriz recebeu muitos aplausos no Garrick Theatre pelo seu papel em The White Hen, comédia musical passada na Austria e ainda apareceu em mais alguns espetáculos antes de se transferir para o cinema.

Em 1914, ela aceitou o convite para ser a estrela dos filmes da California Motion Picture Company (cujo estúdio era em San Rafael), estreando na tela em Salomy Jane, western baseado em história de Bret Harte, dirigido por Lucius Henderson e William Nigh, no qual contracenou com o ator inglês House Peters e William Pike. Beatriz fez ainda na California Motion Picture Company: Mrs. Wiggs of Cabbage Patch / 1914 (Dir: Harold Entwistle); The Woman Who Dared / 1916 (Dir:George Middleton); Rose of the Misty Pool / 1915; The Lily of Poverty Flat / 1915 (Dir: George Middleton); Mignon / 1915 (Dir: Alexander E. Beyfuss); A Phyllis of the Sierras / 1915 (Dir: George Middleton); Salvation Nell / 1915 (Dir: George Middleton); The Unwritten Law / 1916 (Dir: George Middleton) e Faust, cuja filmagem foi iniciada, mas depois interrompida, quando o presidente da California Motion Picture Company, Herbert Payne, fechou a companhia e pediu falência. MIddleton e Beatriz compraram o estúdio chamando-o de Michelena Studios e sua companhia foi denominada Beatriz Michelena Features.

O novo filme, Just Squaw / 1919, girava em torno de uma índia, Fawn que se apaixona por um homem branco, mas depois descobre que era biologicamente branca, pois fora sequestrada pela índia que ela pensava que era sua mãe. O filme foi exibido durante uma semana em San Francisco, mas não deu nenhum lucro. Parece que o novo distribuidor dos filmes da Michelena Features encontrou dificuldade para encontrar o mercado certo para as produções seguintes da empresa, outros dois westerns, Heart of Juanita / 1920 e The Flame of Hellgate / 1920. Após a filmagem deste último, Middleton e Beatriz pararam de fazer filmes juntos. Ela voltou a se apresentar como cantora e ele, a vender seus carros. Divorciaram-se em meados dos anos vinte.

Bertha Kalich

BERTHA KALICH (1874-1939). Nome verdadeiro: Beylke Kalakh. Local de Nascimento: Lemberg, Galicia, Austria-Hungria (hoje Lviv, Ucrânia). Filha única de Solomon Kalakh, modesto fabricante de escovas e violinista amador) e Babette Kalakh, costureira que fazia trajes para os teatros locais. Ela aprendeu a cantar na Czatzki, escola judaica particular de música e arte dramática. Aos treze anos de idade, ela ingressou no Teatro de Ópera Skarbek, onde integrou o côro formado por adultos. Seu primeiro papel foi na ópera La Traviata de Giuseppe Verdi. Em um ano, Bertha aprendeu a falar alemão e Jaakov Ber Gimpel, convidou-a para ser a prima donna de seu recém-criado teatro ídiche. Ela estreou na opereta Shulamith de Abraham Goldfaden e após algumas representações com a troupe de Goldfaden na Romênia e na Hungria, Bertha, já casada com Leopold Spachner (que se tornaria seu agente), aceitou o convite de Joseph Edelstein para se apresentar no seu Thalia Theater em Nova York, onde chegou em 1895. A princípio, ela atuou em peças ídiche clássicas mas depois, quís dar mais ênfase ao seu talento dramático do que ao musical, interpretando papéis principais em adaptações das tragédias de Shakespeare.

Bertha Kalich

Os fãs compararam Bertha a outra intérprete feminina de Hamlet, Sarah Bernhardt, e muitos jornais passaram a chamá-la de “Bernhardt Judia”. Seu primeiro papel no idioma inglês na peça Fedora de Victorien Sardou, chamou a atenção do dramaturgo, empresário e Harrison Grey Fiske, que a contratou para a produção de Monna Vanna de Maurice Maeterlinck no Manhattan Theatre. Ela treinou durante meses com a atriz Minnie Maddern Fiske (esposa de Harrison, conhecida profissionalmente como Mrs. Fiske), para corrigir seu sotaque estrangeiro, porém não foi totalmente bem sucedida no seu esforço. Nos próximos anos, Bertha trabalhou para Fiske até 1910 e posteriormente para Lee Shubert e repetiu em inglês alguns de seus sucessos em ídiche. Em 1914, Bertha fez cinco filmes em Hollywood: The Bomb Boy / 1914 (Dir: George Fitzmaurice) para a Manhattan Film Company; Bruto! ou Marta das Terras Baixas / Marta of the Lowlands / 1914 (Dir: J. Searle Dawley para a Famous Players; O Caluniador / Slander (Dir: Will S. Davis), Ambição / Ambition / 1916 e Amor e Ódio / Love and Hate / 1916 (ambos dirigidos por James Vincent) para a Fox Film Corp. Nenhum deles foi bem aprovado e a carreira dela no cinema se encerrou.

Ganna Walska

GANNA WALSKA (1887-1984). Nome verdadeiro: Hanna Puacz. Local de Nascimento: Brest-Litovsk, Belarus. De origem humilde, ainda adolescente, ela fugiu com um conde russo, Arcadie d’Einghorn, com quem se casou em 1904. Hanna estreou no palco, em Kiev, como Sonia na opereta A Viúva Alegre de Franz Lehár. Dois anos depois, divorciada do conde, prosseguiu sua carreira na Europa, onde adotou o nome de Ganna Walska. Diante da ameaça da Primeira Guerra Mundial, Ganna mudou-se de Paris para Nova York, onde conheceu e se casou (em 1916) com o endocrinologista Dr. Joseph Fraenkel,. Ele curou sua laringite, e aliviou seu desejo desesperado por segurança financeira e um lar. Foi nessa época que ela encontrou o industrial Harold Fowley McCormick – herdeiro da fortuna da International Harvester e patrono generoso da Chicago Opera Company – com o qual teria um longo relacionamento. Ganna interessou-se também por misticismo e pelo “sentido da vida”, praticando ioga e explorando astrologia, meditação e telepatia. Em 1920, Fraenkel morreu após uma doença prolongada. Exausta e deprimida, Ganna decidiu passar umas férias em Paris e, a bordo do vapor Aquitania, encontrou Alexander Smith Cochran, então conhecido como “o solteiro mais rico do mundo”. Eles contraíram matrimônio ainda no mesmo ano da morte de Fraenkel. Segundo ela própria contou nas suas memórias, “There’s Always Room At The Top”, Alexander foi ficando cada vez mais com ciúme de sua carreira e da sua amizade contínua com Harold McCormick. Quando Ganna se divorciou de Alexander em 1922, McCormick se tornou seu novo marido, e financiou sua carreira então em declínio, comprando o Theâtre des Champs Elysées em Paris, como um local para ela se apresentar.

Harold e Ganna

Em 1931, Ganna recusou-se a deixar Paris e a viver com Harold em Chicago, e ele se divorciou dela, alegando deserção. O próximo enlace de Ganna ocorreu em 1938, com Harry Grindell Matthews, inventor do Raio da Morte, dispositivo experimental que podia desativar o motor de um automóvel por controle remoto. Embora o casal compartilhasse o amor pela ópera, ela o achava pouco atraente. Matthews ficou tão deprimido, que parou de trabalhar, deixando os funcionários do governo inglês preocupados, pensando que ele poderia se matar, antes que sua invenção de um aparelho para detectar submarinos na defesa de Londres, pudesse chegar às mãos do Ministro da Guerra. Infelizmente, Matthews foi mais um marido infeliz e ciumento e Ganna, aproveitou a iminente Segunda Guerra Mundial como uma desculpa para retornar à América. Ela foi informada por telegrama, que Harry morrera de um ataque do coração em 1941. Nos Estados Unidos, Ganna se apaixonou por um homem vinte anos mais jovem do que ela, Theos Bernard, conhecido como “The White Lama”, título devido às suas experiências no Tibete. Theos logo passou a influenciar a vida de Ganna encorajando-a a comprar uma propriedade em Montecito, perto de Santa Barbara na Califórnia, conhecida como Cuesta Linda, e a denominá-la de “Tibetland” com o objetivo de transformá-la em um refúgio de lamas tibetanos e local para a “execução da sua obra sagrada”. Ganna e Theos casaram-se secretamente em 1942, porém o matrimônio durou pouco. Eles se divorciaram em 1946, e ele morreu no ano seguinte. Ganna finalmente declarou sua independência e rebatizou sua propriedade de “Lotusland” por causa das flores de lótus da Índia raras existentes no seu jardim

Ganna e seu jardim de plantas exóticas

Ela passou os quarenta anos seguintes de sua vida dedicando-se à jardinagem e adquirindo uma variedade espantosa de plantas exóticas. Embora seja comumente conhecido como uma biografia ficcionalizada de William Randolph Hearst, o filme de Orson Welles, Cidadão Kane / Citizen Kane / 1941 foi baseado em parte na vida de Horace McCormick e Ganna Walska e, ao escrever o roteiro, Herman J. Mankiewicz se inspirou ainda em outro casal, o magnata Samuel Insull e sua esposa, a atriz Gladys Wallis. Quando era crítico de teatro do The New York Times, depois de assistir a uma reprise da peça The School for Scandal, com Gladys, então uma senhora de 56 anos no papel de uma jovem de 18 anos, chegou à redação cheio de álcool e de fúria, porque sabia que fora Insull, que patrocinara toda a produção, para incluir sua mulher no elenco da peça. Ele escreveu uma crônica arrasadora, chamando-a de incompetente, antes de cair de sono em cima de sua máquina de escrever. Mankiewicz ressuscitou esta experiência ao escrever o roteiro de Cidadão Kane, incorporando na narrativa o personagem do crítico Jedediah Leland, interpretado por Joseph Cotten

No filme, após a estréia catastrófica na ópera de Susan Alexander, a segunda esposa de Kane, Leland volta para a redação do Inquirer bêbado, e adormece sobre a sua máquina de escrever, depois de redigir a primeira frase de sua resenha crítica: “Miss Alexander, uma linda mas incompetente amadora…” Em 1916, a soprano Ganna Walska apareceu (creditada como Madame Ganna Walska) no drama The Child of Destiny, dirigido por William Nigh. No enredo, Ganna interpreta o papel de Constance, esposa infiel de Bob Stange (Robert Elliottt). Este se apaixona por Alita (Irene Fenwick), jovem criada nas montanhas. Constance nega-lhe o divórcio mas, ao descobrir que a garota é a filha que abandonara, suicida-se, para que Bob e Alita possam se unir para sempre.

Filed under: Posts
by AC
No Comments »

Conforme informação de Jacques Siclier (La France de Pétain et son Cinéma, 1981), dos 220 filmes produzidos de 1940 a 1944, 186 foram dirigidos por 68 antigos realizadores e 34 por 19 novos realizadores. Entre os antigos, Christian-Jaque, Jean Delannoy, Henri Decoin, Claude Autant-Lara e Jean Cocteau haviam começado suas atividades fílmicas ainda nos anos 1920 ou 1930; porém foi a partir dos anos 1940, que solidificaram seu prestígio no cenário cinematográfico.

Christian-Jaque

Christian-Jaque (Paris, 1904-1994), cujo verdadeiro nome era Christian Naudet, estudou arquitetura e artes decorativas. Ele se aproximou do cinema desenhando maquetes para os cenários de filmes de Julien Duvivier, André Hugon e Henry Roussell, formando dupla com seu amigo Jaque Chabraison. Dessa associação nasceu o pseudônimo Christian-Jaque, que ele adotaria como diretor. Depois de se tornar assistente de Duvivier, o jovem cineasta realizou alguns filmes curtos, antes de fazer seu primeiro longa-metragem, Bidon d’Or.

Entre 1934 e 1939, responsabilizou-se por 23 produções rotineiras, até que uma comédia muito engraçada com Fernandel, Valente a Muque / François Ier / 1937, lhe trouxe um estrondoso sucesso commercial e notoriedade. O Mistério do Colégio / Les Disparus de Saint-Agil / 1938, foi o primeiro filme que trazia sua marca pessoal e a veia poética, que seria reencontrada em L’Enfer des Anges / 1939; Premier Bal / 1941; e, de maneira especial, em O Assassinato do Papai Noel / L’Assassinat du Père Noel / 1941 e Sortilégios / Sortilèges / 1945. Nesses filmes, ele mostrou que tinha perfeito conhecimento de seu ofício (levado muitas vêzes ao virtuosismo), também evidente em La Symphonie Fantastique / 1941; Os Amores de Carmen / Carmen / 1942; Viagem sem Esperança / Voyage sans Espoir / 1943; Anjo Pecador / Boule de Suif / 1945, trabalhos com os quais conquistou definitivamente um lugar destacado no cinema francês

Após se formar no Lycée Louis-le-Grand em Paris, Jean Delannoy (Noisy-le-Sec, 1908 – Guainville, 2008) inscreveu-se na Sorbonne para seguir o curso de letras, porém o cinema o atraiu. Apoiado pela irmã Henrietta, que era atriz, ele fez pequenos papéis em dois filmes mudos. Interessando-se pela técnica, Delannoy começou a trabalhar no estúdio da Paramount em Saint-Maurice, onde montou cerca de 75 filmes, passando depois a assistente de direção de Jacques Deval e Felix Gandéra. Em 1932, realizou seu primeiro filme curto, Franches Lippées. No ano seguinte, estreou no longa-metragem com Paris-Deauville, mas somente em 1942 com Pontcarral, Colonel d’Empire começou a chamar a atenção como diretor no meio cinematográfico.

Cena de Pontcarral, Colonel d’Empire

Delannoy adquiriu fama como professional competente e meticuloso, porém sem personalidade. Seu academicismo e sua dependência de bons textos literários, diálogos de eficientes roteiristas e astros famosos fizeram com que os críticos da Nouvelle Vague o colocassem como um dos principais alvos – juntamente com Claude Autant-Lara – no seu combate à “tradição de qualidade”. Por mais corretas que possam ser essas observações, o fato é que os melhores filmes do cineasta, como Além da Vida / L’Eternel Retour / 1943 e outros que realizou posteriormente, resistiram mais ao tempo do que muitos filmes feitos pelos seus detratores.

Henri Decoin

Henri Decoin (Paris, 1896-1969) desenvolveu uma carreira desigual, marcada por erros e alguns grandes acertos, mas demonstrando um talento sólido e algumas vezes até mesmo originalidade. Apaixonado pelo esporte desde a infância, foi campeão de natação aos 14 anos. Durante a Primeira Guerra Mundial, serviu na Aviação e deu baixa com a Légion d’Honneur e a Croix de Guerre. Poderia ter seguido a careira militar, mas sonhava em ser escritor. Seu primeiro romance, publicado em 1930, ganhou o Grande Prêmio de Literatura Esportiva. Na mesma época, ofereceu para uma produtora o argumento intitulado Un Soir de Raffle, que acabou sendo filmado com Annabella e Albert Préjean.

DanielleDarrieux em Battement de Coeur

Decoin se tornou roteirista e depois foi assistente de direção de Tourjansky e Carmine Gallone. Convocado pela UFA, dirigiu algumas versões francesas de filmes alemães e, finalmente, seu primeiro filme, Tobogan / 1935, estrelado pelo pugilista Georges Carpentier. Nessa ocasião, aos quarenta anos, casou-se conm Danielle Darrieux e fez cinco filmes com ela: Senhorita Minha Mãe / Mademoiselle Ma Mère / 1936; Abuso de Confiança / Abus de Confiance / 1937; De Volta à Casa / Retour à l’Aube / 1938; Battement de Coeur / 1939; e Premier Rendez-Vous / 1941, criando um gênero de comédia sentimental cheia de charme e sensualidade, inspirado no estilo americano. A partir do seu encontro com Georges Simenon em Les Inconnus dans la Maison / 1941, um de seus melhores filmes. Decoin dedicou-se aos mais variados gêneros, realizando sempre alguma obra de maior espessura artística, notadamente no periodo do pós-guerra.

Claude Autant-Lara

Cineasta típico da “qualidade francesa”, Claude Autant-Lara (Luzarches, 1901 – Antibes, 2000) estudou na École des Beaux Arts e começou no cinema em 1919 como cenógrafo de vários filmes de Marcel L’Herbier. Depois trabalhou como assistente de René Clair (Paris qui Dort, Le Voyage Imaginaire) e realizou dois curta-metragens de vanguarda: Fait Divers / 1923 e Construire un Feu / 1925, primeiro ensaio de “filme largo” com o processo do professor Chrétien, que se tornaria, 28 anos mais tarde, o CinemaScope.

Cena de Casamento de Chiffon

Cena de Dulce, Paixão de uma Noite

Em 1930, foi contratado pela MGM para dirigir versões francesas de filmes americanos. De retorno à Europa, fez um longa-metragem na França (Ciboulette / 1933), outro na Inglaterra (My Partner, Mr. Davis / 1936) e apareceu nos créditos como consultor técnico de O Crime do Correio de Lyon / L’Affaire du Courrier de Lyon / 1937, Le Ruisseau / 1938, e Fric-Frac (na TV) / Fric Frac 1939. Sua carreira como director de primeira linha começou na Paris ocupada e submetida à ordem moral de Vichy, quando fêz três filmes – Casamento de Chiffon / Le Marriage de Chiffon / 1942; Lettres d’Amour / 1942; e Dulce, Paixão de uma Noite / Douce / 1943 -, nos quais, sob o charme adocicado da Belle Époque, mal se escondia uma crítica social corrosiva.

Jean Cocteau

O poeta, romancista, ensaista, cineasta, desenhista e pintor Jean Cocteau (Maison-Laffite, 1889 – Milly-la-Fôret, 1963), figura importante da vida cultural francesa da primeira metade do século XX, publicou seu primeiro livro de poesia aos 16 anos, mas foi através do desenho que chegou ao cinema. Em 1929, o visconde de Noailles – que havia financiado L’Âge d’Or de Buñuel – pediu-lhe que realizasse um desenho animado. Cocteau realizou um filme, “mas tão livre como um desenho animado”. Assim nasceu Le Sang d’un Poète / 1930, expressão do mundo interior do artista – seus medos e obsessões, sua dificuldade de ser, a preocupação com a idéia da morte etc. – em imagens alucinantes.

Depois dessa primeira experiência no média-metragem, Cocteau só retomou seu contato com a arte cinematográfica a partir de 1939, escrevendo roteiros ou diálogos para Marcel L’Herbier (Comédie du Bonheur), Serge de Poligny (Le Baron Fantôme) e Jean Delannoy (Além da Vida), como faria mais tarde para Robert Bresson (As Damas do Bois de Boulogne/ Les dames du Bois de Bolougne), Pierre Billon (Entre o Amor e o Trono / Ruy Blas) e Jean Pierre Melville (Les Enfants Terribles). Em 1946, finalmente, ele realizaria seu primeiro longa-metragem.

Entre os novos realizadores surgidos durante à Ocupação, Henri-Georges Clouzot, Jacques Becker, Yves Allégret, André Cayatte e Robert Bresson ocuparam lugar de destaque.

Henri-Georges Clouzot

Por causa de uma forte miopia no olho esquerdo, Henri-Georges Clouzot (Niort, 1907 – Paris, 1977) não pôde realizer seu desejo de entrar para a escola naval. Fez o curso de Direito e Ciência Políticas e pensou em ser diplomata, mas dificuldades financeiras o obrigaram a desistir desse projeto. Seis meses como cronista no jornal Paris-Midi o puseram em contato com o mundo do espetáculo. Clouzot escreveu esquetes para o teatro de revista e canções para o cançonetista René Dorin, tornando-se seu secretário. Em 1931, o produtor Adolphe Osso contratou-o como roteirista (de filmes de Tourjansky, Anatole Litvak, Jacques de Baroncelli, Carmine Gallone, Richard Pottier). No mesmo ano, realizou o curta-metragem La Terreur des Batignolles. Em 1933, partiu para Berlim, onde supervisionou versões francesas de vários filmes alemães. Depois de passar quatro anos em um sanatório, retornou ao cinema como roteirista: Le Revolté / 1938 (Dir: Léon Mathot), Le Duel / 1939 (Dir: Pierre Fresnay), Le Dernier des Six / 1941 (Dir: Georges Lacombe), Les Inconnus dans la Maison / 1941 (Dir: Henri Decoin).

Pierre Fresnay em Sombra do Pavor

Em 1942, estreou como director de longa-metragem com O Assassino Mora no 21 / L’Assassin Habite au 21, no qual já estava presente o universo sombrio e pessimista de seus filmes posteriores. Seu próximo trabalho (e primeira obra-prima), Sombra do Pavor / Le Corbeau / 1943, traduzia o clima de angústia e opressão dos anos de Ocupação, a trama policial sendo constantemente completada e sustentada pelo estudo de uma psicose coletiva. Embora o roteiro tivesse sido redigido em 1937 e inspirado em acontecimentos reais (as cartas anônimas de Tulle), pelo fato de a produção ser da Continental, seus autores foram acusados de terem desejado “avilta”’a França e servir à propaganda hitleriana. Aoós a Libertação, o filme foi banido temporariamente da exibição, e Clouzot, suspenso de qualquer atividade cinematográfica por seis meses, só conseguiria fazer outro em 1947.

Jacques Becker

Depois de completar seus estudos na École Bréguet, Jacques Becker (Paris, 1906 – 1960) arrumou emprego como comissário de bordo no navio De Grasse da Compagnie Générale Transatlantique, que fazia o percurso Le Havre-Nova York. Durante uma viagem, conheceu King Vidor e o diretor Americano lhe propôs um contrato como ator e assistente de direção, porém não houve nada de concreto. Becker permaneceu na França e se tornou assistente de Jean Renoir, amigo de sua família, durante o periodo áureo da carreira do grande cineasta (1932-1939).

Robert Le Vigan em Mãos Vermelhas

Em 1934, conseguiu realizar dois curta-metragens, Une Tête qui Rapporte e Le Commissaire est Bon Enfant. Em 1939, fez um documentário curto sobre o Congresso do Partido Comunista em Arles: La Grande Espérance. No mesmo ano,  começou seu primeiro longa-metragem, L’Or du Cristobal, mas após três semanas abandonou a produção, deixando Jean Stelli terminar o filme. Posteriormente, trabalhou como assistente de Albert Valentin em : L’Heritier des Mondésir. Em 1942, depois de ficar um ano em um campo de prisioneiros de guerra na Alemanha, iniciou suas atividades como diretor em Dernier Atout, comédia policial sem maiores pretensões. Mas foi com Mãos Vermelhas / Goupi Mains Rouges / 1943 que becker se impôs como grande realizador.

Yves Allégret

Yves Allégret (Asnières, 1907 – Paris, 1987) formou-se em Direito mas resolveu seguir os passos de seu irmão mais velho, Marc. Ele começou no cinema como assistente de direção, trabalhando com Marc, Jean Renoir, Augusto Genina, Paul Fejos etc Realizou vários filmes de publicidade e dois curtas-metragens, L’Ardeche, 1937 e Jeunes Filles de France / 1939, que representou o pavilhão francês na Exposição Universal de 1940 em Nova York. Depois, Yves fundou com Pierre Brasseur e Madeleine Robinson uma produtora, Les Comédiens Associés, e preparou a filmagem de um roteiro escrito por Brasseur e ele próprio; porém a guerra interrompeu seus planos. Yves reencontrou Brasseur na zona livre e com ele fez Les Deux Timides / 1942, assinando como Yves Chaplain, para evitar a confusão com seu irmão Marc.

Durante a guerra, a má sorte parece ter caído sobre o novo diretor. Quando Les Deux Timides terminou, seu principal intérprete, Claude Dauphin, juntou-se às Forças Francesas Livres: foi o bastante para que os alemães proibissem a exibição do filme. Yves filmou, então, um outro roteiro também escrito por ele e Brasseur, Tobie est un Ange; mas o negativo foi destruído em um incêndio. Na verdade, foi somente com a Libertação, após ter substituído Jean Choux na direção de A Tentadora / La Boîte aux Rêves / 1943, que o cineasta começou sua verdadeira carreira com Les Démons de l’Aube / 1945, filme homenageando a ação dos comandos franceses durante o conflito mundial.

André Cayatte

André Cayate (Carcassone, 1909 – Paris, 1989) abandonou a prática da advocacia, do jornalismo e da literatura para se dedicar ao cinema. Começou como roteirista (Entrée des Artistes, Águas Tempestuosas / Remorques etc.) e, de 1942 em diante, tornou-se diretor, estreando com o filme La Fausse Maîtresse, comédia sentimental vagamente inspirada em uma história de Balzac, com uma Danielle Darrieux em plena juventude, linda e encantadora. Depois desse sucesso, Cayatte fez outras adaptações da literature francesa como, por exemplo, Au Bonheur des Dames / 1943 (Zola) e Pierre et Jean / 1943 (Maupassant). Este último, na opinião de Pierre Leprohon (Présences contemporaines: cinéma, 1957), “exprimia um conflito familiar com tato, reconstituia o clima da época e os sentimentos de seus contempoâneos, sem ironia, com uma emoção discreta. Foi o único filme na sua obra que mereceu ser lembrado antes de Os Amantes de Verona”.

Robert Bresson

Robert Bresson (Bromont-Lamothe, 1907 – Paris, 1999) situou-se em uma posição excepcional no cinema francês e mundial tanto por suas obras como por sua personalidade. Era um caso particular um cineasta fechado em si mesmo, que nunca fez a menor concessão na busca do seu ideal estilístico, de fazer um cinema despojado e austero, para exprimir plasticamente o seu universo trágico.

Maria Casares em As Damas do Bois de Bolougne

Bresson estudou no Lycée Lakanal de Sceaux e foi fotógrafo e pintor antes de trabalhar no cinema. Aos 32 anos atuou como dialoguista de C’etait un Musicien, 1933 (Dir: Fred Zelnick, Maurice Gleize). Em 1934, dirigiu Les Affaires Publiques, um média-metragem burlesco-surrealista envolvendo o chefe de governo de um país fictício interpretado pelo palhaço Béby. Foi coroteirista de Les Jumeaux de Brighton / 1936 (Dir: Claude Heymann) e Courrier Sud / 1937 (Dir: Pierre Billon), e assistente de Henri Diamant-Berger em La Vierge Folle / 1938, e de René Clair em um filme inacabado (Air Pur / 1939). Em 1943, realizou seu primeiro longa-metragem, Os Anjos das Ruas e, logo em seguida, As Damas do Bois de Boulogne (na TV)/ 1945, filmes que ainda foram feitos dentro dos limites do cinema de qualidade da época, porém já demonstrando o rigor e a sobriedade de sua escritura.

Sacha Guitry em Le Destin Fabuleux de Désirée Clary

Abel Gance

Dos grandes diretores veteranos que ficaram na França durante a Ocupação, alguns se sentiram à vontade no novo regime. Sacha Guitry, que circulou nesses anos negros como vedete na vida mundana, onde se misturavam celebridades parisienses e os uniformes dos oficiais alemães, realizou três filmes (Le Destin Fabuleux de Désirée Clary / 1941; Donne-moi tes Yeux / 1943; e La Malibran / 1943). Ele foi ultrapassado, na adesão explícita ao regime de Vichy, por Marcel Pagnol, que rendeu homenagem ao marechal Pétain em La Fille du Puisatier / 1940, e sobretudo Abel Gance, cujo A Vênus Cega / Vénus Aveugle / 1941, estreou com a seguinte dedicatória: “É à França que eu gostaria de dedicar este filme, mas como ela se encarnou em vós, senhor Marechal, permita que eu, muito humildemente, o dedique a vós”.

Jean Grémillon

Charles Vanel e Madeleinere Renaud em O Céu lhe Pertence

Fernando Ledoux e Suzy Delair em Mulher Cobiçada

Houve outros, porém, que, sem se engajarem, continuaram a trabalhar como Jean Grémillon. Após ter terminado Águas Tempestuosas ele dirigiu dois grandes filmes, Lumière d’Été / 1943, um dos raros filmes do período em que aparecem operários vistos no canteiro de obras da construção de uma barragem, e O Céu lhe Pertence (na TV) / Le Ciel est a Vous / 1944, saudado com entusiasmo tanto pela imprensa clandestina da Resistência como pela imprensa colaboracionista. Grémillon devotou-se ainda à Cinémathèque Française, da qual foi presidente de 1943 a 1948. Após a Libertação, faria mais um filme admirável, Mulher Cobiçada / Pattes Blanches / 1948, que foi qualificado por um crítico como “uma das cantatas fúnebres mais austeras da tela”, e o excelente documentário Six Juin a l’Aube / 1945.

Carné, Prévert, Alain Cuny e Marie Dea na filmagem de Os Visitantes da Noite

Jules Berry em Os Visitantes da Noite

Carné dirige O Boulevard do Crime

Cena de O Boulevard do Crime

Marcel Carné e Jacques Prévert continuaram em atividade nos palcos de filmagem, sem se comprometerem com o poder. Carné, em 1940, havia recusado os convites da Continental e sido arrastado par a lama pelos jornais colaboracionistas (Lucien Rebatet: “Os subúrbios leprosos e brumosos que lhes servem de moldura exalam apenas sentimentos sórdidos (…) Seus heróis são assassinos medíocres, candidatos ao suicídio, sórdidos (…)”. No contexto reprimido da Ocupação, eles se voltaram mais para o fantástico/poético do que para o real, realizando Os Visitantes da Noite / Les Visiteurs du Soir e O Boulevard do Crime / Les Enfants du Paradis, dois dos filmes mais populares do cinema francês. O primeiro estreou em dezembro de 1942; o segundo, após a Libertação, na primavera de 1945.

Maurice Tourneur

Pierre Fresnay em A Mão do Diabo

Marcel L’Herbier

A tendência para o fantástico foi seguida por outros dois diretores da “velha guarda”, Maurice Tourneur e Marcel L’Herbier, e os filmes que respectivamente fizeram, A Mão do Diabo / La Main du Diable / 1942, e La Nuit Fantastique / 1942, representam seus melhores trabalhos durante o domínio alemão.

Filed under: Posts
by AC
No Comments »