FATOS E FIGURAS DE HOLLYWOOD E DA INDÚSTRIA DO CINEMA 1927-1929

1927

O Cantor de Jazz / The Jazz Singer da Warner Bros., dirigido por Alan Crosland, apresentando o processo de som Vitaphone, estréia no Warner Theatre em Nova York. O primeiro filme de longa-metragem falado é quase silencioso. Al Jolson fala menos que 350 palavras improvisadas, começando com “Wait a minute, wait a minute, you ain’t heard nothing yet!”. O filme contém o primeiro uso da dublagem: o ator sueco Warner Oland (que interpreta o pai de Jolson, o Cantor Rabinowitz) foi dublado pelo Cantor Litúrgico Josef “Yoselle” Rosenblatt.

Fundada a Academy of Motion Pictures Arts and Sciences- AMPAS  com Douglas Fairbanks como presidente. A fundação foi comemorada num banquete no Biltimore Hotel em Los Angeles.

Walt Disney lança The Skeleton Dance, o primeiro desenho animado da série “Silly Symphonies”.

O uso de filme pancromático estimula a demanda por lâmpadas incandescentes de tungstênio que funcionam bem com ele. Este tipo de iluminação também é preferível para filmes sonoros porque não produz o chiado das lâmpadas  de carbono.

Estreia de Paixão e Sangue / Underworld de Josef von Sternberg, a primeira filmagem de um roteiro de Ben Hecht. Hecht criou os arquétipos do gênero do filme de gângster e ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Original. A direção sofisticada de von Sternberg e a fotografia de Bert Glennon criaram uma obra de cinema pioneira e refinada, destacando-se a decoração no baile dos gângsteres cheia de serpen- tinas e os vestidos de Feathers (Evelyn Brent) cobertos de plumas bem como o assalto à joalheria, mostrado impressionisticamente: o relógio quebrado por tiros de revólveres, o empregado que se vira, a mão que recolhe os diamantes, a multidão se aglomerando.

Dorothy Arzner, a segunda diretora proeminente depois de Lois Weber, começa a  trabalhar na Paramount no seu primeiro filme A Mulher e a  Moda / Fashions for Women.

Estreia de Chang / Chang: A Drama in the Wilderness, um retrato da vida nas selvas do Sião, produzido e dirigido por Merian C. Cooper e Ernest B. Shoedsack,  que em 1933  farão King Kong / King Kong.

O antigo Laurel Canyon Home, hotel residencial de propriedade da atriz Alla Nazimova, é reaberto com o nome de The Garden of Allah Hotel.

Stan Laurel e Oliver Hardy trabalham juntos pela vez em Duck Soup. Produção de Hal Roach. Direção de Fred Guiol.

Norma e Constance Talmadge, Douglas Fairbanks e Mary Pickford são os primeiros astros a deixar suas pegadas no cimento em frente do Chinese Theatre de Sid Grauman que será concluído em breve.

Com o lançamento de O Não Sei Que das Mulheres / It , de  Clarence Badger, Clara Bow torna-se  a “It” Girl. A  Paramount pagou a Elinor Glynn, de cuja obra de ficção o filme foi adaptado, $50.000 para certificar que Clara Bow tinha “It”.

O Roxy Theater em Nova York, “The Cathedral of the Motion Picture”, o maior cinema do mundo com 6.214 lugares, é inaugurado com Gloria Swanson em O Amor de Sunya / The Love of Sunya.

Nicholas Schenck sucede Marcus Loew como chefe da Loew’s Inc., empresa controladora da MGM.

Fox Movietone News, “o primeiro cinejornal falado”, estréia no Roxy Theater.

O serviço combinado de dois dias de duração, aéreo e ferroviário, entre Los Angeles e Nova York tem início. Mary Pickford inaugura o primeiro vôo. O piloto é Charles Lindbergh.

Um cine-jornal e dois curtas-metragens são exibidos em um vôo transcontinental, os primeiros filmes a bordo na América.

A MPPDA elabora um “Código de Pureza” baseado na fórmula conhecida como  “Don’ts and Be Carefuls”, porque enumera 11 itens que “não poderiam aparecer nos filmes sem consideração da maneira pela qual fossem tratados” e 26 outros assuntos “com respeito aos quais os produtores teriam de tomar um cuidado especial para que a vulgaridade e a sugestionabilidade pudessem ser eliminadas”.

Em 1930, os “Don’ts and Be Carefuls” seriam substituídos pelo Motion Picture Production Code.

Joseph P. Kennedy empresário envolvido em diversas empresas cinematográficas durante a década de vinte e pai do futuro presidente dos EUA, Joseph F. Kennedy, encontra Gloria Swanson no Savoy Plaza Hotel em Nova York. Ela está procurando financiamento para seus filmes, que ele fornecerá. Eles se tornarão amantes.

Os Fuzileiros / Tell it to the Marines, de George  Hill, é um dos filmes que Lon Chaney fez de “cara limpa”. E ele tem um desempenho soberbo como  Sgt. O’ Hara, o militar durão que tenta fazer com que seus recrutas sejam bons fuzileiros navais.

Frank Capra começa a trabalhar  na Columbia Pictures.

Dois Cavaleiros Árabes / Two Arabian Knights gira em torno da rivalidade entre um sargento durão (Louis Wolheim) e um soldado esperto (William Boyd), durante a Primeira Guerra Mundial. Os dois parecem dedicar mais ódio um ao outro do que ao inimigo. Mas, quando são capturados pelos alemães, eles se unem, conseguem fugir disfarçados de árabes e embarcam num navio, para a Árábia, onde salvam uma jovem (Mary Astor) do cruel Emir de Jaffa (Michael Vavitch). O filme deu a Lewis Milestone o Oscar de Melhor Diretor de Comédia, categoria que nunca mais foi premiada.

O Rei dos Reis / The King of Kings de Cecil B. DeMillle inaugura o Chinese Theater de Sid Grauman no Hollywood Boulevard. Suntuosa recriação da Vida de Cristo com reverência sobre o assunto. A sequência da Ressurreição é em technicolor de duas cores.

Reorganizada a Educational Films Corporation agora com o nome de Educational Pictures Inc. Fundada em 1916 por Earle (E.W.) Hammons, a Educational lançava comédias curtas e também desenhos mudos inclusive os da série Felix, the Cat.

Mole-Richardson Co. (Peter Mole), fabricante de equipamentos de iluminação para os estúdios.

O ator de teatro Ray Raymond morre de ferimentos causados numa briga com o ator de cinema Paul Kelly. Eles estavam discutindo sobre a esposa de Raymond, a atriz Dorothy MacKaye, por quem Kelly estava apaixonado. Kelly é condenado por homicídio culposo e vai cumprir pena na prisão de San Quentin assim como Dorothy, por ter tentado encobrir o crime.

A Famous Players-Lasky muda sua denominação para Paramount, o nome mais conhecido da companhia de distribuição do estúdio.

Formada a Mascot Pictures Corporation (Nat Levine), dedicada à produção de  seriados e westerns B. Em 1935 ela se fundiria com outras empresas para formar a Republic Pictures.

Surgem os jornais cinematográficos falados Paramount News, Fox-Movietone News e Hearst – Metrotone News.

Amor de Boêmio / The Beloved Rogue, dirigido por Alan Crosland e deslumbrantemente filmado por Joseph August, apresenta John Barrymore como o poeta-aventureiro François Villon e Conrad Veidt como Louis XI. É um espetáculo excitante com Barrymore em grande forma.

Asas / Wings de William Wellman, com Clara Bow, Charles “Buddy” Rogers e Richard Arlen foi o único filme mudo a ganhar um Oscar da Academia. As cenas de combate aéreo durante a Primeira Guerra Mundial ainda impressionam.

A General / The General, é uma jóia cômica de Buster Keaton. Durante a Guerra de Secessão, Johnnie Gray (Keaton) é apaixonado pela sua locomotiva, a General, e também pela bela Annabelle Lee (Marion Mack). Johnny não é aceito pelo exército porque seria mais útil como maquinista. Sua noiva suspeita de que ele é um covarde. Porém, Johnnie vai provar o contrário, lançando-se sozinho à uma frenética perseguição dos nortistas que levaram sua locomotiva e Annabelle com ela. Durante esta busca enfrenta obstáculos físicos e objetos incríveis e ele faz isto sem ajuda de dublês.

Sétimo Céu / Seventh Heaven de Frank Borzage conta um drama romântico desenrolado na França durante a Primeira Guerra Mundial. Diane (Janet Gaynor), jovem parisiense, é salva das brutalidades de uma irmã mais velha e violenta  (Gladys Brockwell) por Chico (Charles Farrell), operário dos esgotos de Paris, cuja única ambição na vida é ser promovido a limpador de ruas. Após dizer às autoridades que ela é sua esposa, Chico a leva para o sétimo andar no topo de um prédio em ruínas onde mora – o sétimo céu do título. Logo se apaixonam e pretendem se casar mas a guerra irrompe e Chico é convocado. Os amantes prometem que se encontrarão em pensamento todos os dias às onze horas da manhã, não importa o que aconteça. Chico volta da frente de batalha cego, e é precisamente quando está cego, que ele vê claro. Ele, que se achava abandonado por Deus, não está sozinho. Diane está lá e estará sempre lá. Esta história de amor sentimental com uma dimensão mística foi narrada com muita ternura por Borzage e lhe proporcionou o Oscar de Melhor Diretor.

O Príncipe Estudante / The Student Prince de Ernst Lubitsch narra uma história de amor finalmente frustrada entre Karl (Ramon Novarro), príncipe herdeiro de um reino da Europa Central e Kathi (Norma Shearer), filha de um estalajadeiro. Cena admirável: o encontro de Karl e Kathi num jardim coberto de flores sob as estrelas brilhantes. Quando eles se deitam sobre a relva, o vento começa a soprar, primeiro lentamente, e depois com força, num crescendo que acompanha a manifestação de amor entre eles, para acalmar depois do beijo.

O Monstro do Circo / The Unknown de Tod Browning com Lon Chaney encerra uma trama de amor louco que vai crescendo até chegar a um clímax impressionante. Cena angustiante aquela em que Alonzo (Chaney) descobre que amputou seus braços em vão para conquistar o amor de Nanon (Joan Crawford) .

Lançamento de No Domínio das Ilusões / The Show de Tod Browning. Em uma atração de parque de diversões em Budapeste, Cock Robin (John Gilbert) interpreta o papel de João Batista e uma jovem (Renée Adorée) o de Salomé. Um rival, o Grego (Lionel Barrymore), tenta transformar o simulacro de execução de João Batista em realidade mas falha. Robin está com problemas com a polícia. Ele é escondido pela jovem. O grego tenta matar Robin de novo com a ajuda de um lagarto, mas é ele que é mordido. Filme estranho e doentio como Browning sabia fazer.

Lançamento de Vampiros da Meia-Noite / London After Midnight de Tod Browning com Lon Chaney; filme considerado perdido.

Tal como os outros filmes de aventura de Douglas Fairbanks, O Gaucho / The Gaucho de D.F. Richard Jones, é notável pelo seu estilo visual. Os cenários que a direção de arte criou – a gruta escarpada e coberta de hera,  os degraus brancos e imaculados que conduzem ao santuário, a complexidade das várias lojas dentro da Cidade do Milagre, as tavernas esfumaçadas e prisão escuras são apresentados romanticamente em belas imagens. Desta vez Fairbanks não maneja a espada, o chicote ou o arco e flecha mas a boleadora, a arma dos vaqueiros dos pampas argentinos. Mary Pickford numa breve aparição não creditada como a Virgem Maria.

Aurora / Sunrise de F.W.Murnau, é um triunfo de direção, fotografia, direção de arte, e interpretações. Os cinegrafistas Karl Struss e Charles Rosher ganharam o Oscar de Melhor Fotografia, assim como o filme pela “qualidade artística da produção”. Janet Gaynor ganhou o Oscar de Melhor Atriz (compartilhado por suas performances em Sétimo Céu / Seventh Heaven e O Anjo das Ruas / Street Angel). Cenas mais lembradas: a caminhada por um pântano enevoado durante a qual o Homem encontra a Mulher da Cidade, a jornada no Bonde, a transição do ambiente rural para a cidade agitada, a viagem de barco na tempestade.

O Gato e o Canário / The Cat and the Canary, comédia de humor negro em estilo expressionista tornou-se o arquétipo dos filmes de casa mal-assombrada. Neste primeiro filme realizado nos Estado Unidos pelo alemão Paul Leni, riquíssimo proprietário de um castelo coloca seu testamento em dois envelopes que só poderiam ser abertos vinte anos pós sua morte. Assim seus herdeiros serão como gato diante do canário, ocorrendo uma série de eventos misteriosos. Leni não procura disfarçar a origem teatral do argumento, mantendo uma unidade de lugar (o castelo), de tempo (a noite) e de ação (as consequências do testamento), mas narra a história de um modo visualmente estimulante, criando sequências nas quais o mistério de mistura com a comédia e o horror enquanto uma intriga policial prende a atenção do início ao fim. Interessante a mão enluvada de preto limpando a poeira de uma lápide para permitir a leitura dos créditos do filme.

Em Hotel Imperial / Hotel Imperial de Mauritz Stiller Pola Negri tem a chance de mostrar, mais do que nunca, todo seu talento e beleza. A melhor cena do espetáculo, é quando o general  Juschkiewitsch (George Siegmann), ao ouvir o álibi que a camareira Anna Sedlak (P.Negri) forjou para o tenente austríaco perseguido pelos russos Paul Almasy (James Hall), tenta tirar de seu corpo as roupas que ele lhe deu e ela o surpreende rasgando-as  dramaticamente na frente de todos.

Lançamento do último filme mudo de Mary Pickford, Meu Único Amor / My Best Girl, de Sam Taylor, comédia romântica deliciosa  e  cheia de charme. Charles “Buddy” Rogers é seu namorado no filme. Em 1937 ele se casaria com Mary na vida real. Uma das cenas engraçadas acontece logo no início do filme, quando a personagem de Mary, Maggie, ao carregar panelas em uma loja de departamentos, uma panela prende no seu pé e ela acaba perdendo  a ceroula, que é pega por outra pessoa. Outra boa cena cômica ocorre quando Maggie janta na casa da família Merrill sem saber que Joe, seu namorado, é o herdeiro. Ela se atrapalha com a etiqueta, usa os talheres errados, e até mastiga o  gelo de sua bebida.

Atores e Atrizes de maior bilheteria segundo pesquisa das Publicações Quigley: Tom Mix e Coleen Moore.

1928

Primeiro filme todo falado (no sistema Vitaphone): Lights of New York, drama criminal sobre um rapaz  do interior (Cullen Landis) que abre uma barbearia em Nova York e se envolve com contrabandistas de bebidas.

Paramount, Loew’s e United Artists adotam o sistema Movietone de som ótico.

Realizada a primeira cerimônia de entrega do Oscar.

Clara Bow está recebendo 35 mil cartas de fãs por mês, mais do que qualquer outro astro.

Darryl Zanuck assume o cargo de chefe de produção na Warner Bros.

Formada a Radio-Keith-Orpheum Corporation (RKO), pela fusão da FBO (Film Booking Offices of América) com o circuito de cinemas Keith-Albee-Orpheum; William Le Baron chefe da produção.

Raoul Walsh perde um olho em um acidente de carro enquanto dirigia No Velho Arizona / In Old Arizona. Irving Cummings assume a direção do filme.

Mickey Mouse estréia em O Vapor Willie / Steamboat Willie de Walt Disney,  primeiro desenho animado com som sincronizado. Mickey a princípio era chamado de Mortimer.

Estreia de Sedução do Pecado / Sadie Thompson de Raoul Walsh baseado no conto  “Rain” de Somerset Maugham com Gloria Swanson como uma prostituta expulsa de San Francisco que desembarca num ilha do Pacífico e sofre a hostilidade de um pastor puritano hipócrita, Alfred Davidson (Lionel Barrymore), enquanto é amada por um fuzileiro naval (Raoul Walsh). O confronto final entre Sadie e Davidson no quarto de Sadie enquanto a chuva cai incessantemente lá fora, tem grande intensidade emocional.

Warner Bros. compra a cadeia de cinemas Stanley.

William Fox tenta comprar a Loew’s, Inc., para criar a maior companhia da indústria.

O final de O Circo / The Circus de Charles Chaplin, quando o vagabundo, rejeitado pela dançarina equestre, dobra a estrela de papel e a chuta com o calcanhar, é um dos momentos mais humanos e poéticos da História do Cinema.

Filhinha Querida / The Patsy , comédia dirigida por King Vidor, é um dos melhores filmes mudos de Marion Davies. As imitações que ela faz de Pola Negri, May Murray e Lillian Gish são hilariantes. No mesmo ano ela brilhou em Fazendo Fita / Show People, também dirigido por Vidor e co-estrelado por Wiliam Haines. Neste filme ela é uma jovem do interior, Peggy Pepper, que tenta conseguir sucesso em Hollywood – e consegue (adotando o nome artístico de Patricia Peppoire), mas não como ela esperava. O  melhor momento do filme é sua imitação de Gloria Swanson. Há também a participação especial de vários grandes ídolos da tela na época como Chaplin, John Gilbert, Douglas Fairbanks, William Hart etc. Numa cena muito divertida, depois da estréia exitosa de seu primeiro filme, Peggy recebe um pedido de autógrafo de Charles Chaplin, não o reconhece, trata-o rudemente e quando lhe dizem quem ele é, desmaia.

Lançamento de O Homem Que Ri / The Man Who Laughs de Paul Leni. Apesar da infidelidade ao final, o filme mantém razoavelmente bem a atmosfera do romance de Victor Hugo. A virtuosidade da câmera, a invenção dos enquadramentos, uma montagem trepidante, a interpretação de Conrad Veidt (excelente como Gwymplaine, um órfão que foi desfigurado na sua infância ficando com a boca  como se estivesse sempre rindo) e Olga Baclanova, o destaque dado aos cenários, herdada certamente de sua rica experiência expressionista, contribuem para o êxito da realização.

Leo McCarey, que vinha supervisionado as comédias com Charlie Chase e Laurel e Hardy, deixa o estúdio de Hal Roach. Por enquanto Stan Laurel dirigirá seus filmes com Oliver Hardy.

A Dama Misteriosa / The Mysterious Lady de Fred Niblo é um melodrama de espionagem romântico visualmente suntuoso, destacando-se pela atuação fascinante de Garbo como Tania Fedorova, a espiã russa que seduz o oficial austríaco, Karl von Raden (Conrad Nagel). A sequência da cerimônia de degradação de von Raden  com os tambores rufando e a presença de um agrupamento do alto comando austríaco é uma das mais emocionantes do espetáculo.

Erich von Stroheim começa filmar Minha Rainha / Queen Kelly. É uma produção da Gloria Swanson Productions em parceria com seu amante Joseph P. Kennedy (pai do futuro Presidente Kennedy) e ficou inacabado porque, enfurecida pelo que considerava excessos de Stroheim, ela encerrou a produção após aproximadamente um terço do roteiro ter sido filmado. Eventualmente, o filme foi restaurado em uma versão de 97 minutos e assim foi possível verificar como Gloria estava linda, principalmente naquele momento em que sua personagem Patricia (que passa de pensionista de um orfanato religioso a cafetina em um bordel africano) pede perdão a Deus na capela como o rosto em close-up enquadrado por círios ardentes. Stroheim exibe sua característica predileção pelos detalhes insólitos e eróticos, por exemplo, os calções de Patricia deslizando até os pés no momento em que o belo príncipe passa com a tropa; a demoníaca rainha Regina (Seena Owen) perambulando quase nua pelo palácio com o gato branco nas mãos e depois chicoteando freneticamente a orfã aterrorizada; Patricia vestida de noiva   e o velho de muleta casando-se na presença de um padre africano, uma prostituta negra e outra branca, coroinhas negros e a tia agonizante.

Docas de Nova York / Docks of New York de Josef von Sternberg é um rival de Aurora / Sunrise como o apogeu visual do cinema mudo. A iluminação do filme é excepcional particularmente sobre o corpo do caldeireiro (George Bancroft) cheio de suor, negro como carvão diante do seu forno. Os ambientes da sala de máquinas do navio, do porto e da taverna são evocados pela admirável fotografia e pela disposição de elementos fotogênicos. Cordas, redes, fumaça, neblina, reflexos da luz dos lampiões sobre as águas, clarões no interior das caldeiras, âncora jogada no mar, um grande leme de madeira. Os movimentos de câmera também impressionam, como aquele que mostra Bancroft em um movimento contínuo através do cenário, carregando sua futura noiva (Betty Compson) nos braços no meio de farristas bêbados.

Lançamento de Alta Traição / The Patriot de Ernst Lubitsch com Emil Jannings; filme considerado perdido.

Lançamento de The Last Moment de Paul Fejos com Otto Matieson e Lucille La Verne; filme considerado perdido.

Lançamento de Os Quatro Diabos / The Four Devils de F.W.Murnau com Janet Gaynor Charles Morton, Barry Norton e Nancy Drexel; filme considerado perdido.

Exibido Vento e Areia / The Wind de Victor Seastrom. As cenas do casamento e da noite de núpcias são uma das mais brilhantes de todo o filme, combinando perfeitamente os dois motivos visuais e temáticos que enfatizam a contínua alienação de Letty (Lillian Gish), tanto do ambiente natural quanto do social. Um close-up do anel matrimonial sendo colocado no dedo de Letty funde-se com uma tomada do seu novo lar, a cabana de Lige (Lars Hanson) desarrumada, com pilhas de pratos sujos. Lige arremessa o chapéu de casamento de Letty para um cabide. Ela solta os cabelos e tenta lavar os pratos mas a bacia está cheia de areia; a areia também se infiltrou no leito nupcial, num presságio dos desastres que estão por vir.

Em Ridi, Pagliaci! / Laugh, Clown, Laugh, vemos mais uma esplêndida atuação de Chaney como o palhaço Tito, que encontra Simonetta, uma menina abandonada, e resolve adotá-la. A menina se torna uma linda jovem (Loretta Young aos 15 anos de idade). Quando Simonetta percebe que Tito está apaixonado por ela, a jovem deve escolher entre sua devoção a ele e o nobre rico que a pediu em casamento. Desenrola-se então, sob a direção firme de Herbert Brenon, um melodrama lacrimoso que o talento de Chaney transforma numa tragédia de partir o coração.

Estreia de Marcha Nupcial / The Wedding March de Erich von Stroheim. Seus astros são: ZaSu Pitts, Fay Wray e “the man you love to hate”, von Stroheim. Como nos outros filmes do cineasta, o lírico, o sórdido e o alegórico –  o flerte silencioso e a jovem do povo colocando um buquê de violetas dentro das botas do garboso oficial montado a cavalo;  o idílio de Nick (Stroheim ) e Mitzi ( Fay Wray) no parque coroado por flores de macieira e pelo luar; o aristocrata e o novo-rico rastejando no assoalho do prostíbulo, cada qual tentando explorar o outro, vendendo os filhos num infame contrato de casamento; a tentativa de estupro no matadouro entre as carcaças sangrentas dos animais; o fantasma do “Homem de Ferro” e as mãos do organista acompanhando a faustosa e lúgubre cerimônia de casamento que se transforma nas de um esqueleto – são conjugadas admiravelmente pelo poder de expressão de um extraordinário cineasta. A sequência da procissão de Corpus Christi foi filmada em technicolor de duas cores.

Ouro  / The Trail of ’98, com Dolores Del Rio, Ralph Forbes e Karl Dane, tem como tema a epopéia da descoberta do ouro no Klondike em 1898. O diretor Clarence Brown conduz a aventura com a devida dimensão épica, criando cenas espetaculares relacionadas com os perigos daquela região gelada. Para a sequência da tempestade de neve e da travessia do rio caudaloso, quando o filme passou nos cinemas, a tela foi alargada em duas vezes o seu tamanho normal, num sistema intitulado “Fantom Screen”, causando um impacto eletrizante.

Estreia de O Anjo das Ruas / Street Angel de Frank Borzage. Em Nápoles, Angela (Janet Gaynor), uma jovem pobre, tenta roubar para comprar remédios para sua mãe agonizante. Fugindo da polícia, ela vai se esconder num circo ambulante, onde se torna vedete e  conhece um pintor, Gino (Charles Farrell), que a faz posar para um retrato da Madona. Mas Angela é presa e ele, que se apaixonou por ela, fica desanimado e perde o interesse pelo seu trabalho. Libertada da prisão, Angela reconhece seu retrato em uma igreja e encontra Gino; ela o convence de que ainda é digna por ter posado para uma Madona. Drama romântico belissimamente fotografado, no qual encontramos os temas caros a Borzage: a sublimação e a redenção dos seres pelo amor.

O tema de A Turba / The Crowd de King Vidor é a solidão no meio de uma sociedade indiferente ou cruel que engole o indivíduo. Cena memorável: aquele momento em que John (James Murray) desce na rua para pedir o silêncio dos transeuntes para o repouso de seu filho doente – um dos momentos mais dilacerantes do entrecho.

Lançamento de A Última Ordem / The Last Command de Josef von Sternberg. O filme gira em torno de um arrogante ex-general das tropas do Czar da Rússia (Emil Jannings) que foge da Revolução em seu pais e acaba em Hollywood, trabalhando como figurante num grande estúdio. O final inesquecível mostra o ex-general morrendo, depois de enlouquecer, fazendo uma cena em que, com um uniforme igual aos que realmente usava dez anos antes, dá a sua última ordem, na trincheira, aos outros figurantes, que ele imagina como soldados verdadeiros.

Atores e atrizes de maior bilheteria segundo pesquisa das Publicações Quigley: Lon Chaney e Clara Bow.

1929

Ramon Novarro assina contrato com a RCA para gravar “The Pagan Love Song” do filme O Pagão / The Pagan  de W.S. Van Dyke,  que ele estrela. Será um dos primeiros sucessos musicais gerados por um filme silencioso com sequências musicais sincronizadas.

A Paramount proibe  Maurice Chevalier  de ter lições de Inglês ou fazer qualquer coisa que diminua seu sotaque.

Warner Bros, compra a First National Pictures.

Bosko the Talk-Ink Kid, o primeiro desenho animado sonoro com diálogo, é criado por Hugh Harmon e Rudolf Ising. Ele termina com “That’s All, Folks”. Em 1930, a Warner contratará Harmon e Ising para criar a série “Looney Tunes”, na qual a expressão seria usada mais comumente pelo Porky Pig (Gaguinho).

Carl Laemmle Jr. é nomeado chefe da produção na Universal como presente do pai seu  pelo seu vigésimo primeiro aniversário.

A Fox apresenta Follies / Fox Movietone Follies of 1929 em um processo de tela larga de 70mm denominado Fox Grandeur, desenvolvido por Earl Sponable. Os cinemas precisam de um equipamento  especial para exibí-lo.

A MGM introduz o Realife; a Warner, o Vitascope 65mm; a Paramount, o Magnafil 56mm; e a RKO, o Spoor-Berggren 63.5 mm.

Primeiro filme inteiramente iluminado por lâmpadas de tungstênio, substituindo os arcos de carbono conhecidos como Klieg Lights: Broadway / Broadway (Dir: Paul Fejos).

Walt Disney lança A Dança dos Esqueletos / The Skeleton Dance, primeiro desenho animado da série Silly Symphonies, no qual a atmosfera  e não um personagem em destaque, prevalece.

Os primeiros Óscares da Academia são entregues durante um banquete no Roosevelt Hotel em Hollywood, cobrindo filmes estreados em Los Angeles entre1 de agosto de 1927 e 31 de julho de 1928.

Lançamento de O Romance de Lena / The Case of Lena Smith de Josef von Sternberg com Esther Ralston, James Hall, Gustav von Seiffertitz; filme considerado perdido.

Amor Eterno / Eternal Love é um melodrama romântico de final trágico, sem uma grande contribuição de John Barrymore para a arte interpretativa, mas muito bem servido pelas lentes de Oliver T. Mars (que soube tirar vantagem da pitoresca aldeia suíça e da deslumbrante paisagem montanhosa que a cerca). E por alguns toques de Lubitsch neste filme pouco lubitscheano.

Sai o primeiro International Motion Picture Almanac.

Formada a SonoArt-World Wide Pictures, Inc.(J. Douglas Watson); a partir de  1932 denominada apenas World Wide Pictures e presidida por E. W. Hammons.

Broadway Melody / The Broadway Melody, dirigido por Harry Beaumont e estrelado por Anita Page e Bessie Love, estréia no Grauman’s Chinese Theater, anunciado como “Todo falado! Todo cantado ! Todo dançado ! Primeiro filme sonoro a ganhar o Oscar de Melhor Filme.

Lançamento do primeiro filme dos Irmãos Marx, Hotel da Fuzarca / The Cocoanuts.

A Mulher Domada / The Taming of the Shrew de Sam Taylor é o único filme co-estrelado por Douglas Fairbanks e Mary Pickford.

Hollywood Revue / Hollywood Revue of 1929 estréia no Grauman’s Chinese Theater com a maioria  dos astros da MGM falando e cantando e incluindo uma cena desastrosa de Romeu e Julieta com Norma Shearer e John Gilbert. Tem também uma nova canção, “Singin’ in the Rain”.

Exibido Evangelina / Evangeline de Edwin Carewe, baseado no drama histórico de H.W.Longfellow e estrelado por Dolores Del Rio. Destaque para a sequência na qual os ingleses incendeiam a aldeia e deportam à força os acadianos num navio de guerra. Foi a última das sete colaborações entre Dolores e seu devotado diretor.

Estreia de Solidão / Lonesome de Paul Fejos. No espaço de um dia, dois jovens solitários se encontram, se conhecem, se perdem um ao outro de vista. Depois, pela mais milagrosa das coincidências, se reencontram: eles eram vizinhos. Esta fábula realista foi no seu tempo um grande sucesso de público, merecidamente.

Estreia de O Último Aviso / The Last Warning de Paul Leni, drama criminal de mistério contendo os ingredientes clássicos do gênero como alguns elementos de horror (perspectivas distorcidas, ângulos inclinados, câmera baixa, jogo de sombras, sustos com teias de aranha ou rajadas de morcegos). A câmera desliza por todos os lugares  e a maior parte dos planos suscita espanto e admiração por causa do seu brilhantismo. Merece destaque ainda o desenho de produção de Charles D. Hall (colaborador do diretor também em O Gato e o Canário e O Homem Que Ri), notadamente o balcão barroco do teatro.

As Quatro Penas / The Four Feathers, excitante versão silenciosa do romance de aventuras de A.E.Mason, filmada parcialmente em locação na África por Lothar Mendes, Merian C. Cooper e Ernest B. Schoedsack,  com Richard Arlen, Fay Wray, Clive Brooks, William Powell nos papéis principais, ainda impressiona com muitas cenas de ação alvoroçadas entre elas uma debandada de hipopótamos empolgante.

Estrela Ditosa / Lucky Star é um drama romântico, espécie de resumo e culminância do universo muito pessoal de Frank Borzage, onde prevalecem a imaginação poética, o encantamento imagístico e a espiritualidade. Borzage cria uma atmosfera de conto de fadas inundada por enquadramentos belíssimos e cenas íntimas entre os dois jovens amantes magnificamente interpretados por Charles Farrell e Janet Gaynor

Atores e Atrizes de maior bilheteria segundo pesquisa das Publicações Quigley: Lon Chaney  e Clara Bow.

FATOS E FIGURAS DE HOLLYWOOD E DA INDÚSTRIA D0 CINEMA NOS ANOS VINTE.

Na elaboração deste trabalho – no qual pretendo proporcionar aos leitores uma visão abrangente do Grande Cinema Mudo e do Advento do Cinema Sonoro Norte-Americano – inspirei-me na obra indispensável de Gene Brown, Movie Time, a Chronology of Hollywood and the Movie Industry from its Beginnings to the Present, do qual colhí informações importantes e recorri ao meu livro Do Cinetoscópio ao Cinema Digital – Breve História do Cinema Americano, algumas outras fontes,  meu arquivo particular e às minhas lembranças de cenas marcantes de vários filmes.

FATOS E FIGURAS DE HOLYWOOD E DA INDÚSTRIA DO CINEMA 1920 -1926

1920

Os filmes americanos arrecadam um terço das receitas no mercado externo.

Marcus Loew assume o comando da Metro Pictures, que ele comprou como fornecedora de filmes para sua rede de cinemas.

Formada a CBC Sales Corporation (Harry e Jack Cohn e Joe Brandt), predecessora da Columbia Pictures.

Irving Thalberg, com apenas 20 anos de idade, é nomeado chefe da produção na Universal, em Hollywood.

Douglas Fairbanks inicia uma série de filmes de capa-e-espada populares com A Marca do Zorro / The Mark of Zorro de Allan Dwan. O casamento de Fairbanks com Mary Pickford é um importante evento cultural. O presente de casamento dela foi “Pickfair”, mansão de 22 quartos em Beverly Hills. Cena memorável em A Marca do Zorro: quando o herói tira a máscara e enfrenta o vilão como Don Diego, exibindo sua verdadeira identidade para espanto do pai, do sogro e de todos os presentes. Os feitos acrobáticos de Fairbanks neste filme são sensacionais.

Madame Dubarry, exibido nos Estados Unidos com o título de Passion, introduz para os norte-americanos o diretor Ernst Lubitsch e a atriz polonesa Pola Negri. Logo Lubitsch passou a ser chamado de “o Griffith da Europa”.

Charles Chaplin e Louis B.Mayer começam uma briga de socos na sala de jantar do Alexandria Hotel de Hollywood. Chaplin reagindo aos comentários que Mayer havia feito sobre o processo de divórcio do comediante com a atriz contratada de Mayer, Mildred Harris. Chaplin desfere o primeiro soco e é derrubado.

A Motion Picture Classics publica o primeiro artigo de revista de cinema sobre Rudolph Valentino, que está na filmagem de Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse / The Four Horsemen of the Apocalypse. O artigo diz que Nijinsky havia pedido a Valentino que lhe ensinasse a dançar o tango.

Horizonte Sombrio / Way Down East de David Wark Griffith tem lançamento especial no 44th St. Theater em Nova York. Seus astros são Lillian Gish e Richard Barthelmess. Gish deu tudo de si por Griffith neste filme, atuando ao ar livre no meio de uma nevasca, protegida apenas por um xale. Muitas de suas tomadas feitas em blocos de gelo não foram truques fotográficos. Ela estava onde parecia estar. Como no famoso clímax no qual  Gish fica à deriva num desses blocos.

A Famous Players Lasky, complementando suas instalações em Los Angeles, inaugura o Astoria Studios em Nova York, conhecido mais tarde como Kaufman Astoria, quando foi adquirido pelo incorporador imobiliário George S. Kaufman. Durante a Segunda Guerra Mundial o Astoria foi requisitado pelo Exército dos Estados Unidos. O local passou a abrigar o Signal Corps Photography Center (posteriormente renomeado Army Pictorial Center). Durante este tempo o espaço foi utilizado para produzir filmes de treinamento, documentários  e materiais de propaganda  militar, inclusive a famosa série Why We Fight, supervisionada por Frank Capra.

Formada a Preferred Pictures (B.P. Schulberg, J.G.“Jack” Bachmann e Al Litchman). Muitas das primeiras produções da companhia tinham como atriz principal Katherine MacDonald, depois substituída por Clara Bow.

Aperfeiçoada por George A. Mitchell a câmera Mitchell, durante muitos anos a câmera padrão na indústria de cinema norte-americana.

O seriado da Pathé Vivo ou Morto / Daredevil Jack, dirigido por W.S. Van Dyke, tem como astro o boxeador Jack Dempsey. Em 1926, outro boxeador, Gene Tunney, aparecerá no seriado Punhos de Aço / The Fighting Marine, dirigido por Spencer G. Bennet, pouco antes de sua luta com Dempsey.

Formada a Western Associated Motion Picture Advertisers (WAMPAS, que seleciona anualmente 13 jovens atrizes com possibilidades de se tornarem estrelas; entre as escolhidas como Wampas Baby Stars: Mary Astor, Joan Blondell, Dolores Del Rio, Janet Gaynor, Ginger Rogers, Fay Wray, Lupe Velez, Loretta Young etc.

Em O Médico e o Monstro / Dr. Jeckyll and Mr. Hyde, dirigido por John S. Roberston, o  desempenho brilhante de John Barrymore inspira esta produção bem feita do clássico de Robert Louis Stevenson. Na primeira etapa da transformação do médico no monstro ele não usou nenhuma maquilagem especial e não houve efeitos especiais de câmera. O médico se contorce diante das câmeras até aparecer aquela figura ponteaguda de olhos penetrantes e dedos aracnídeos.

O Último dos Mohicanos / The Last of the Mohicans tem Wallace Beery como Magua e Boris Karloff num pequeno papel como um índio. As sequências mais emocionantes são o massacre de Fort Williams e a perseguição de Cora (Barbara Bedford) por Magua e seu salto para a morte do alto de uma colina. Os planos em silhuetas de interiores escuros enquadrados em contraste com a luz são de grande beleza pictórica. Clarence Brown assumiu a direção quando Maurice Tourneur se acidentou.

Lançamento de A Ilha do Tesouro / Treasure island de Maurice Tourneur com Shirley Mason como Jim Hawkins; filme considerado perdido.

O advogado Jesse James Jr., filho do famoso fora-da-lei, assina contrato com a Mesco Pictures para interpretar seu pai em Jesse James Under the Black Flag e outros filmes.

Atores e atrizes de maior bilheteria segundo pesquisa das Publicações Quigley: Wallace Reid e Marguerite Clark.

1921

Roscoe “Fatty” Arbuckle (conhecido no Brasil como Chico Bóia) é preso em San Francisco acusado de ter causado a morte da jovem atriz emergente Virginia Rappe em uma festa aparentemente durante uma orgia no St. Francis Hotel em San Francisco. No dia seguinte cinemas em todo país retiram de cartaz os filmes do comediante. Arbuckle foi indiciado por homicídio culposo.

A boate Cocoanut Grove, decorada com palmeiras usadas em O Sheik / The Sheik (o filme que que transformou Rudolf Valentino em ídolo do cinema mudo), é inaugurada no Ambassador Hotel de Hollywood no Wilshire -Boulevard.

Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse / The Four Horsemen of the Apocalypse, grande sucesso da Metro, consolidou a popularidade de Valentino com a legendária cena do tango. Baseado no romance de Blasco Ibanez é uma história de primos que acabam lutando em campos opostos durante a Primeira Guerra Mundial. A entrada da cavalaria Uhlan (unidade militar alemã) na aldeia destruída e a aparição dos quatro cavaleiros evocados no filme – a peste, a guerra, a fome, a morte –  contribuem muito para a sua beleza visual.  A crítica da Variety coloca o diretor Rex Ingram “ao lado de Griffith”.

A Famous Players Lasky chega a um acordo com a empresa alemã Ufa para importar seus filmes para os EUA.

Em Flor de Paixão / Passion Flower  a personagem de Norma Talmadge tem o nome de Acácia. Ela despreza o seu padrasto Esteban (Courtenay Foote) e aceita casar com seu primo, Norbert (Harrison Ford). Secretamente apaixonado por Acácia, Esteban arma um esquema para acabar com o noivado, desenrolando-se vários acontecimentos trágicos. O filme, realizado por Herbert Brennon, recebeu muitos elogios, tendo sido classificado como o drama mais forte no qual Norma apareceu.  Coincidentemente Norma ganhou o apelido de “Papoula Viçosa” no Brasil graças ao enorme sucesso de seu filme Poppy / 1917 de Edward Jose, que ficou conhecido aqui pelo mesmo nome do apelido.

Fusão da First National com a Associated Producers, resultando a Associated First National.

Formadas a Inspiration Pictures, Inc. e a Tiffany Productions; de 1927 a 1929 o diretor John M. Stahl foi associado com a companhia, que se tornou conhecida como Tiffany-Stahl Productions.

Usado o sistema de som photokinema (Orland E. Kellum) em um filme de D.W. Griffith, A Rua dos Sonhos / Dream Street.

Lançado Marinheiro de Água Doce / A Sailor-Made Man, primeiro longa-metragem de Harold Lloyd.

As Aventuras de Anatólio / The Affairs of Anatol, de Cecil B. DeMille, é uma comédia dramática com roteiro de Jeannie Macpherson sugerido pela peça de Arthur Schnitzler, na qual um sedutor, Anatol De Witt Spencer  (Wallace Reid), tem várias aventuras  que também são decepções e que sempre o trazem de volta para sua esposa Vivian (Gloria Swanson).  As cenas mais aclamadas são o encontro de Anatol com a personagem Satan Synne (Bebe Daniels), a mulher mais perigosa de Nova York,  usando seu vestido chocante e extravagante com motivo de polvo e o momento em que Anatol, furioso, destrói o apartamento de Emilie (Wanda Hawley). Destaque para a direção de arte de Paul Iribe. O vestido polvo foi desenhado por Clare West.

Os Três Mosqueteiros / The Three Musketeers de Fred Niblo é uma aventura de época robusta, com Fairbanks como um vigoroso D’Artagnan, tem cenários suntuosos, elenco numeroso e vestuário magnífico. Sobressai a sequência do combate contra os guardas do Cardeal, quando Fairbanks desce pelo corrimão de uma escadaria e enfrenta um número incrível de adversários.

Orfãs da Tempestade / Orphans of the Storm de D.W.Griffith, melodrama histórico suntuoso tendo como pano de fundo a Revolução Francesa, estrelado por Dorothy e Lillian Gish, estreia em Boston. São duas irmãs, Henriette (Lillian) e Louise (Dorothy), que chegam a Paris, em 1879, para que Louise fosse curada de sua cegueira. Louise é tiranizada por uma horrível megera e Henriette  sequestrada por um nobre depravado. A Revolução ocorre. As moças vão ser guilhotinadas quando (implausivelmente, por pura invencionice cinematográfica) Danton, chegando a galope, as salva no último minuto. Os close-ups de Lillian têm um brilho e uma beleza inigualáveis.

O Garoto / The Kid,  é o primeiro longa-metragem de Charles Chaplin.  Trata-se de uma comédia sentimental e, em certas sequências, puro melodrama. O talento de Chaplin e do garoto Jackie Coogan se equilibram perfeitamente, há uma dosagem perfeita entre o riso e as lágrimas. Inesquecíveis as cenas em que Chaplin vidraceiro conserta as vidraças quebradas pelo menino.

Rodado em locação na Virginia, David, o Caçula / Tol’able David, de Henry King com Richard Barthelmess, é uma celebração da vida rural mostrando um jovem camponês ingênuo e dócil, que assumiu a responsabilidade de entregar o correio postal, obrigado a enfrentar três criminosos que mataram seu cachorro, aleijaram seu irmão e indiretamente causaram morte de seu pai. É uma narrativa de amadurecimento e superação. O título do filme se refere ao fato de David se tornar um homem “razoável” ou capaz,  e o final sela essa transição de menino para homem. No ano seguinte, a Photoplay descreveria Barthelmess como “o ídolo de todas as garotas da América”.

Em Eugenia Grandet / The Conquering Power, estrelado por Rudolph Valentino e Alice Terry, o grande pictorialista do cinema mudo Rex Ingram realiza um filme plasticamente impecável e com belas cenas de amor. Um dos momentos mais intensos da narrativa baseada no romance de Balzac é o das alucinações do Père Grandet (Ralph Lewis), no qual ele vê mãos esqueléticas saindo das paredes e o fantasma de sua falecida esposa, até ser esmagado pelo baú de ouro.

Atores e atrizes de maior bilheteria segundo pesquisa das Publicações Quigley: Douglas Fairbanks e Mary Pickford.

1922

O diretor William Desmond Taylor é encontrado morto na sua residência.

Fatty Arbuckle absolvido por falta de provas após três julgamentos.

Ex-chefe geral dos Correios, Will Hays, à frente da recém-formada Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA), torna-se o “czar “da indústria cinematográfica de Hollywood. Ele criou o código de autocensura dos filmes.

Flor de Lotus / Toll of the Sea de Chester M. Franklin com Anna May Wong no papel principal é o primeiro filme de longa-metragem em Technicolor (de duas cores).

The Power of Love, filmado no processo estereoscópico Fairall-Elder, é provavelmente o primeiro filme de longa-metragem em 3-D.

Lançada por Hal Roach a primeira comédia da série Os Peraltas / Our Gang.

Nanook do Norte / Nanook of the North de Robert Flaherty, documentário sobre esquimós, estréia no Capitol Theatre na cidade de Nova York.

Formadas a Buster Keaton Productions Inc. (Joseph Schenck) –  como sucessora da Comique Film Corporation, que produzia os filmes de Roscoe “Fatty” Arbuckle – e a Principal Productions, Inc. (Sol Lesser).

Rudolph Valentino é o astro de Sangue e Areia / Blood and Sand (Dir: Fred Niblo), com Lila Lee e Nita Naldi. O jovem toureiro Juan Gallardo (Valentino) casa-se com sua amiga de infância, Carmen (Lila Lee). Mas se deixa seduzir pela bela Doña Sol (Nita Naldi). As cenas do herói sendo seduzido, vistas hoje, despertam o riso, mas as cenas de tourada resistem bem.

Samuel Goldwyn, destituído da presidência da Goldwyn Pictures Corporation, deixa a companhia e forma a Samuel Goldwyn, Inc. A Goldwyn Pictures foi fundada  em 1916 por Samuel Goldfish (mais tarde Samuel Goldwyn) e os produtores da Broadway, os irmãos Edgar and Archibald Selwyn. O nome Goldwyn é uma combinação de Goldfish e Selwyn. A companhia seria adquirida por Marcus Loew em 1924.

Robertson-Cole Pictures Corporation (H. S. Robertson, Rufus S. Cole) reorganizada como Film Booking Office of America (FBO).

Inaugurado em Los Angeles o cinema Egyptian de Sid Grauman com a estreia de Robin Hood / Robin Hood, dirigido por Allan Dwan e estrelado por Douglas Fairbanks. Pela primeira vez são usados holofotes numa première. Fairbanks está sensacional principalmente na maravilhosa descida do herói por uma cortina imensa e majestosa existente no vasto salão do enorme castelo projetado pelo diretor de arte Wilfred Buckland.

Incêndio na Universal City causa prejuízo de $500,000 e destrói os únicos negativos de Under Two Flags de Tod Browning, que terá que ser refilmado.

A atriz polonesa Pola Negri chega em Los Angeles para fazer filmes para a Famous Players.

Jackie Coogan (Oliver) e Lon Chaney (Fagin) são os astros de Oliver Twist / Oliver Twist, dirigido por Frank Lloyd. O espetáculo que acompanha a apresentação inclui o Balé Russo Fokine. Entre as melhores cenas destaca-se aquela em que Fagin  ensina seus pupilos a bater carteiras, inclusive Oliver.

Zaza (Gloria Swanson), jovem soubrette do music-hall em uma pequena cidade francesa, se apaixona pelo diplomata Bernard Dufresne (H.B. Warner) que ela acredita ser solteiro. Quando fica sabendo da verdade por Floriannne (Mary Thurman), uma colega invejosa, ela o libera, apesar das ofertas dele de se divorciar. Anos mais tarde, Zaza se reencontra com Dufresne depois da morte de sua esposa. Neste drama romântico (cujo título é o nome da protagonista), dirigido por Allan Dwan, a transformação de Zaza numa parisiense elegante é excelente, repetindo as roupas e o glamour que a elevaram ao estrelato com De Mille.

O astro do vaudeville Harry Langdon, assina contrato para fazer filmes para a Principal Pictures de Sol Lesser. Porém Lesser vende seu contrato para Mack Sennet, onde Langdon inicia a sua carreira cinematográfica.

Exibido Esposas Ingênuas / Foolish Wives de Erich von Stroheim. Neste melodrama folhetinesco Stroheim pinta um quadro de costumes cheio de maldade e mentira, um universo de horror e falsidades, as falsas aparências e os falsos sentimentos. Ninguém esquece Karamzin (Stroheim) dando as costas para a esposa do embaixador que se despe, mas espiando às escondidas por um pequeno espelho ou  a visita de Karazim ao quarto da jovem abobalhada. Chama atenção o incrível cenário retratando a fachada do cassino de Monte Carlo com o máximo de exatidão.

Em O Prisioneiro do Castelo de Zenda / The Prisoner of Zenda de Rex Ingram quem faz o papel de Rudolf Rassendyll, o plebeu forçado a se fazer passar por seu sósia, o herdeiro do trono da Ruritania, é Lewis Stone, numa interpretação carismática. No papel do vilão Rupert of Hentzau, Ramon Novarro aos 22 anos de idade, ainda creditado como Ramon Samaniego, também se destaca. Este filme catapultou-o para o estrelato. Alice Terry é a Princesa Flavia e Barbara La Marr faz Antoinette de Mauban, o objeto de luxúria de Hentzau.

No País das Tormentas / Tess of the Storm Country é um melodrama dirigido por John S. Robertson e belíssimamente fotografado por Charles Rosher, no qual Mary Pickford passa do humor às cenas de arrancar lágrimas com extraordinária desenvoltura. Basta citar a sequência intensamente dramática  na qual Mary, como Tess, entra na igreja com um bebê moribundo no colo. Ele é filho ilegítimo de Teola (Gloria Hope). Logo na entrada, ela se ajoelha diante de um vitral reproduzindo a figura do Cristo com uma criança nos braços. Depois caminha em direção ao altar e pede que o padre batize o pequenino. Diante da recusa, ela vai à pia batismal e realiza ela mesma o sacramento.

Atores e Atrizes de maior bilheteria segundo pesquisa das Publicações Quigley: Douglas Fairbanks e Mary Pickford.

1923

Wallace Reid morre aos 32 anos de idade num sanatório. O vício em drogas e álcool deste ator, conhecido por retratar rapazes universitários recatados, dá força às demandas para que Hollywood limpe sua imagem.

Irving Thalberg aos 24 anos de idade deixa a Universal para se tornar assistente de produção do produtor independente Louis B.Mayer.

Formada a Warner Bros. Pictures (Harry Warner, presidente; Jack Warner, chefe da produção).

O primeiro filme americano de Ernst Lubitsch, Rosita, estrelado por Mary Pickford, estreia no Lyric Theater. Mary estava orgulhosa de ter trazido Lubitsch para a América mas o descreveu como “um diretor de portas”, acrescentando, “ ele não me entendia”. No entanto, apesar de sua incompatibilidade, eles fizeram um filme maravilhoso. Mary está excelente como a cantora de rua que flerta e diverte as massas. Uma excelente cena de comédia ocorre quando Rosita, faminta, é levada ao palácio pela primeira vez, onde ela avista uma taça grande cheia de doces. Enquanto Rosita passa repetidas vezes diante da taça e sai do quadro, a câmera fica paralizada focalizando a taça. Após alguns momentos de hesitação, a jovem apanha um bombom e põe na sua boca, partindo logo para fazer o mesmo com outro. Esta  cena é um exemplo perfeito de como Lubitsch e Pickford casaram seus estilos harmoniosamente. A colocação da câmera é puro Lubitsch. A ação cômica, muito bem cronometrada, é Pickford pura.

Walt Disney, seu irmão Roy e Ub Iwerks formam o Disney Bros. Cartoon Studio produzem o primeiro desenho de uma série, Alice in Cartoonland, que misturava uma menina de verdade (Virginia Davis) com cenários e personagens de animação.

Introduzido pela Eastman Kodak o filme de 16mm.

Companhia construtora coloca um letreiro na Hollywood Hills, com a palavra “Hollywoodland”, para anunciar uma incorporação de imóveis em Beachwood Canyon, Los Angeles.

Os Bandeirantes / The Covered Wagon de James Cruze, é precursor dos westerns épicos, acompanhando uma caravana de carroças e seus combates contra os índios e as intempéries. Rodado inteiramente em locação.

Em O Corcunda de Notre Dame / The Hunckback of Notre Dame  de Wallace Worsley com Lon Chaney como Quasimodo a interpretação de Chaney é notável, notadamente naquela cena do pelourinho em que Quasimodo é açoitado por ter tentado raptar Esmeralda (Patsy Ruth Miller). A maquilagem de Chaney é impressionante.

Nossa Hospitalidade / Our Hospitality contém uma das cenas de ação mais extraordinárias e perigosas do cinema: o personagem de Buster Keaton, William McKay, cai em um rio. Sua namorada, Virginia (Natalie Talmadge) tenta ajudar, e ela também cai. Pendurado em uma corda, movida por um movimento pendular, ele se apodera da heroína por cima de uma cachoeira.

Lançamento de O Homem Mosca / Safety Last! de Harold Lloyd. A cena da escalada do prédio ainda hoje causa arrepios. Coisas terríveis lhe acontecem. Um rato lhe entra por baixo da calça, e a multidão, embaixo, ovaciona a dança desesperada que o intrépido desconhecido executa no beiral de uma janela.  Mais adiante, é forçado a se pendurar num mastro de bandeira inclinado, na fachada do prédio, para fugir de um cão enfurecido que surgiu de uma das janelas; o mastro se quebra e ele despenca, conseguindo, porém, agarrar-se ao ponteiro de minutos de um enorme relógio. Acaba prendendo o pé numa corda e ficando dependurado de cabeça para baixo sobre o abismo.

Casamento ou Luxo / A Woman of Paris de Charles Chaplin exibido na inauguração do opulento Criterion Theater em Hollywood. É o único filme de Chaplin da época silenciosa no qual ele não atua como protagonista. Os protagonistas são Adolphe Menjou e Edna Purviance. Esta tentativa de fazer um filme sério (sem ele como astro), bastante sofisticada para sua época, é um retrato de costumes sociais  irônico e cruel, frio e realista.

Estreia de Os Dez Mandamentos / The Ten Commandments de Cecil B. DeMille no Egyptian Theatre de Sid Grauman em Hollywood. Este filme de grande espetáculo mostra na primeira parte a libertação do povo judeu; Moisés (Theodore Roberts) no Sinai para receber os Dez Mandamentos; a adoração do bezerro de ouro; a volta de Moisés. Na segunda parte, a história moderna de dois irmãos que amam a mesma mulher. Os cenários egípcios são admiráveis e as cenas de multidão impressionam. Várias cenas em technicolor de duas cores.

Lançamento do primeiro filme de Rin-Tin-Tin, Onde o Norte Começa / Where the North Begins. Um filhote de pastor alemão é perdido quando está sendo transportado através do Alaska e  adotado por uma matilha de lobos. Como cão lobo adulto, Rin-Tin-Tin resgata Gabriel Dupré (Walter McGrail), um jovem franco-canadense, quando este é atacado carregando peles através do Canadá e abandonado para a morte. Dupré e Rin-Tin-Tin ficam amigos: o cão eventualmente salva a namorada de Dupré quando ela corre perigo.

Scaramouche / Scaramouche é um dos filmes mais atraentes e  populares de Rex Ingram, baseado no romance de Rafael Sabatini sobre a Revolução Francesa. A beleza visual da produção e a fotografia primorosa de John Seitz são o ponto alto do espetáculo. Ramon Novarro e Alice Terry são os astros mas quem rouba o filme é Lewis Stone como o ignóbil Marquês de la Tour d’Azyr.

Irmã Branca / The White Sister de Henry King conta a história de uma mulher inocente (Lillian Gish) que é vítima de sua meia-irmã, e depois fica sabendo que o amor de sua vida, um oficial militar (Ronald Colman), foi morto. Com isso, ela decide se tornar freira,  numa bela cerimonia de tomada de véu. Esta produção luxuosa filmada na Itália, apresenta um clímax dramático envolvendo a erupção do Monte Vesúvio.

Atores e Atrizes de maior bilheteria segundo pesquisa das Publicações Quigley: Thomas Meigham e Norma Talmadge.

1924

O Douglas Fairbanks Studio (companhia produtora independente que ele iniciou em 1916) é o primeiro a comprar uma Moviola (inventada pelo holandês Iwan Serrurier).

O produtor/diretor Thomas Ince morre sob circunstâncias misteriosas no iate de William Randolph Hearst. Há rumores de que Ince foi baleado por Hearst, que o confundiu com Charles Chaplin, o qual estava tendo um caso com a amante de Hearst, Marion Davies.

O Ladrão de Bagdad / The Thief of Bagdad  de Raoul Walsh é exibido no Liberty Theater em NovaYork, onde os lanterninhas vestidos como árabes servem café turco somente para as frequentadoras. A Polícia tem que formar uma barreira humana para fazer passar Douglas Fairbanks e Mary Pickford pela multidão lá fora. Na tela, efeitos visuais revolucionários, cenários deslumbrantes e o atletismo impressionante de Fairbanks.

CBS Sales Company torna-se Columbia Pictures: Harry Cohn chefe da produção.

A Metro Pictures, Goldwyn Pictures (com as quais Samuel Goldwyn não está mais conectado), e Louis B.Mayer Company anunciam sua fusão para formar a Metro-Goldwyn Pictures. Marcus Loew cuja grande rede de cinemas vai exibir seus filmes, lidera a nova companhia com Louis B.Mayer encarregado da produção. O supervisor de produção de Mayer, Irving Thalberg, ocupará o mesmo cargo na nova companhia. Nos primeiros meses seus filmes são apresentados como “A Metro Goldwyn Picture, produced by Louis B.Mayer” até que, sob insistência de Mayer, a companhia se torna Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).

Formada a Harold Lloyd Film Corporation (Harold Lloyd).

Paramount, a companhia distribuidora controlada pela Famous Players-Lasky, torna-se mais famosa do que sua matriz, causando um problema de identificação corporativa. A solução é uma nova linha nos anúncios: “Production of Famous-Lasky, a Paramount picture”.

Fundado o laboratório Consolidated Film Industries por Herbert J. Yates.

Bancando o Águia / Sherlock Jr. de Buster Keaton, é um dos filmes mais surpreendentes do grande cômico, com gags muito inventivos e sofisticados de essência surrealista, alguns espetaculares (v. g. quando ele atravessa o corpo de um de seus parceiros). Um cineasta prodigiosamente moderno.

Criada a Association Of Motion Pictures Producers.

Joseph Schenck reorganiza a United Artists.

Formada a Producers Distributing Corporation -PDC (Jeremiah Milbank, Cecil B.De Mille).

O Gavião do Mar / The Sea Hawk,  drama histórico de aventura marítima dirigido por Frank Lloyd, é uma adaptação fiel do romance de Rafael Sabatini, com Milton Sills no papel principal. As galés foram construídas em tamanho normal proporcionando cenas de batalhas impressionantes como a sequência da revolta dos escravos na galé espanhola seguida pelo ataque dos mouros.

Ironia da Sorte / He Who Gets Slapped  de Victor Seastrom, primeiro filme da MGM apresentando o icônico logotipo do leão rugindo, tem no elenco Lon Chaney (Paul Beaumont, o cientista que se tornou um palhaço de circo), John Gilbert (Bezano) e Norma Shearer (Consuelo). A melhor cena é o número de Paul no circo. Cercado por 60 palhaços e pelo dono do circo Tricaud (Ford Serling) ele começa o espetáculo recebendo bofetadas e confunde-as com as gargalhadas dos espectadores dos acadêmicos na Academia de Ciências. De repente Paul avista Regnaud (Marc McDermott) na plateia enquadrado em máscara pela câmera. Paul quer falar alguma coisa, gritar contra o maldito traidor porém os palhaços não deixam, esbofeteando-o, amordaçando-o, amarrando seus braços e depois levando-o para fora do picadeiro. Tricaud traz ele de volta e sucede-se seu “enterro” num ritual desempenhado pelos palhaços.

Estreia de Peter Pan / Peter Pan, primeira adaptação cinematográfica da peça homônima de Sir James M. Barrie, dirigida por Herbert Brenon. Neste filme mudo de fantasia ele é retratado por Betty Bronson. Ela foi escolhida pessoalmente pelo autor do livro para interpretar o papel do “menino que não queria crescer”. No elenco: Esther Ralston como Mrs. Darling, Mary Brian como Wendy, Virginia Brown Faire como a fada Tinkerbell e Anna May Wong como Tiger Lily. Os efeitos especiais de Roy Pomeroy e ótima fotografia de James Wong Howe sustentam o alto nível do espetáculo. A sequência da luta de espada dos meninos contra os piratas do Capitão Hook (Ernest Torrence) é fascinante!

Exibido O Círculo do Casamento / The Marriage Circle  a primeira das sátiras sociais de Ernest Lubitsch sobre os flertes e infidelidades de vários personagens. No elenco: Florence Vidor, Monte Blue, Marie Prevost, Creighton Hale e Adolphe Menjou. Filme de Lubitsch favorito de Chaplin, Hitchcock e Kurosawa, serviu de modelo para vários cineastas, pelas sutilezas eróticas e psicológicas, pelas elipses e detalhes significativos.

Estreia de O Belo Brummel / Beau Brummel, dirigido por Harry Beaumont e estrelado por Mary Astor e John Barrymore. Barrymore tem um de seus melhores papéis nesta opulenta versão da peça de Clyde Finch sobre a ascenção e queda de um dândi arrivista do século dezenove que faz amizade com o Príncipe de Gales. Astor, aos 17 anos de idade, é a linda jovem de sangue azul com quem ele tem um caso de amor fadado ao  fracasso.

Escravizada / Manhandled, é uma ótima comédia no qual Gloria Swanson interpreta o papel de uma jovem vendedora numa loja de departamentos que está querendo melhorar de vida. O filme foi conduzido por Allan Dwan com muita alegria e dinamismo. A sequência no metrô mostra Swanson no auge de seu talento cômico.

O Cavalo de Ferro / The Iron Horse de John Ford com George O’Brien e Madge Bellamy pode ser considerado o grande western dos anos 20. Conjugando com felicidade a ação individual e a epopéia coletiva, o filme teve como aspectos mais notáveis o emprego dinâmico da câmera e os efeitos de fotografia e montagem nas cenas dos ataques dos índios – inesquecível a sombra dos peles-vermelhas nos vagões do trem.

O Maricas / Girl Shy, dirigido por Fred Newmayer e Sam Taylor, é uma comédia muito divertida de Harold Lloyd sobre um aprendiz de alfaiate tímido que ama em segredo uma moça rica. Ele escreveu um livro Como Seduzir as Mulheres, e quer editá-lo. O rapaz tenta salvar a moça das garras de um caçador de dotes e chegará a tempo de impedir o casamento. A corrida final de carro, a cavalo, de bonde e de motocicleta é sensacional.

Ouro e Maldição / Greed de Erich von Stroheim exibido no Hearst Cosmopolitan Theatre em Nova York. Drama pungente da degradação de três seres humanos (Trina / Zasu Pitts, McTeague / Jean Hersholt, Marcus / Jean Hersholt), impulsionados pela frustração, pela miséria e pela voracidade. O final no Vale da Morte é impressionante: McTeague tira a vida do ex-amigo Marcus sem perceber que este o havia algemado. Forçado a arrastar o corpo inerte de Marcus e extenuado pelo sol inclemente do deserto, McTeague aguarda o fim trágico ao lado da mula morta, do cantil vazio e das moedas de ouro espalhadas na areia.

Atores e atrizes de maior bilheteria de acordo com pesquisa do Film Daily entre os exibidores: Harold Loyd e Gloria Swanson.

1925

John Gilbert alcança o estrelato com O Grande Desfile / The Big Parade de King Vidor. Uma grande cena ocorre quando a companhia recebe ordens de seguir em frente e James (John Gilbert) promete a Melisande (René Adorée) que vai voltar. Desesperada, ela corre atrás do caminhão que conduz a tropa, abraça as pernas de James, sendo arrastada pela viatura no esforço vão de impedir sua partida. James lhe joga seu relógio, sua corrente, sua bota militar e ela cai de joelhos na estrada.

A MGM contrata Greta Garbo.

Louise Brooks estreia na tela em O Mendigo Elegante / Street of Forgotten Men de Herbert Brenon em um papel não creditado.

A Warner Bros. compra a Vitagraph Company., uma das mais importantes produtoras de filmes mudos do início da indústria cinematográfica.

Samuel Goldwyn entra para a United Artists.

Estreia de O Calouro / The Freshman, de Fred Newmeyer e Sam Taylor, o filme mais popular de Harold Lloyd.  A sequência clímax da partida de futebol americano é um dos vários destaques cômicos, salientando-se também a cena do baile da faculdade, quando o terno de Harold se desfaz completamente enquanto ele dança.

Cecil B.De Mille, que deixou a Famous Players-Lasky, monta seu próprio estúdio em Culver City.

Valentino assina contrato com a United Artists. Seu contrato estipula que sua esposa Natacha Rambova, que exerce grande influência sobre seu marido, ficará longe enquanto ele trabalha.

Lon Chaney, emprestado da Universal pela MGM, é o astro de O Fantasma da Ópera / Phantom of the Opera. Chaney é o compositor louco e desfigurado que vive nos subterrâneos da Ópera de Paris e busca o amor de uma jovem cantora de ópera (Mary Philbin). A cena famosa em que ele é desmascarado ainda causa impacto e o Baile de Máscaras é especialmente impressionante em technicolor de duas cores. Direção de Rupert Julian.

Em Este Mundo é um Teatro / Stage Struck de Allan Dwan Gloria Swanson é uma jovem garçonete que sonha em se tornar atriz. No começo do filme ela é vista em technicolor de duas cores, vestida com roupas fabulosas e exóticas como se fosse uma atriz famosa, supostamente recriando seus grandes papéis entre eles o de Salomé. Porém trata-se de uma sequência de sonho. A garçonete é então apresentada em trajes comuns tentando conquistar o coração de seu colega de trabalho. Como ele só tem olhos para as atrizes, ela resolve alcançar a fama, sucedendo-se episódio cômicos.

Na estréia de Em Busca do Ouro / The Gold Rush de Charles Chaplin, quinze mil fãs lotam o Grauman’s Egyptian Theater em Hollywood para ver a chegada de Chaplin, Cecil B.DeMille, Marion Davies e William Randolph Hearst, Harold Lloyd, Norma Talmadge, Gloria Swanson, Douglas Fairbanks e Mary Pickford, John Barrymore, Mabel Normand, Fatty Arbuckle, Tom Mix em um smoking branco, e Rudolph Valentino. Cenas inesquecíveis do filme são a dança dos pãozinhos na solidão da noite do Ano Novo e a refeição com o sapato.

Criada a Central Casting Corporation, empresa de seleção de elenco  especializada na contratação de figurantes, dublês de corpo e substitutos para atores.

Em Sete Oportunidades / Seven Chances, dirigido por Buster Keaton, seu personagem, o tímido James Shannon, para ganhar uma herança, da qual necessita muito, deve se casar naquele dia mesmo, antes das 17 horas. Mary ( uma jovem Jean Arthur), operadora de central telefônica à qual ele jamais ousou se declarar, recusa sua proposta, achando que foi feita por interesse. Um pequeno anúncio no jornal leva à sua perseguição por uma centena de postulantes, que se lançam em sua perseguição. O espetáculo culmina no momento em que James deve escolher entre enfrentar uma avalanche de pedregulhos enormes ou as centenas de “noivas” enlouquecidas.

Fundada a Astor Pictures, mais lembrada por suas reprises de filmes clássicos; nos anos 30 operou três subsidiárias (Vigilant Pictures, B n’ B Film Corporation e Promotional Films, Inc.); depois formou a Astor Productions Inc.

O Mundo Desconhecido / The Lost World de Harry Holt com Bessie Love, Wallace Beery e Lewis Stone é o protótipo de filmes de ficção científica sobre dinossauros.

B.P.Schulberg junta-se à Famous-Players Lasky como produtor associado, trazendo consigo a nata de sua equipe da Preferred Pictures: Clara Bow e  William Wellman.

Lançamento de O Leque de Lady Windermere / Lady Windermere’s Fan.  Lubitsch não utilizou um só epigrama espirituoso do texto original de Oscar Wilde mas manteve o espirito do dramaturgo inglês na denúncia das imposturas e afetação da alta sociedade londrina. Ele se exprimiu visualmente pelos cenários grandiosos e vazios, pelos movimentos de câmera e pela montagem. Uma das cenas mais expressivas  do toque lubitscheano é a do hipódromo, onde a linda Mrs. Erlynne (Irene Rich), focalizada de binóculo sob diferentes pontos de vista, parece estar encerrada numa rede de olhares “massacrada” pela sociedade galante. Ronald Colman (Lord Darlington) e May McAvoy (Lady Windermere) estão na frente do elenco.

William Randolph Hearst, empresário americano do ramo de editoras que criou uma enorme rede de jornais, muda-se para San Simeon, sua propriedade de $50 milhões perto do Pacífico – o modelo para “Xanadu” em Cidadão Kane / Citizen Kane / 1941. Os astros e estrelas de cinema serão seus convidados frequentes nos fins de semana.

O Rei do Deserto / Tumbleweeds, co-dirigido e estrelado por William S. Hart, prenuncia os westerns “crepusculares” dos anos 60. Há uma cena no filme em que Don Carver, o vaqueiro interpretado por Hart, observa uma grande boiada sendo conduzida para fora das terras que logo seriam oferecidas a todos os colonizadores. Ele tira seu chapéu e diz solenemente para os outros colegas: “Rapazes, é o fim do Oeste”. No final, vemos o tumbleweed (planta que se quebra e rola empurrada pelo vento), que simbolizava a mobilidade pessoal e a liberdade durante toda a narrativa, espetado em uma cerca de arame farpado.

Introduzida pela Bell & Howell a câmera Eyemo de 35mm destinada para a filmagem de jornais cinematográficos; seria muito usada pelos cameramen de combate durante a Segunda Guerra Mundial.

Lançamento de Castelos de Ilusões / The Tower of Lies de Victor Seastrom, com Norma Shearer e Lon Chaney; filme considerado perdido.

Lançamento de Beija-me Outra Vez / Kiss Me Again de Ernst Lubitsch com Marie Prevost e Monte Blue; filme considerado perdido.

A Viúva Alegre / The Merry Widow de Erich von Stroheim estrelado por John Gilbert e Mae Murray estreia no Embassy, cinema intimista de 400 lugares da rede Loew’s. Versão luxuosa da opereta de Franz Lehar, talvez o filme mais “normal” de Stroheim  embora ele ainda consiga introduzir seus toques bizarros (inclusive um personagem com fixação erótica pelos pés). Ele transformou a charmosa opereta  numa comédia dramática sarcástica, aproveitando a história de amor, para satirizar a aristocracia em decomposição.

Estreia de O Águia / The Eagle de Clarence Brown com Rudolph Valentino e Vilma Banky. O herói vivido por Valentino tem três personas: o tenente cossaco da Guarda Imperial Vladimir Dubrowski, o bandido mascarado tártaro Águia Negra, e o professor particular francês Marcel le Blanc de cartola e colete. William Cameron Menzies caprichou na decoração de interiores, Adrian fez o mesmo com o vestuário, o astro encarnou um personagem de ação em movimento perpétuo (perseguindo uma carruagem conduzida por cavalos desembestados, escapando por uma janela, lutando contra um urso ameaçador) e Vilma Banky formou com ele uma dupla romântica ideal. O filme contém um dos travelings mais famosos da História do Cinema, quando a câmera desliza para trás sobre uma mesa de baquete enorme. O mesmo efeito seria repetido em Anna Karenina / Anna Karenina / 1935.

Fred Niblo dirige a corrida de bigas de Ben-Hur / Ben-Hur a Tale of the Christ  no estúdio da MGM em Culver City. A enormidade do espetáculo atrai um público  da elite de Hollywood, incluindo Mary Pickford e Douglas Fairbanks. Eles vêem 10 mil figurantes,198 cavalos, 62 assistentes de diretor (entre eles William Wyler), e membros do Exército Norte-Americano servindo como a Guarda Imperial Romana. Niblo comanda suas forças e 42 câmeras de uma torre a 100 pés (mais de 30 metros) acima de tudo isso.

Atores e Atrizes de maior bilheteria de acordo com pesquisa das publicações Quigley: Rudolph Valentino e Norma Talmadge.

1926

Há quase uma histeria coletiva no funeral de Valentino, morto aos 31 anos de idade em 23 de agosto vítima de uma úlcera perfurada. Os estúdios ficaram fechados durante o enterro.

A Western Association of Motion Picture Advertisers (WAMPAS) apresenta o grupo mais promissor de futuras estrelas previstas. Dolores Costello, Joan Crawford, Dolores Del Rio, Mary Astor, Janet Gaynor e Fay Wray.

Inaugurada oficialmente a Central Casting Bureau, agência especializada na seleção e contratação de figurantes, dublês de corpo e atores para produções de cinema.

Frank Capra, gagman de Harry Langdon, é promovido a diretor dos filmes do comediante.

As companhias americanas Paramount e MGM emprestam 4 milhões de dólares para a Ufa em troca da utilização dos estúdios, cinemas e pessoal da firma alemã; o efeito mais imediato do acordo Parufamet foi a migração de artistas e técnicos alemães para Hollywood. Outros acordos parecidos: Universal / Terra, United Artists / Rex, MGM / Phoebus.

Publicada a 1ª edição de A Million and One Nights: A History of the Motion Picture Through 1925 de Terry Ramsaye.

Louella Parsons torna-se a principal colunista de fofocas de Hollywood.

Em Laranjais em Flor / The Torrent de Monta Bell, primeiro filme de Greta Garbo na MGM, ela é Leonora, uma camponesa espanhola que se torna uma grande prima donna. Impressionante como Garbo, uma escandinava, conseguiu transmitir uma caracterização latina com poder suficiente para torná-la extremamente eficiente.

Estrelado por Rudolph Valentino e Vilma Banky, O Filho do Sheik / The Son of the Sheik de George Fitzmaurice estréia no Million Dollar Theatre de Sid Grauman em Los Angeles. É uma continuação de Paixão de Bárbaro ou O Sheik / The Sheik  / 1921. Valentino interpreta um papel duplo neste seu último filme, está mais confiante em si mesmo como ator e carismático, as cenas de amor são mais intensas e sensuais, e ele aparece mais ágil nas cenas de ação. Os cenários orientais de William Cameron Menzies e a fotografia de George Barnes tornam o espetáculo visualmente atraente.

A história de Mare Nostrum foi baseada no romance de Vicente Blasco Ibanez sobre amor e espionagem durante a Primeira Guerra Mundial. A execução de Freya (Alice Terry) pelo pelotão de fuzilamento francês na madrugada é uma das cenas mais comoventes que Rex Ingram realizou. Outras imagens marcantes foram a da deusa Amphitrite cavalgando num delfim sobre as ondas, observada por Netuno de uma rocha, os amantes afogados, unindo-se para sempre no fundo do mar e, finalmente, o encontro dos dois, ainda vivos, em frente de um aquário contendo um polvo gigantesco.

Lançamento de Beijo Ardente / The Winning of Barbara Worth de Henry King com Ronald Colman, Vilma Banky e Gary Cooper, este no seu primeiro longa-metragem, cujo clímax é uma inundação espetacular.

A Warner Bros. e a Western Electric anunciam o aperfeiçoamento do processo de som sincronizado, no qual o som é gravado em um disco conectado eletronicamente a um projetor de filmes. A Warner chama o sistema de “Vitaphone”.

Don Juan / Don Juan, de Alan Crosland, estrelado por John Barrymore, o primeiro filme (com som em disco mas sem diálogos), estréia no Warner Theater. Um score orquestral foi gravado pela Filarmônica de Nova York.

Première de A Carne e o Diabo / Flesh and the Devil de Clarence Brown com Greta Garbo e John Gilbert. Neste primeiro filme que Brown fez com Garbo ele compôs cenas de raro esplendor plástico sendo muito lembradas a do primeiro duelo, com os contendores fotografados em silhueta e a fusão para Garbo experimentando seu chapéu preto; a de Gilbert acendendo o cigarro de Garbo e jogando um reflexo luminoso no rosto de sua amada; a da comunhão – ao mesmo tempo erótica e sacrílega – quando Garbo vira o cálice com a hóstia e beija o lugar onde Gilbert colocara seus lábios.

Estreia de A Fragata Invicta / Old Ironsides, de James Cruze, com Charles Farrell, Esther Ralston e Wallace Beery.  O filme retrata a histórica nau USS Constitution que ganhou o apelido de Old Ironsides durante a guerra de 1812, quando os tiros de canhão britânicos pareciam ricochetear em seu casco de carvalho resistente. Algumas cenas são em um processo chamado Magnascope, no qual uma lente especial colocada no projetor produz uma imagem mais longa – porém granulada e desfocada.

Formada a Electrical Research Products., Inc. (ERPI) e a Vitaphone Corporation. A ERPI, subsidiária da Western Electric, foi criada com o objetivo principal de  comercializar, licenciar e instalar sistemas de som  em estúdios  e salas de cinema.

Organizado o Walt Disney Studio que se transformaria depois na Walt Disney Productions.

Joseph Schenck assume o controle da United Artists;

O filme de Serguei Eisenstein, O Encouraçado Potenkin / Bronenosets Potyomkin, estréia em Nova York.

A United Artists anuncia que vai distribuir os filmes do produtor independente Samuel Goldwyn

Joseph P.Kennedy compra a FBO (Film Booking Offices of America).

Greta Garbo e John Gilbert deveriam se casar numa cerimônia dupla com King  Vidor e Eleanor Boardman, mas Garbo não aparece. Louis B.Mayer diz para Gilbert sobre Garbo: “Porque você tem que casar com ela? Porque você simplesmente não transa com ela e esquece o assunto? Quando Gilbert o derruba, Mayer adverte Gilbert de que ele “está acabado” e ameaça “destruí-lo”.

Lillian Gish é a estrela de A Letra Escarlate / The Scarlet Letter, dirigido por Victor Seastrom. Seastrom assimila o assunto do livro de Nathaniel Hawthorne e o apresenta através de imagens de uma força poética e de uma beleza inesquecíveis (v. g. o canário de estimação de Hester (Lillian Gish) cantando no Dia do Senhor e ela correndo atrás dele quando ele foge, escandalizando a população).

John Barrymore e Dolores Costello estão em A Fera do Mar / The Sea Beast de Millard Webb, baseado em Moby Dick. O que contribuiu muito para o sucesso popular do filme foi a cena de amor final entre John e Dolores. Um comentarista da época observou: “Isto não é atuação. Ele está apaixonado pela moça”. John e Dolores se casariam na vida real em 24 de novembro de 1928.

La Bohéme / La Bohème de King Vidor, drama romântico , baseado no romance  “Scènes de la vie de Bohème” de Henri Murger, tem o  seguinte enredo:  Mimi (Lillian Gish), costureira pobre do Quartier Latin, não consegue pagar seu aluguel e está para ser despejada, quando Rodolphe (John Gilbert), um jovem dramaturgo que admira a sua beleza frágil, a introduz no seu círculo de amigos boêmios. A gratidão de Mimi para com Rodolphe transforma-se em um amor idílico. À medida que o tempo passa, Rodolphe ganha a vida com dificuldade, escrevendo para um jornal enquanto trabalha em uma peça, inspirado por Mimi. Ele é demitido, mas Mimi o mantém ignorante do fato, fingindo entregar seus artigos e costurando secretamente à noite para garantir o sustento de ambos. O Visconde Paul (Roy D’Arcy), cínico frequentador dos bulevares de Paris, atraído por Mimi, é induzido por ela a levar a peça de Rodolphe a um gerente de teatro, e ela o acompanha, vestida por roupas emprestadas de sua amiga Musette (Renée Adorée). Rodolphe suspeita de sua infidelidade e Mimi o deixa. Mais tarde, a peça de Rodolphe obtém sucesso e, no auge de sua fama, Mimi retorna para ele irremediavelmente doente, e morre em seus braços. É a melhor cena do filme.

O Pirata Negro / The Black Pirate de Albert Parker em technicolor de duas cores, estrelado por Douglas Fairbanks, é exibido no Grauman’s Egyptian Theater em programa duplo com Aves sem Ninho / Sparrows de William Beaudine, estrelado por Mary Pickford. É a primeira première dupla de Hollywood. A sequência mais celebrada de O Pirata Negro é aquela em que, depois de capturar um galeão sozinho, ele crava seu punhal na vela da embarcação e desce por ela, dividindo-a em dois. A cena que mais impressiona em Aves sem Ninho é aquela na qual Mollie (Mary Pickford) embala um bebê morto nos seus braços enquanto Jesus Cristo aparece no fundo do quadro com um rebanho de ovelhas. Ela adormece, Jesus se aproxima, toma o bebê nos seus braços e se afasta.

O lançamento do primeiro episódio do seriado A Casa sem Chave / House Without a Key, dirigido por Spencer Gordon Bennet, marca a primeira aparição de Charlie Chan no cinema. Quem faz o papel de Chan é o ator George Kuwa.

Ronald Colman, Ralph Forbes e Neil Hamilton estão em Beau Geste / Beau Geste. Filmado por Herbert Brenon nas areias desérticas de Yuma, no Arizona, foi fotografado com efeitos de luz e sombra (por J. Roy Hunt) que somados às esplêndidas sequências de ação e ao desempenho dos atores, (principalmente Noah Beery como cruel Sargento Lejaune e William Powell como Boldini) abrilhantam o espetáculo.

A Duquesa e o Garçon / The Grand Duchess and the Waiter é uma comédia romântica encantadora de ritmo rápido e humor refinado que antecipa o famoso “Toque de Lubitsch”. O milionário Albert (Duran (Adolphe Menjou) finge ser garçom para chegar perto de uma Grande Duquesa exilada (Florence Vidor) por quem se apaixonou. A sequência em que a Duquesa, ciente de que Albert é um milionário disfarçado, atribui a ele trabalhos domésticos cada vez mais servis e humilhantes para puní-lo e testar sua paciência é muito divertida. Essa troca de farpas sofisticada entre o charme de Menjou e a arrogância de F.Vidor é o destaque deste filme, dirigido sabiamente por Malcolm St. Clair.

Estreia de Sangue por Glória / What Price Glory da Fox, dirigido por Raoul Walsh, e estrelado por Victor McLaglen, Dolores Del Rio e Edmund Lowe. Esta comédia vibrante  mostra o capitão  Flagg (Victor McLaglen) e o sargento Quirt (Edmund Lowe) e sua rivalidade turbulenta concentrada em Charmaine  (Dolores Del Rio), a filha do dono de um albergue local, quando se encontram no norte da França durante a Primeira Guerra Mundial. Entre as cenas mais memoráveis, a leitura das cartas sob a chuva e o baile popular em Bar-le-Duc com seu pianista de perna de pau.

Lançamento de  Cavaleiro dos Amores / Bardelys the Magnificent de King Vidor. Baseado num romance de Rafael Sabatini,  o filme tem entre seus momentos mais famosos o interlúdio romântico no qual Bardelys (John Gilbert) e Roxalanne (Eleonor Boardman) estão em um bote  a remos, flutuando sob um túnel de ramos de árvores de salgueiro-chorão como se estivessem acariciando a superfície das águas.

Kiki / Kiki é uma comédia dramática divertidíssima estrelada por Norma Talmadge e Ronald Colman, escrita por Hans Kraly e dirigida por Clarence Brown. Colman interpreta o papel do gerente teatral parisiense Victor Renal, assediado por Kiki (N. Talmadge), uma aspirante a corista. A sequência em que ela finge que está inconsciente e dura como uma tábua e o médico levanta e abaixa sua perna é engraçadíssima.

Atores e Atrizes de maior bilheteria de acordo com pesquisa das publicações Quigley: Tom Mix e Colleen Moore.

 

 

 

Os 16 filmes Andy Hardy com Mickey Rooney realizados entre 1937 e 1948 representam um dos maiores sucessos de bilheteria da história do cinema.

Tudo começou quando a MGM comprou os direitos para filmagem da peça Skidding de Mrs. Aurania  (Ellerbeck) Rouverol (1886-1955), natural da Califórnia, que já havia colaborado em um roteiro de cinema (para Quando o Mundo Dança /  Dance, Fools, Dance / 1931) e trabalhado como atriz substituindo Alice Brady como “Meg” numa produção da Universidade de Harvard de “Little Women”. Suas peças teatrais – entre elas The Great American Family, Growing Pains,  Young April, Money e It Never Rains – abordam principalmente temas relacionados a jovens e sua vida doméstica.

A peça Skidding  se concentrava na família Carvel de Idaho, de um Juiz James Hardy (Carleton Macy), sua esposa (Clara Blandick), sua irmã solteira, Tia Milly (Louise Carter), Vovô Hardy (Burr Caruth), dois filhos em casa: Andy (Charles Eaton) e Marion (Marguerite Churchill), e duas filhas casadas: Estelle (Isabel Dawn) e Myra (Joan Madison).  O namorado de Marion, Wayne Trent III, era interpetado por Walter Abel, e o vizinho da porta ao lado, Mr. Stubbins, por Thomas V. Morrison.

A peça tinha uma moral claramente anti-libertação feminina: que o homem deve desempenhar o papel dominante na vida familiar. Ambas as filhas casadas, tendo abandonado seus maridos e retornado à casa dos pais, são rapidamente devolvidas aos seus cônjuges com ordens para ignorar suas faltas e obedecê-los em tudo. Marion, tentando bancar a mulher “emancipada”, é rapidamente colocada em seu devido lugar pelo namorado Wayne. Apesar das  críticas mornas a peça teve 448 representações.

Em 1937 os direitos para filmagem foram comprados pela MGM e a peça foi entregue à roteirista Kay Van Riper. Seu roteiro mudou o título para Uma  Questão de Família / A Family Affair, eliminou o personagem do Vovô Hardy e  fundiu as duas irmãs casadas em uma só (“Joan” interpretada Julie Haydon). O enredo consideravelmente alterado fez o Juiz Hardy (Lionel Barrymore) assinar uma liminar impedindo uma construtora desse continuidade a uma obra que aparentemente traria prosperidade à cidade de Carvel (tendo-se provado  posteriormente que isso causava grande prejuízo à comunidade). A filha Marion (Cecilia Parker) está com raiva porque a atitude do pai nega uma oportunidade ao namorado engenheiro, Wayne Trenton (Eric Linden). A filha casada Joan separada do marido é ameaçada de escândalo por proponentes da obra em construção, mas ela se reencontra com o marido no final. Mrs. Hardy era interpretada por Spring Byington, Tia Milly por Sara Haden, e o filho Andy por Mickey Rooney (seu papel foi consideravemente expandido no roteiro e ele ganhou uma namorada, “Polly”, interpretada por Margaret Marquis). Harlan Briggs assumiu o papel do vizinho Stubbins, e o filme, com duração de apenas 68 minutos, foi dirigido por George Seitz, veterano dos seriados silenciosos. Lançado em 19 de março de 1937, foi um sucesso de bilheteria inesperado.

Kay Van Riper foi designada para a sequência que iniciou a série, Aproveite a Mocidade / You’re Only Young Once /  1938, que tinha Lewis Stone como o novo Juiz e Fay Holden como Mrs.Hardy, papéis que eles continuaram a desempenhar pelo resto da série. Mickey Rooney, Cecilia Parker e Sara Haden continuaram nos seus e a irmã casada “Joan” não foi mais mencionada ou se teve notícias dela. O filme novamente dirigido por George Seitz, começava com um prefácio no qual Lewis Stone explicava para a platéia que este era o começo de uma série da Família Hardy, e então passou a detalhar os problemas da família durante as férias na ilha de Catalina. Andy se envolve com uma garota rica e mimada e Marion com um salva-vidas bonito. O juiz livra seus filhos de ambas as situações. Polly Benedict, a namorada de Andy em Carvel era vivida por Ann Rutherford. Ela se adaptou perfeitamente ao papel e continuou a interpretá-lo por anos.

Este filme foi logo depois seguido por Amor de Criançola / Judge Hardy’s Chidren / 1938, também roteirizado por Kay Van Riper e dirigido por George Seitz. Nele Marion envergonha seu pai (convocado para chefiar uma comissão de Washington que investiga uma empresa monopolista de serviços públicos) ao transmitir inocentemente comentários que seu pai havia feito extraoficialmente com respeito ao caso. O Juiz é ameaçado com chantagem, mas consegue enganar a oposição. Andy anseia e finalmente consegue seu primeiro smoking. Betty Ross Clark substituiu Sara Haden como Tia Milly neste filme e nos próximos da série.

O  terceiro filme  da série, O Amor Encontra Andy Hardy / Love Finds Andy Hardy / 1938, concentrava-se principalmente na compra do carro de Andy e em seu envolvimento com três garotas diferentes:  uma forasteira (Lana Turner)  que ele é pago para cuidar, uma visitante de Nova York chamada Betsy Both (Judy Garland); e sua namorada fixa, Polly. Betsy acompanha Andy ao grande baile de Natal quando as outras duas se recusam. Judy canta: “Meet the Beat of My Heart”, “It Never Rains But it Pours”, e “In Between”.

George Seitz foi o diretor deste e do próximo filme da série, Andy Hardy Cowboy / Out West with the Hardys / 1938,  cujo roteiro coube a Kay Van Riper, William Ludwig  e Agnes C. Johnson. Nele os Hardy vão para o Oeste a fim de ajudar amigos com risco de perder seu rancho e Andy encontra sua alma gêmea na filha (Virginia Weidler) do capataz do rancho.

O quinto filme da série, Andy Hardy Milionário /  The Hardys Ride High / 1939,  teve o mesmo diretor e roteiristas e contava como a família Hardy quase herdou uma fortuna de dois milhões dólares. Andy tenta se envolver com uma corista (Virginia Grey) mas quando estava sozinho com ela em seu apartamento ficou assustado e deixou o local.

Andy Hardy é o tal / Andy Hardy Gets Spring Fever / 1939 teve o roteiro redigido por Kay Van Riper enquanto W. S. Van Dyke assumia a direção.  Nele vemos Andy, com ciúmes porque Polly começou a  namorar um tenente da Marinha (Robert Kent), ele próprio se apaixonando por uma nova professora de teatro do ensino médio (Helen Gilbert). Mais tarde Andy renuncia a ela em favor do noivo da moça (James Bush) e retorna para Polly.

Andy Hardy Banca o Sherlock / Judge Hardy and Son / 1939, com argumento e roteiro de Carey Wilson e direção de George Seitz, tinha Andy tentando ganhar um primeiro prêmio de 50 dólares num concurso de redação. Entretanto ele magnanimamente permite que uma jovem ganhe com a sua redação. A mãe desta moça está sendo procurada pelo Juiz Hardy para ajudar seus pais indigentes  (Maria Ouspenskaya, Egon Bracher) a quem ela havia abandonado ao fazer um casamento por dinheiro. Mrs. Hardy se recupera de uma doença quase fatal.

Judy Garland voltou a ser Betsy Booth em Andy Hardy e a grã-fina / Andy Hardy Meets Debutante / 1940, dirigido mais uma vez por George Seitz. O roteiro de Annalee Whitmore e Thomas Seller mostrava Andy gabando-se de conhecer uma debutante de Nova York (Diana Lewis). Ele vai para a grande cidade e com a ajuda de Betsy conhece a jovem socialite e é fotografado com ela. Judy canta “Alone”,  e “I’m Nobody´s Baby”.

A Secretária de Andy Hardy / Andy Hardy’s Private Secretary / 1941, o nono filme da série, também com direção de George Seitz, foi baseado numa história de Katharine Bush, com roteiro de Jane Murfin e Harry Ruskin. Nele o Juiz Hardy ajuda o personagem vivido por Ian Hunter, cujos filhos (Kathryn Grayson, Todd Karns) estão na turma de  formatura de Andy, a conseguir um emprego muito necessário na América do Sul. Para manter Kathryn como sua secretária até depois da formatura, Andy altera a data do telegrama de aceitação do emprego. Hunter perde o emprego (mas arranja outro): então Andy é reprovado em Inglês e sua própria formatura fica em risco até ele ser autorizado a fazer um segundo teste, no qual é aprovado.

Em seu próximo filme, Andy Hardy Cava a Vida / Life Begins for Andy Hardy / 1941, dirigido por George Seitz, o roteiro de Agnes Christine Johnston mostra Andy inseguro sobre ir para a faculdade, indo para Nova York, procurando Betsy Booth (Judy Garland na sua terceira e última aparição na série), encontrando um emprego de dez dólares por semana, tornando-se amigo do dançarino Ray McDonald que morre de ataque cardíaco. Andy pecisa fazer um empréstimo para o enterro de Ray, e quase se envolve com o tipo errado de garota (Patricia Dane) antes de retornar a Carvel e decididir que, afinal, iria para a faculdade.

George Seitz dirigiu e Agnes Christine Johnston escreveu o roteiro para O Idílio de Andy Hardy / The Courtship of Andy Hardy / 1942 no qual Andy ajuda uma jovem desleixada de dezessete anos (Donna Reed) se tranformar em uma beleza deslumbrante. No décimo segundo filme da série, A Dupla Vida de Andy Hardy / Andy Hardy´s Double Life /  1942, o roteiro de Agnes Christine Johnson detalhava os problemas de Andy ao entrar para a faculdade. e seu envolvimento com a aluna de psicologia Esther Williams  (que ele encontra apropriadamente em uma festa na piscina) e depois com a dócil Susan  Peters.

Na noite do Oscar, em 4 de março de 1943, a MGM recebeu um certificado que dizia: “Para a Metro-Goldwyn-Mayer por ter representado o modo de vida americano, na produçãoda série de flmes Andy Hardy. Em vez de aproveitar esta oportunidade de ouro para apressar a produção de mais um filme da série a MGM não fez nenhum filme da família Hardy em 1943.

Somente em maio de 1944 o número treze da série Andy Hardy prefere as louras / Andy Hardy´s Blonde Trouble chegou  às telas. Agnes Christine Johnston, foi acompanhada por Harry Ruskin e William Ludwig e o roteiro deles focalizou Andy frequentando Wainright, uma faculdade diferente da do último filme, onde seu pai estudou e cujo reitor era interpetado por Herbert Marshall. Andy se envolve com a estudante universitária  Kay Wilson (Bonita Granville) – que tem uma queda pelo reitor –  e duas louras gêmeas interpretadas por Lee e Lyn Wilde. Keye Luke também aparece como “Dr. Lee”. Último filme da série dirigido por George Seitz.

Os dois anos e meio que se passaram até o lançamento em dezembro de 1946 de A Paixão de Andy Hardy / Love Laughs at Andy Hardy, dirigido por Willis Goldbeck,  mostrou a perda de interesse da MGM numa série que foi altamente popular e lucrativa. O roteiro de Harry Ruskin e William Ludwig mostrava Andy, dispensado exército e  tentando reatar com Bonita Granville (interpretando o mesmo papel que no filme anterior) que o rejeitou casando-se com o guardião dela. Andy quer ir para a América do Sul para esquecer mas no último diálogo homem-a-homem na série Hardy, o Juiz convence o filho a continuar os estudos na faculdade.

Passaram-se doze anos antes que a MGM decidisse fazer A Volta de Andy Hardy / Andy Hardy Comes Home / 1958 com roteiro de Edward Everett Hutshing e Robert Morris Donley, e direção de Howard W. Koch. Lewis Stone havia morrido na vida real e portanto ele também morreu no roteiro. Fay Holden, Sara Hadden e Cecilia Parker estavam vivas e apareceram em seus papéis de antigamente. Não houve  menção a “Polly” (Ann Rutherford) nem havia qualquer informação sobre a esposa de Andy, “Jane” (Patricia Breslin). Eles tinham dois filhos: um interpretado pelo filho verdadeiro de Mickey Rooney, Teddy. Andy, como um advogado da Costa Oeste, volta para casa em Carvel e se envolve no mesmo tipo de negócio imobiliário que atormentava seu pai com tanta frequência.

O filme usava retrospectos de O Amor Encontra Andy Hardy / 1938 e A Dupla Vida de Andy Hardy / 1942 para que Judy Garland, Lana Turner e Esther Williams pudessem ser vistas de novo. Nas préestréias o filme mostrava Andy tornando-se o novo Juiz Hardy de Carvel, com “The End” (Fim) sendo substituido por “To Be Continued (Continua). Entretanto o plano da MGM para uma nova série nunca se concretizou.

 

Irving Grant Thalberg (1899-1936) nasceu no Brooklyn, Nova York. Era uma criança frágil, assolada por várias doenças infantís. Passou a maior parte dos seus primeiros anos de colégio na cama.  Os médicos previram que não passaria dos trinta anos de idade. O confinamento em um quarto de doente deu-lhe a chance de ler os clássicos da literatura mundial. Quando se recuperou suficientemente para entrar no mercado de trabalho, tinha a mente e o vocabulário de uma pessoa culta. Após passagens frustrantes na loja de departamento de seu avô, e várias empresas de navegação, o rapaz inteligente de dezenove anos de idade arrumou emprego no escritório da Universal Pictures na Broadway e, em menos de dois anos, seu discernimento e auto-confiança elevaram-no ao nível executivo. Em pouco tempo tornou-se assistente de Carl Laemmle no estúdio da Universal em San Fernando Valley na Califórnia e, aos 21 anos de idade, assumiu o cargo de gerente geral da Universal City, iniciando assim a sua carreira como o “Boy Wonder of Hollywood”.

Em 15 de fevereiro de 1925, depois de produzir (sem ser creditado) dois grandes filmes na Universal, Ingênuas / Foolish Wives /1922 e O Corcunda de Notre Dame / The Hunchback of Notre Dame / 1923, estrelados pela ordem por Erich von Stroheim e Lon Chaney, Thalberg foi contratado pela Louis B. Mayer Productions, que criou para ele o cargo de vice-presidente encarregado da produção.

Após a fusão de três companhias na Metro-Goldwyn-Mayer, ele produziu Ironia da Sorte / He Who Gets Slapped / 1924, grande sucesso de crítica e de público combinando os talentos de Lon Chaney e do diretor sueco Victor Sjöström e escalando dois jovens atores Norma Shearer e John Gilbert para integrar o elenco.

Ele inovou no que diz respeito a várias práticas como a organização de reuniões nas manhãs de domingo, pré-estréias (sneak previews) e refilmagens (ordenando retakes a diretores de prestígio como Sjöström), e transformou em grandes astros Lon Chaney, Ramon Novarro, John Gilbert, Joan Crawford, Clark Gable, Jean Harlow, Marie Dressler, Wallace Beery, Greta Garbo e tantos outros, inclusive Norma Shearer com quem se casou.

Aos vinte e cinco anos de idade, Thalberg foi reconhecido como o grande produtor de Hollywood. Seus filmes constituíam uma mistura rara de bom gôsto e comercialismo, homenageados com muitos prêmios e referendados por grandes lucros de bilheteria. Entre Ouro e Maldição / Greed / 1924 e seu último projeto, Maria Antonieta / Marie Antoinette / 1938, Thalberg nos proporcionou outras obras imperecíveis das quais cito apenas mais dez como exemplo: O Grande Desfile /The Big Parade / 1925, Ben-Hur / Ben-Hur: A Tale of Christ / 1925, O Monstro do Circo / The Unknown / 1927; A Turba / The Crowd / 1928, Tarzan, O Filho das Selvas / Tarzan the Ape Man / 1932, Grande Hotel / Grand Hotel / 1932, A Viúva Alegre / The Merry Widow / 1935, O Grande Motim  / Mutiny on the Bounty / 1935, A Dama das Camélias / Camille / 1936, Terra dos Deuses  / The Good Earth / 1937.

Ele viveu dois terços de sua vida na sala de projeção. Na MGM a produção executiva era delegada a um produtor central (central producer). Thalberg, “o menino prodígio” do estúdio, era o produtor central típico. A revista Fortune (dezembro, 1932) disse a respeito dele: “O seu cérebro é a câmera que fotografa dezenas de roteiros em uma semana e decide quais deles, talvez nenhum, serão encaminhados para os 27 departamentos do estúdio para serem transformados em filme”. Para ajudá-lo na produção dos quarenta a cinquenta filmes que o estúdio produzia anualmente, Thalberg contava com um grupo de dez produtores associados, sendo os cinco mais importantes: Harry Rapf, Bernie Hyman, Hunt Stromberg, Albert Lewin e Paul Bern. Cada produtor associado era especializado em um certo tipo de filme – filmes de prestígio, comédias sofisticadas, melodramas, filmes de ação, e assim por diante. Para iniciar um projeto, o produtor associado trocava idéias com os argumentistas sobre a história e trabalhava juntamente com eles para o desenvolver o roteiro. Após ter submetido o roteiro final à aprovação de Thalberg, ele coordenava o trabalho dos cenógrafos, diretor e elenco. Os produtores associados ficavam vinculados ao filme até que este fosse concluído, resolvendo os problemas que por acaso surgissem.

Em 1933, após Thalberg ter sofrido um ataque cardíaco aos 37 anos, a MGM instituiu o sistema de unidades de produção (producer-unit-system). Reestruturando o estúdio, Louis B. Mayer formou uma unidade de produção para o seu genro David 0’ Selznick produzir filmes de prestígio e promoveu os produtores associados de Thalberg, tornando-os responsáveis por seus próprios filmes e lhes dando crédito na tela como produtores. Thalberg sentiu-se traído e foi contra esta mudança, mas teve que se conformar e, até a sua morte prematura em 1936, funcionou como produtor de projetos especiais.

Então, as profecias de seus médicos se tornaram realidade. Thalberg morreu, deixando uma viúva, dois filhos e um legado impressionante. Filmes que iluminaram, divertiram e despertaram emoção e que jamais serão esquecidos pelos fãs. Seu filme, Terra dos Deuses, lançado depois de sua morte, apresentou nos créditos de abertura esta dedicatória: “À memória de Irving Grant Thalberg – dedicamos este filme – sua última grande realização”.

O Prêmio em Memória de Irving G. Thalberg (The Irving Thalberg Memorial Award) é concedido a um produtor cujo conjunto da obra reflita produção de alta qualidade. O troféu é uma escultura (23cm de altura, pesando 4,5kg com base de mármore negro) reproduzindo a cabeça do produtor Irving Thalberg que, como vimos, ajudou a MGM a prosperar, tornando-se a mais importante e glamorosa “fábrica de filmes” dos EUA, com “mais estrelas do que havia nos céus”.

 

 

Conhecido como diretor, ator e produtor, o austríaco Otto Preminger (Otto Ludwig Preminger (1905-1986) deixou bons filmes de vários gêneros cinematográficos (v.g. Carmen Jones / Carmen Jones / 1954, O Homem do Braço de Ouro / The Man with the Golden Arm / 1955, Bom Dia, Tristeza / Bonjour Tristesse / 1958, Anatomia de um Crime / Anatomy of a Murder / 1959, Exodus / Exodus / 1960, Bunny Lake Desapareceu / Bunny Lake is Missing / 1965) e quatro filmes noirs ( Laura / Laura / 1944, Anjo ou Demônio? / Fallen Angel / 1946, Passos na Noite / Where the Sidewalk Ends / 1950 e Alma em Pânico / Angel Face / 1953).

LAURA (20th Century-Fox, 1944).

Laura é o mais estilizado de todos os filmes noirs e, assim como Relíquia Macabra / The Maltese Falcon / 1941 e Pacto de Sangue / Double Indemnity / 1944, tornou-se um clássico.
Investigando o assassinato de Laura (Gene Tierney), diretora de uma agência de propaganda, o detetive Mark McPherson (Dana Andrews) interroga seu mentor, um influente jornalista quinquagenário, Waldo Lydecker (Clifton Webb), que considerava Laura não apenas como sua maior “criação”, mas também propriedade pessoal.
Laura estava noiva de um playboy, Shelby Carpenter (Vincent Price) para desgosto de Lydecker e de Ann Treadwell (Judith Anderson), tia de Laura, mulher abonada, apaixonada por Shelby.
No decorrer da investigação, Mark começa a ficar fascinado pela falecida. Quando vai ao apartamento dela em busca de provas, senta-se em uma poltrona e, contemplando seu retrato pendurado na parede, adormece. De repente, a porta se abre e entra a Laura de carne e osso.
Ela explica que se refugiara em uma casa de campo para decidir se iria casar com Selby. O detetive recebe um telefonema informando-o de que o corpo desfigurado, que todos pensavam ser de Laura, é na verdade o de uma modelo, Diane Redfern.
Mark desconfia de todos: os ciumentos Lydecker e Ann, cada qual podendo ter matado a modelo, pensando que fosse Laura; Shelby, que admitiu ter levado Diane ao apartamento de Laura; e Laura, que pode ter eliminado Diane com raiva de Shelby.
Resistindo ao amor que sente por ela, Mark inicialmente suspeita mais de Laura, mas depois encontra a arma do crime escondida em um relógio de pé, dado a Laura por Lydecker e sai para prendê-lo, deixando-a sozinha.
Enquanto a jovem escuta o programa de rádio pré-gravado de Lydecker, este penetra sorrateiramente no apartamento para completar o trabalho malfeito. Chegando ao quarto de Laura, aponta a espingarda para ela, porém Mark chega neste exato momento e Lydecker morre alvejado pelas balas do policial.
“Nunca me esquecerei do fim de semana em que Laura Morreu”. É com este monólogo interior de Waldo Lydecker que começa o filme. Antes do aparecimento de Laura é ele – já no outro mundo – quem recorda uma série de flagrantes evocando a ascenção profissional da jovem. Depois que Laura surge viva – materializando o desejo de McPherson -, a trama passa a ser conduzida por McPherson, objetivamente.
McPherson e Lydecker são totalmente diferentes em temperamento e personalidade, mas os dois têm a mesma obsessão: a Laura que cada qual criou na sua própria mente.
Forte e viril – o típico tough guy do filme noir – McPherson está impressionado com a descrição de Laura feita por Lydecker e enfeitiçado pelo seu retrato. Morta, ela adquiriu a dimensão de um mito. Quando a porta do apartamento se abre e Laura aparece, McPherson vê apenas uma mulher, vestida com a capa, decididamente sem mistério, mas ainda assim, encantadora. Cada vez mais apaixonado, ele começa a manifestar abertamente seu ciúme (o soco que dá em Shelby) e seu amor (o sorriso de satisfação quando Laura diz que não vai se casar com Shelby), agora irreprimíveis.
Frágil e refinado, com um senso de humor perverso, Lydecker sempre adorou Laura à distância, contentando-se em afastar os possíveis rivais. Como todo psicótico (outro tipo noir habitual) – quer ter controle absoluto sobre o objeto de sua paixão. Prefere ver a amada morta, do que viva nos braços de outro homem (“Você acha que posso lhe deixar para um detetive de segunda classe que chama você de boneca?”) e, depois de tentar eternizar o passado, acaba morrendo docemente nos braços de Laura, justamente no momento em que o rádio acaba de transmitir sua última conversa, incitando os ouvintes a desconfiar dos amores eternos.
Clifton Webb, conscientemente ou não, dá um toque efeminado ao personagem, transmitindo seu narcisismo (“No meu caso auto-absorção é plenamente justificada. Nunca descobri um assunto tão digno de minha atenção”) e insolência (“Não uso caneta. Escrevo com uma pena de ganso embebida de veneno”), noções estereotipadas do homossexual; de modo que sua obsessão por Laura parece não ter nada a ver com sexo.
O tom de ambiguidade sexual vale também para os personagens de Shelby Carpenter e Ann Treadwell porque, embora Shelby tivesse sido capaz de seduzir três mulheres- Ann, Laura e Diane – e Ann revelado à sobrinha que amava Shelby, por causa da interpretação excessivamente delicada de Vincent Price e da presença masculina de Judith Anderson, não se acredita muito na heterosexualidade deles.
Paralelamente, existe algo de mórbido no relacionamento entre McPherson e Laura, pois o detetive está, como lhe diz Lydecker numa cena, “enamorado de um cadáver”.
À primeira vista, Laura não se enquadra exatamente no canône noir da mulher fatal, mas, se repararmos bem, é uma fêmea ambiciosa, arrivista e capaz de fascinar vários homens, levando McPherson a perder o autocontrole (que ele procura manter, distraindo-se com o joguinho de bolso) e Lydecker ao crime e à morte.
Ela não aparece durante uma parte significativa do filme, porém seu enorme retrato e cima da lareira domina várias cenas e um trecho de sua música predileta – “o tema de Laura” – é ouvido repetidamente. O estilo conciso e sereno do diretor é notado desde os primeiros instantes, quando a câmera desliza da esquerda para a direita pelas prateleiras e depois pela sala cheia de objetos de arte do apartamento de Lydecker. O passeio de McPherson pelos cômodos de Laura, recolhendo suas cartas, retirando uma peça íntima da gaveta, abrindo um armário, destampando o frasco de perfume, também é mostrado da mesma maneira suave, sempre com a intenção de integrar os personagens ao ambiente.
Este deslocamento de câmera fluido e delicado casa-se perfeitamente com o leit motiv musical e com os diálogos sofisticados enquanto a iluminação dramatizada de Joseph La Shelle – premiada com o Oscar – fornece o clima noir adequado.

ANJO OU DEMÔNIO? / FALLEN ANGEL (20thCentury-Fox, 1946).

Eric Stanton (Dana Andrews) chega a Walton, pequena cidade da Califórnia, e logo se interessa por Stella (Linda Darnell), uma linda e sensual garçonete. A jovem desperta também o desejo de outros homens como o velho Pop (Percy Kilbridge), proprietário da lanchonete na qual trabalha e Dave Atkins (Bruce Cabot), um sujeito que explora máquinas de caça níqueis. Para conquistar Stella, Eric casa-se com June (Alice Faye) , uma solteirona rica, pretendendo despojá-la de sua fortuna e se divorciar em seguida. Porém Stella aparece morta. Eric acaba descobrindo que o policial Mark Judd (Charles Bickford) adorava Sella e a matou, quando esta lhe disse que ia se casar com Dave.
O filme não tem o charme de Laura porém há o ambiente inquietante e alguns tipos do filme noir como, por exemplo, o policial psicopata e o herói ambíguo.
Embora Stella não seja propriamente uma mulher fatal, é a representação da sexualidade feminina destrutiva em contraste com a figura de June, a boa moça, educada e compreensiva.
Um aspecto interessante da trama é justamente a paixão que Stella desperta em quatro homens, cada qual reagindo de uma maneira diferente. A reação mais estranha é a de Judd que, no final da narrativa, revela para Eric: “Durante dois anos eu vim tomar café aqui, somente para vê-la. Todos os dias, durante dois anos”. Uma loucura que o levou ao crime.
Além de um close-up original em silhueta de Eric e Stella no salão de baile, chama a atenção a cena do interrogatório, na qual o assassino veste uma luva de borracha para extorquir brutalmente a confissão de um inocente e a do final, quando, antes de ser levado preso, aciona a vitrola da lanchonete e emerge a melodia favorita da vítima, restituindo por alguns instantes a sua invisível presença.

PASSOS NA NOITE / WHERE THE SIDEWALK ENDS (20thCentury-Fox, 1950).

Mark Dixon (Dana Andrews) é um policial violento. O Inspetor Foley (Robert Simon) repreende-o e o rebaixa de posto. A próxima investigação de Dixon diz respeito à Ted Morrison (Harry von Zell), um sujeito que morreu no cassino clandestino do gângster Scalise (Gary Merrill). O principal suspeito é Paine (Craig Stevens), que havia atraído Morrison para o jogo, usando a jovem Morgan Taylor (Gene Tierney). Ao interrogá-lo, Dixon entre em luta corporal com ele, matando-o acidentalmente. O chofer de táxi Jiggs Taylor (Tom Tully), pai de Morgan, é incriminado, pois fora procurar Paine no dia em que foi morto para tentar afastá-lo da filha. Dixon interessa-se por Morgan e faz tudo para incriminar Scalise. O filme retrata ao mesmo tempo uma cidade noturna e um homem da lei que se corrompeu. O pai de Dixon era um ladrão, e isto o tornou o que é: um policial perigoso que quer fazer justiça pelas próprias mãos.
É com um estilo visual calmo e preciso que Preminger descreve a passagem de seu herói para a ilegalidade, sua inquietude, seu trauma de infância (“Fiz tudo para ser diferente dele”) e sua visão dark do mundo (“Um passo em falso e você pode se meter em uma enrascada”).
Dixon torna-se um personagem noir típico, desorientado existencialmente e vítima das circunstâncias; porém o amor o encaminhará para a redenção.
Exteriores filmados em locação e a acurada fotografia em preto e branco de Joseph La Shelle criam uma atmosfera adequada ao drama e os momentos de suspense (v. g. quando Dixon deixa o local do crime disfarçado de Paine e depois carrega seu corpo até o carro; a cena em que o tenente Thomas (Karl Malden) manda-o fingir que é Paine, reconstituindo sua saída do apartamento do morto) são muito bem construídos.

ALMA EM PÂNICO / ANGEL FACE (RKO, 1953).

O chofer de ambulância, Frank Jessup (Robert Mitchum) salva uma senhora rica, Mrs. Tremayne (Barbara O’Neil), de morrer asfixiada por gás e é contratado como motorista particular da família. Frank apaixona-se por Diane (Jean Simmons), a enteada de Mrs. Tremayne, que odeia a madrasta. A jovem planeja um acidente, ocasionando a morte da madrasta e também de seu pai (Herbert Marshall), que estava no carro sem que ela soubesse. Frank prepara-se para deixar Diane, porém ocorre um desenlace trágico.
No essencial, o relato de assemelha com o de Trágico Destino / Where Danger Lives (RKO, 1950) de John Farrow, no qual Mitchum é um médico, envolvido com uma mulher mentalmente perturbada e homicida.
A personagem central tem traços que a relacionam com o arquétipo da mulher fatal. Ela manipula, e eventualmente mata, para obter o que deseja; porém o que motiva seu comportamento não é a ambição pelo dinheiro, mas uma obsessiva fixação pelo pai e o ódio patológico da madrasta. Nem necessita do homem, como em O Destino Bate à Porta / The Postman Always Rings Twice / 1946 ou Pacto de Sangue / Double Indemnity / 1944, para ajudá-la a cometer o crime.
A cena final é uma das mais chocantes do cinema, não só pela maneira horrível como os personagens morrem, como também pela sua absoluta imprevisibilidade. Diane se oferece para levar Frank até o ponto de ônibus, pensado que vai conseguir convencê-lo a ficar. De repente, põe a mudança do carro em marcha a ré, fazendo-o recuar para um penhasco, matando Frank e a si própria.

 

 

Cada um dos grandes estúdios mantinha um departamento de música que incluia uma equipe permanente de compositores, arranjadores, orquestradores, orquestra e coro, maestros, coreógrafos, e preparadores vocais.
Para fazer um musical era necessário aproximadamente o dobro do trabalho requerido por um filme dramático ou de comédia pura, necessitando semanas de ensaio e muitas reuniões para planejar os números de música e dança, decidir sobre os cenários, coordenar os figurinos, e determinar os orçamentos para cada sequência.

Os musicais da tela chegaram com o som. Al Jolson cantou mais do que falou em O Cantor de Jazz / The Jazz Singer / 1927, o talkie revolucionário da Warner Bros. Porém a era dos filmes musicais criativos realmente começou na Warner em 1933 com Rua 42 / 42nd Street, um marco cinematográfico criado pelo gênio do ex-diretor de dança da Broadway Busby Berkeley.

Ele descobriu por instinto que a câmera tinha de dançar mais que os próprios dançarinos e, com extraordinária imaginação e notável senso visual, elaborou um estilo inconfundível. Busby acompanhava os bailarinos em travelings velozes até chegar às tomadas de ângulo superior sobre os motivos geométricos de suas evoluções, que se compunham e se demanchavam como num caleidoscópio. E usando também, com muita audácia, cenários gigantescos, luxo, sensualidade e estilização, forjou beleza e fantasia inimitáveis, constituindo-se um dos mais peculiares contribuidores da arte cinematográfica.

Como Busby era um perfeccionista, seus filmes eram dispendiosos, envolvendo frequentemente cem coristas no palco ao mesmo tempo. Seus filmes lançaram uma nova moda nos musicais da tela. Depois de Rua 42 vieram Cavadoras de Ouro / Gold Diggers of 1933, Belezas em Revista / Footlight Parade (também de 1933), e Mulheres e Música / Dames / 1934, todos com músicas de Harry Warren e Al Dubin.
A reputação de ambos foi firmada em 1935 quando “Lullaby of Broadway”, um número com música de Warren e letra de Dubin – cantada por Wini Shaw e Dick Powell e dançada por Ramon e Rosita em Mordedores de1935 / Gold Diggers ot 1935 – filme que elevou o Diretor de Dança Busby à condição de Diretor – ganhou o Oscar de Melhor Canção.

Após o sucesso da Warner Bros. com Rua 42, a RKO rapidamente entrou em campo, criando uma sensação ao emparelhar os dançarinos Fred Astaire e Ginger Rogers em Voando para o Rio / Flying Down to Rio / 1933. A popularidade do filme não somente resgatou o estúdio que atravessava dificuldades financeiras, mas também consagrou Rogers e Astaire como talvez a dupla de dançarinos mais extraordinária na história de Hollywood.

 

A Universal encontrou a solução para a sua solvência financeira em Deanna Durbin, uma cantora adolescente com treinamento clássico, que o produtor Joseph Pasternak apresentou em uma série de musicais populares, começando com Três Pequenas do Barulho / Three Smart Girls / 1936. Charles Previn, o tio de André Previn, chefiava o departamento musical da Universal durante o início do reinado de Durbin.

 

A Metro-Goldwyn-Mayer produziu os musicais mais opulentos e inovadores. Na década de quarenta três grandes produtores na Metro se especializaram em musicais – Arthur Freed, Joseph Pasternak, e Jack Cummings. Arthur Freed, ele próprio um compositor talentoso, compôs “Singin’ in the Rain”, entre outras incontáveis canções, e produziu os musicais mais sofisticados de Hollywood. Freed havia crescido no mundo do vaudeville, entendia música, e conhecia as figuras de destaque no campo da música popular. Ele transformou Judy Garland, Gene Kelly, e Cyd Charisse em atores; trouxe June Allyson, Van Johnson, Nancy Walker, e o coreógrafo Robert Alton da Broadway; deu ao diretor de arte Vicente Minnelli e ao coreógrafo Charles Walters a chance de dirigir; dotou sua equipe de brilhantismo – Lennie Hayton, Kay Thompson, Ralph Blane, Hugh Martin, John Green, e Roger Edens. Louis B. Mayer concedeu ao produtor autoridade total, de modo que a unidade Freed se tornou praticamente autônoma. Freed justificou a confiança de Mayer produzindo uma série de sucessos de bilheteria – Desfile de Páscoa / Easter Parade / 1948, Ciúme, Sinal de Amor / The Barkleys of Broadway / 1949, Sinfonia de Paris / An American in Paris / 1951.

 

Os filmes de Joe Pasternak tinham um charme antigo e uma doçura. Ele gostava da fábulas e contos de fadas e acreditava no que os trabalhadores do estúdio chamavam de “Pasternak Land”. No “País de Pasternak” havia regras, explicou o diretor George Sidney: “Nenhumas pessoas terríveis, e no final tudo acabava bem”. Pasternak preferia sopranos ingênuas capazes de cantar os clássicos familaires -Kathryn Grayson, Jane Powell, Ann Blyth – mas ainda assim gostou de José Iturbi tocando piano e da voz do poderosa e dramática do tenor Lauritz Melchior. Pasternak produziu os filmes de Mario Lanza inclusive o Grande Caruso / The Great Caruso / 1951.

 

Embora Jack Cummings gostasse de musicais e fosse musicalmente sensível, para conhecimento técnico ele contava com o seu produtor associado, Saul Chaplin, um músico versátil. O musical mais importante de Cummings foi Sete Noivas para Sete Irmãos / Seven Brides for Seven Brothers / 1957, que continha uma coreografia enérgica de Michael Kidd. Cummings também foi responsável por vários sucessos de Esther Williams, assim como tais releituras de êxitos da Broadway como O Amor Nasceu em Paris / Lovely to Look At / 1951 e Dá-me um Beijo / Kiss Me Kate / 1953.

Talentos notáveis foram reunidos no departament de música da Metro. Herbert Stothart, que com Rudolf Friml havia escrito a opereta Rose Marie, inicialmente era principal maestro do estúdio, posição assumida posteriormente por John Green, que chefiou o departamento de1949 a 1958, levando-o ao seu auge. Além disso, havia os arranjadores Connie Salinger e André Previn, o orquestrador Adolph Deutsch, a diretora de danças austríaca Albertina Rasch, o preparador vocal Arthur Rosenstein, a quebra-galho do departamento Lela Simone, e uma lomga lista de outros talentos que trabalhavam bem juntos. Em casos especiais coreógrafos de balé (entre eles Eugene Loring e David Lichine) eram contratados pelos produtores da Metro.
Se um ator ou atriz da MGM tivesse que dançar em um filme instrutores estariam no set de filmagem, para ensiná-los a polka, a mazurka, o que fosse necessário. A Metro mantinha16 rapazes e16 moças sob contrato para conjuntos de danças, e os trajes para cada filme seriam feitos expressamente para eles.

O dançarino Gene Kelly foi responsável por muitos dos musicais mais inovadores da Metro. Grande parte da inovação de Kelly começou com Modelos / Cover Girl / 1944, um filme de Rita Hayworth que ele fez emprestado para a Columbia. O número mais notável em Modelos é “Alter Ego” no qual ele fala e dança com a sua própria imagem, um feito técnico realizado com a ajuda de seu assistente Stanley Donen e do diretor de fotografia Rudolph Maté.

De volta para a Metro, que era então o estúdio caseiro de Kelly, os produtores perceberam o que este dançarino talentoso podia fazer e lhe deram a liberdade de que necessitava. Em Marujos do Amor / Anchors Aweigh / 1945 ele dançou com Jerry, o ratinho do desenho animado da MGM, superando grandes problemas técnicos. Originalmente Kelly deveria dançar com Mickey Mouse, porém os planos tiveram que ser mudados quando Walt Disney se recusou a deixar Mickey aparecer num filme da MGM.

Um Dia em Nova York / On the Town / 1949 que Kelly co-dirigiu com Donen, abriu caminho ainda mais. Mais livre em forma e coreografado com uma explosão de energia, suas danças eram apresentadas em locais reais, conferido ao filme um aspecto realista. Sinfonia de Paris terminava com um balé de 17 minutos sob a música de George Gershwin, que custou ao estúdio meio milhão de dólares. Irene Sharaff desenhou aproximadamente 500 trajes só para aquela sequência.
Além dos compositores sob contrato, a Metro adquiriu os serviços dos melhores autores de canções e letristas da Broadway para criar material origial para seus filmes – Cole Porter, Irving Berlin, Harold Arlen, Ira Gershwin, Alan Jay Lerner, Frederick Loewe.
Embora a pequenina Columbia não pudesse competir com a Metro na maioria das áreas, ela disputou com uma oferta limitada de musicais, geralmente estrelados por Rita Hayworth. Dois filmes de Hayworth, Ao Compasso do Amor / You’ll Never Get Rich / 1941 e Bonita como Nunca / You Were Never Lovelier / 1942, uniu-a com Fred Astaire, que havia conhecido seu pai, Eduardo Cansino, no vaudeville.

A Twentieth Century-Fox também obteve sucesso com musicais – primeiro com Alice Faye e depois com Betty Grable. Faye era a melhor cantora das duas, estrelando em filmes como A Epopéia do Jazz / Alexander’s Ragtime Band / 1938, A Vida é uma Canção / Tin Pan Alley / 1940, Uma Noite no Rio / That Night In Rio / 1941, Aquilo, Sim, Era Vida / Hello Frisco, Hello / 1943 e Entre a Loura e a Morena / The Gang’s All Here/ 1943.

 

Grable era principalmente dançarina, conhecida por suas lindas pernas e entre seus filmes estavam Serenata Tropical / Down Argentine Way / 1940, Minha Secretária Brasileira / Springtime in the Rockies / 1942, Turbilhão / Coney Island / 1943, e Mulheres e Diamantes / Diamond Horseshoe / 1945, que contribuiram para que ela fosse selecionada como a ”pinup girl” numero um pelos militares durante a Segunda Guerra Mundial. Mais tarde Grable trabalhou ao lado de Dan Dailey em … E os Anos Passaram / Mother Wore Tights / 1947, Quando Sorri o Amor / When My Baby Smiles at Me / 1948, A Cegonha Demora-se / My Blue Heaven / 1950 e Minha Cara Metade / Call Me Mister / 1951.

Além de Betty Grable e Alice Faye, a Fox tinha June Haver, Vivian Blaine, e a “brazilian bombshell” Carmen Miranda sob contrato para musicais; Dick Haymes, Tony Martin, e Perry Como eram os equivalentes da Fox de Bing Crosby. Seymour Felix, um diretor de dança antiquado fez muita coreografia da 20thCentury-Fox, enquanto Alfred Newman, era chefe do departamento de música e Ken Darby o principal preparador vocal do estúdio.

A Warner Bros, voltou a produzir musicais durante os anos quarenta com uma sucessão de filmes de orçamento modesto apresentando Doris Day, Gordon MacRae, Gene Nelson, Patrice Wymore, e ocasionalmente Virginia Mayo e o veterano James Cagney. Doris Day foi apesentada com Romance em Alto-Mar / Romance on the High Seas / 1948 e alcançou popularidade em No, No Nanette / Tea for Two / 1950, Meus Braços te Esperam / On Moonlight Bay / 1951, e Ardida como Pimenta / Calamity Jane / 1953. Ex-vocalista de banda com treinamento de dança, Doris tinha um estilo de canto único e trabalhava bem com Ray Heindorf, chefe do departamento de música da Warner Bros. “Ele sabia quando eu queria respirar, quando eu queria parar ou diminuir o ritmo”, ela disse. A maior parte da coreografia na Warner Bros. naquela época era supervisionada por LeRoy Prinz que, tal como Busby Berkeley, era bom com ângulos de câmera.
A Republic, que fazia mais westerns, não tinha um departamento de música quando Gene Autry chegou em 1935. O cowboy cantor selecionava suas próprias canções. Quando Dale Evans apareceu no estúdio em 1943, para dividir o estrelato com Roy Rogers, a Republic havia adicionado uma divisão musical sob as ordens de Martin Scott.

 

Em meados da década de cinquenta a era dos musicais originais para o cinema estava chegando ao fim. Os custos de produção dispararam, e um público mais sofisticado estava cansado de espetáculos de canto e dança simplistas. O Mundo da Fantasia / There’s No Business Like Show Business / 1954 foi o último musical original da 20th Century-Fox até A Estrela / The Star ! /1968, um desastre notório.  Les Girls / Les Girls / 1957 e Gigi / Gigi / 1958 representaram os esforços gigantescos finais da Metro. O que restou foram principalmente adaptações para a tela de shows da Broadway v. g. Oklahoma! / Oklahoma! / 1955, Carrossel / Carousel / 1956, Vendedor de Ilusões / The Music Man / 1962, Minha Bela Dama / My Fair Lady / 1964, A Noviça Rebelde / The Sound of Music / 1965 , etc.

 

O filme histórico é um filme de ficção mostrando acontecimentos pretéritos ou ocorridos em um período histórico. Este gênero extenso divide território com o filme biográfico, drama de época e filme épico.

 

O filme biográfico (biographical film) é um filme que conta a história da vida de uma pessoa real, geralmente um monarca, líder político, ou artista. Execution of Mary Queen of Scots / 1895 que Alfred Clark fez por ordem de Thomas Edison, prefigura o gênero mas talvez o primeiro filme biográfico seja Jeanne d’Arc / 1900 de George Méliès. Na França, a Sociedade Lumière propôs pouco depois uma série de “Vues historiques”.

Filmes biográficos eram populares na Europa no início do século vinte, incluindo Elisabeth, Rainha da Inglaterra / Élisabeth, Reine d’Angleterre / 1912 de Henri Desfontaines e Louis

Mercanton, Danton / 1920 de Dimitri Buchowetski, Anna Boleyn / Anna Boleyn / 1920 de Ernst Lubitsch, Napoleão / Napoleon vu par Abel Gance / 1927 de Abel Gance e um pouco mais tarde Os Amores de Henrique VIII / The Private Life of Henry VIII / 1933 de Alexander Korda.
O filme biográfico foi um item essencial do cinema norte-americano, com cerca de trezentos filmes lançados entre 1927 e 1960. O trabalho do diretor William Dieterle em A História de Louis Pasteur / The Story of Louis Pasteur /1936, A Vida de Emile Zola / The Life of Emile Zola / 1937 e Juarez / Juarez / 1939 é particularmente digno de nota. Entre os outros filmes biográficos sobressaem, por exemplo, Rainha Christina / Queen Christina / 1933 de Rouben Mamoulian, A Imperatriz Vermelha / The Scarlet Empress / 1934 de Josef von Sternberg.

O drama de época (costume drama) ou filme de época (period film) é um filme ambientado no passado no qual o vestuário é fundamental para a recriação de um contexto histórico particular. O termo filme de época é talvez mais preciso, pois o gênero depende do conjunto de detalhes associados com um determinado período histórico, incluíndo mas não limitado ao traje.
Muitos filmes de época são adaptações de obras e peças de teatro canônicas. Jane Austen, Charlotte Bronte, Fyodor Dostoievsky, Henrik Ibsen, Victor Hugo, Henry James, e Charles Dickens estão entre os muitos autores cujas obras têm sido repetidamente adaptadas para o cinema. O gênero também encaixa com o filme histórico e o filme biográfico. Exemplos de filme de época são verbi gratia aqueles produzidos pelo Gainsborough Studio da Inglaterra nos anos 40 entre eles, Malvada / The Wicked Lady de Leslie Arliss / 1945 e Madona das Sete Luas / Madonna of the Seven Moons /1945 de Arthur Crabtree.

O filme épico é um retrato cinematográfico de eventos de larga escala (geralmente
mapeando eventos heróicos tais como uma guerra, uma jornada, uma viagem de exploração, um conflito social, etc.) e caracterizado por uma encenação espetacular e extravagante, bem como pelo uso de tecnologias cinematográficas como tela larga, 3-D, e CGI (imagens geradas por computador).

O cinema primitivo na Itália tinha forte tradição épica: por exemplo, Os Últimos Dias de Pompéia / Gli ultimi giorni di Pompei / 1908 de Arturo Ambrosio, Quo Vadis / Quo Vadis / 1912 de Enrico Guazzoni e Cabiria / Cabiria / 1914 de Giovanni Pastrone, este último um afresco monumental ambientado na Terceira Guerra Púnica e a destruição de Cartago pelos Romanos.
Filmes como O Nascimento de uma Nação / Birth of a Nation / 1915 de David Wark Griffith e Os Dez Mandamentos / The Ten Commandments / 1923 de Cecil B. DeMiIlle são pontos de origem para uma forte tradição épica nos Estados Unidos. O Nascimento de uma Nação – tão reacionário nos seus preconceitos sulistas quanto revolucionário na sua forma cinematográfica – evoca os vastos campos de batalha da Guerra de Secessão. Em Os Dez Mandamentos DeMille alterna cenas de amor e corridas de bigas, cenas de guerra e soltura de leões, cenas de orgia e mensagens edificantes.

Na França, Napoleon / Napoleon / 1927 de Abel Gance foi um precursor das primeiras inovações tecnológica da tela grande e na URSS um punhado de diretores ganhou reputação internacional com seus filmes épicos revolucionários: Sergei Eisenstein (Outubro / Oktyabr’ / 1928), Vsevolod Pudovkin (O Fim de São Petersburgo / Konets Sankt-Petersburga / 1927), Aleksandr Dovshenko (A Montanha do Tesouro / Zvenigora / 1928), Esfir Shub (A Queda da Dinastia Romanov / Padenie dinasti Romanovykh / 1927). No cinema sonoro o francês Jean Renoir brindou o público de cinema com A Marselhesa / La Marseillaise / 1938 e o russo Eisenstein ofereceu desta vez às telas Ivan, o Terrível / Ivan Groznyy / 1944.

Os anos cinquenta e início dos anos sessenta são amplamente considerados como o auge do filme épico, com filmes cheios de astros como Quo Vadis / Quo Vadis / 1951 de Mervyn Le Roy, O Manto Sagrado / The Robe / 1953 de Henry Koster, Os Dez Mandamentos / The Ten Commandments / 1956 de Cecil B. DeMille, Ben-Hur / Ben-Hur / 1959 de William Wyler e Spartacus / Spartacus / 1960 de Stanley Kubrick, etc. atraindo grandes públicos em todo o mundo. Estes filmes usaram os formatos de tela larga como o Cinerama e o CinemaScope para ampliar a escala dos acontecimentos descritos e ajudar Hollywood a competir com a popularidade crescente da televisão.

Filmes históricos, frequentemente retratando eventos cruciais em cenários do mundo antigo são particularmente comuns, embora outros gêneros tais como filme de fantasia, ficção científica, filme de guerra e western sejam tratados regularmente no modo épico.
O filme histórico é o maior e mais duradouro dos gêneros. De fato, um dos maiores sucessos comerciais de todos os tempos, … E O Vento Levou / Gone With the Wind / 1939 de Victor Fleming é um filme histórico passado durante a Guerra Civil Americana.

O gênero continuou a prosperar em Hollywood durante os anos cinquenta, o auge do épico em tela larga e technicolor. Nesta década foram feitos, por exemplo, O Egípcio / The Egyptian / 1954 de Michael Curtiz, Terra dos Faraós / Land of the Pharaohs / 1955 de Howard Hawks, Os Vikings, os Conquistadores / The Vikings / 1958 de Richard Fleischer. Em 1960 surgiu Exodus / Exodus de Otto Preminger. Em 1961 despontou El Cid / El Cid de Anthony Mann. Em 1962, apareceu Lawrence da Arábia / Lawrence of Arabia de David Lean. Em 1963 foi o épico Cleópatra / Cleopatra de Joseph L. Mankiewicz / Rouben Mamoulian a grande atração em termos de superespetáculo.

Filmes históricos também permaneceram como produto principal em um grande número de cinemas nacionais; no Japão o chambara, ou filme de samurai, fazia parte de uma tradição do filme histórico do Leste Asiático.

 

No Brasil podemos citar alguns filmes históricos como, por exemplo, O Descobrimento do Brasil / 1927 de Humberto Mauro, Inconfidência Mineira / 1948 de Carmen Santos, O Cangaceiro / 1953 de Lima Barreto (apesar do personagem fictício por retratar um período real do Brasil), Sinhá Moça / 1953 de Tom Paine, Fernão Dias / 1957 de Alfredo Roberto Alves e outros realizados mais adiante como Ganga Zumba / 1964 de Carlos Diegues, Independência ou Morte / 1972 de Carlos Coimbra, Xica da Silva / 1976 de Carlos Diegues, Anchieta, José do Brasil / 1979 de Paulo Cesar Saraceni, Guerra dos Canudos / 1997, Mauá, O Imperador e o Rei / 1998 de Sergio Rezende, etc.

O desenvolvimento do CGI – e especialmente sua capacidade de reproduzir paisagens e cenas urbanas bem como grandes elencos – tornou a recriação do passado no cinema mais acessível, levando a um aumento na produção de filmes históricos.
Renascido desde o final dos anos noventa com filmes como A Lista de Schindler / Schindle’s List / 1993 de Steven Spielberg, Coração Valente / Brave Heart / 1995 de Mel Gibson, Titanic / Titanic / 1997 de James Cameron e consolidado através do desenvolvimento da tecnologia CGI que tornou a recriação do passado no cinema mais acessível, o filme épico permanece como um gênero de Hollywood significativo com filmes como Gladiador / Gladiator / 2000 de Ridley Scott e a trilogia O Senhor dos Anéis / The Lord of the Rings / 2001-2003 de Peter Jackson.

 

Nos primeiros anos do cinema falado partituras para filmes dramáticos não inspiravam muito respeito, pelo menos não fora de um círculo limitado.

Max Steiner havia demonstrado o impacto que um compositor dramático conseguiria fazer em um filme com sua partitura para King Kong / King Kong / 1933 da RKO, mas a importância da música na criação de atmosfera e intensificando a ação na tela demorou a ser reconhecida.
Compositores de filme astutos aceitaram o fato de que a função deles era enfatizar o que o olho vê e que a música tinha que servir ao drama constantemente influenciando o público subliminarmente. Eles sabiam que precisavam compor músicas impactantes sem se soprepor ao diálogo e até mesmo tinham que estar dispostos a optar pelo silêncio para proteger o diálogo.
Na maioria dos casos, as partituras dramáticas são escritas depois que um filme é finalizado, já que o compositor precisa conhecer a textura do filme a fundo. Durante o período de pós-produção, o compositor trabalha em estreita colaboração com o produtor e o diretor, que frequentemente querem menos música ou música mais obviamente comercial do que a que o compositor faz.
Dos meados da década de trinta até o final da década de quarenta a Warner Bros. dedicou mais atenção às partituras dramáticas para seus filmes do que qualquer outro estúdio em Hollwood. Leo F. Forbstein, que chefiava o departamento de música da Warner antes de Ray Heindorf, era um excelente maestro e orquestrador. O estúdio tinha também sob contrato dois dos principais compositores na indústria – Max Steiner e Erich Wolfgang Korngold, ambos crianças prodígios e ambos de Viena.
Steiner, que havia estudado com Gustav Mahler e se tornou um maestro profissional aos dezesseis anos de idade, chegou em Hollywood via Broadway. Ele trabalhou primeiramente na RKO, depois na Warner Bros., permanecendo na Warner por quase trinta anos. Mais do que qualquer outro compositor, Steiner foi pioneiro no uso de trilhas sonoras originais para filmes. Ele compôs partituras para 18 filmes de Bette Davis. “Max compreendia mais sobre drama do que qualquer um de nós”, ela declarou anos depois. Já que Mayer queria volume nos filmes dele, ele insistia para que Steiner colocasse o máximo de instrumentos de metal em cada partitura. Mas para …E O Vento Levou / Gone With he Wind / 1939, no qual trabalhou durante um período de empréstimo para David Selznick, Steiner conseguiu obter um som mais exuberante; esta partitura tornou-se a sua obra-prima.

Erich Wolfgang Korngold já era um compositor consagrado na Europa antes de ir para a Warner Bros. em 1935; ele permaneceu um classicista. O primeiro compositor de renome internacional a assinar um contrato com um estúdio. Korngold trabalhou na Warner por doze anos, tornando-se o compositor mais bem pago de sua época. Ele produziu dezoito partituras, mas ganhou o Oscar por Adversidade / Anthony Adverse / 1936 e As Aventuras de Robin Hood / The Adventures of Robin Hood / 1938.

Alfred Newman, chefe do departamento de música na 20thCentury-Fox de 1940 até 1961, provou ser não somente um excelente administrador e um maestro excepcional, mas também um dos compositores mais prolíficos em Hollywood, conquistando nove Prêmios da Academia. Ele foi também o criador da famosa fanfarra da 20thCentury-Fox. Como Zanuck confiava nele implicitamente, Newman tinha uma autoridade na Fox que poucos músicos desfrutavam bem como um enorme orçamento anual. Entre suas próprias partituras estavam as de Como Era Verde o Meu Vale / How Green Was My Valley / 1941, A Canção de Bernadette / The Song of Bernadette / 1943, Capitão de Castela / Captain from Castile / 1947 e A Malvada / All About Eve / 1950, embora muitas vezes fosse assistido por outros membros do departamento. “Algumas vezes os cronogramas estavam tão apertados que um grupo de nós trabalhou em um filme” disse o compositor da 20thCentury-Fox David Raksin.”Nós tinhamos que compor partituras que levariam dois meses em três semanas, algumas vezes menos”. A grande chance de Raksin apareceu com o filme Laura / Laura / 1944, um grande sucesso; seu tema musical tornou-se uma canção popular.

No início da década de cinquenta a MGM tinha sete ou oito compositores dramáticos sob contrato, além de quatro ou cinco orquestradores e dez ou mais copistas e assistentes. Miklos Rozsa, um dos gigantes da música de filme, especializou-se na Metro em partituras “épicas”: Quo Vadis / Quo Vadis / 1951, Ivanhoé, o Vingador do Rei / Ivanhoe / 1952, Julio César / Julius Caesar / 1953, Os Cavaleiros da Távola Redonda / Knights of the Round Table / 1953.
Bronislau Kaper, que havia chegado a Metro mais cedo da Alemanha, permaneceu no estúdio por trinta anos, compondo partituras para Fogo Sagrado / Keeper of the Flame / 1942, À Meia Luz / Gaslight / 1944, A Rua do Delfim Verde / Green Dolphin Street / 1957 e O Cisne / The Swan / 1956. John Green, futuro chefe do departamento, também escreveu partituras dramáticas na MGM, como,, por exemplo, para Festa Brava / Fiesta / 1947 e A Árvore da Vida / Raintree County / 1957.

David Raksin, após seu sucesso na 20thCentury-Fox, foi para a Metro em 1949, mas ficou lá apenas três anos. Durante este tempo ele escreveu uma partitura para Assim Estava Escrito / The Bad and the Beautiful / 1952, porém com sua predileção pelo modernismo, Raksin considerou o ambiente da Metro pouco propício para a criatividade.

 

Dimitri Tiomkin, que ganhou reconhecimento na Columbia com sua partitura para Horizonte Perdido / Lost Horizon / 1937, antes de ir para outros lugares escrever música para Duelo ao Sol / Duel in the Sun / 1947, Matar ou Morrer / High Noon /1952, Um Fio de Esperança / The High and the Mighty / 1954 e Assim Caminha a Humanidade / Giant / 1956, não sentia nostalgia dos seus primeiros anos. Os salários eram inicialmente baixos para músicos e as condições de trabalho, piores.

Franz Waxman, que escreveu música para Rebecca, a Mulher Inesquecível / Rebecca / 1940, Agonia de 2Amor / The Paradine Case / 1948, Crepúsculo dos Deuses / Sunset Boulevard / 1950, e Um Lugar ao Sol / A Place in the Sun / 1951, era um verdadeiro mestre. Ele trabalhou para Selznick e Warner Bros., e depois fixou residência na Paramount ganhando dois Oscar lá.
Victor Young, que realizou a maior parte de seu trabalho na Paramount, escreveu, arranjou ou supervisionou aproximadamente 350 filmes. Sua música se distinguia pelo calor da melodia, evidente em Por Quem os Sinos Dobram / For Whom the Bell Tolls / 1943, Cigana Feiticeira / Golden Earrings / 1947, Sansão e Dalila / Samson and Delilah / 1949 e A Volta ao Mundo em 80 Dias / Around the World in 80 Day s / 1956. “Young escrevia música com o coração”, disse Bill Stinton, membro da equipe de divisão de música da Paramount.

Bernard Herrmann foi para Hollywood com Orson Welles a fim de escrever a partitura de Cidadão Kane / Citizen Kane / 1941, demonstrando imediatamente ser um perfecionista intransigente. Herrmann depois trabalhou extensivamente com Alfred Hitchcock, em filmes como Um Corpo que Cai / Vertigo / 1958, Intriga Internacional / North by Northwest / 1959 e Psicose / Psycho / 1960.

Alex North começou sua carreira em Hollywood escrevendo a partitura com influência do jazz para Uma Rua Chamada Pecado / A Streetcar Named Desire / 1951. Por vezes North tem sido apontado como responsável por trazer a música de cinema para o século vinte, embora essas afirmações sejam exageradas. George Antheil, Virgil Thompson, e Aaron Copland foram outros, entre os mais renomados compositores americanos, que também já haviam escrito música de cinema usando um idioma moderno.

Para a elaboração deste artigo consultei o magnífico livro de Ronald L. Davis The Glamour Factory Inside Hollywood’s Big Studio System. Southern Methodist University Press, Dallas, 1993

 

O Cinema sempre recorreu aos esportistas como, por exemplo, Johnny Weissmuller, campeão olímpico da natação que ficou famoso por interpretar Tarzan, personagem de ficção criado por Edgar Rice Burroughs e Buster Crabbe, outro atleta nadador olímpico que personificou na tela o Flash Gordon de Alex Raymond. No tempo do cinema mudo dois grandes boxeadores participaram de seriados: James J. Corbett e Jack Dempsey.

James John “Gentleman Jim” Corbett nasceu em San Francisco em 1 de setembro de 1866. Ganhou o apelido devido ao seu jeito elegante e refinado que o diferenciava dos boxeadores de sua época.
Enquanto trabalhava em um banco de San Francisco, ele ingressou no Olympic Club, onde se tornou um boxeador amador experiente. Corbett entrou no ringue profissional em 1886 e venceu diversas lutas menores. Em 5 de junho de 1889, numa luta de 28 rounds numa barcaça na Baía de San Francisco, ele derrotou o campeão de pesos pesados Joe Choynski. Um mês depois ele fez isso de novo. No ano seguinte venceu Jake Kilrain em Nova Orleans e Dominick McCaffrey no Brooklyn.
Em 21 de maio de 1891, Corbett lutou contra Peter Jackson até um empate em um combate que durou 61 rounds. Em uma luta realizada em Nova Orleans em 7 de setembro de 1892, a primeira disputa de título realizada sob as regras do Marquês de Queensberry, ele venceu John L. Sullivan de forma maravilhosa e decisiva em 24 rounds. Corbett defendeu com sucesso seu título contra Charles Mitchell (1893), Peter Courtney (1894) e outros concorrentes, mas em 17 de março de 1897, foi derrotado em Carson City, Nevada, quando Robert Fitzsimmons o nocauteou no décimo quarto round.

Num tentativa de recuperar o título, Corbett foi derrotado por James Jackson Jeffries em 23 rounds (11 de maio de 1900) e em 10 rounds (14 de agosto de 1903). Ele se aposentou e se voltou para o palco. Após se apresentar em espetáculos de vaudeville e em peças teatrais, atuou em filmes e no rádio. Sua autobiografia, The Roar of the Crowd, foi publicada em 1925 e serviria de base para o fime O Ídolo do Público / Gentleman Jim / 1942, esplendidamente dirigido por Raoul Walsh e interpretado por Errol Flynn.

Corbett estrelou o seriado da Universal O Homem da Meia-Noite / The Midnight Man / 1919, com 18 episódios, tendo Kathleen O’Connor como parceira e dirigido por James W. Horne. Apesar de ter o campeão mundial de pesos pesados no papel principal, o seriado não foi nada espetacular. Era mais um melodrama do que um épico de ação, e Corbett um boxeur muito melhor do que ator. Corbett morreu em 1933 aos 65 anos de idade vitimado por um câncer no fígado.

Jack Dempsey, cujo verdadeiro nome era William Harrison Dempsey, nasceu em Manassa, Colorado, em 25 de junho de 1895. Ele venceu o campeonato de boxe de pesos pesados em 1919 derrotando Jess Willard. Depois defendeu o título contra Georges Carpentier em 1921; contra Tom Gibbons em 1923; e contra Luis Firpo em 1923. Perdeu o título para Gene Tunney em 1916 e um ano depois Tunney derrotou-o de novo. Dempsey perdeu uma decisão para King Levinsky em 1932.
Conhecido como “Manassa Mauler” (“O Demolidor de Manassa”) devido ao seu estilo de luta agressivo, conquistou fãs adicionais como astro de vários filmes.
Em1920, a Pathé capitalizou em cima de sua fama no boxe colocando-o como astro no seriado Vivo ou Morto / Daredevil Jack com 15 episódios, tendo Josie Sedgwick como parceira e dirigido por W.S. Van Dyke. O espetáculo foi anunciado como “A Serial with a Thousand Punches”(Um Seriado com Mil Socos) e Dempsey anunciado como “The Best Known Man in the World” (O Homem Mais Conhecido Mundo).

A Universal produziu a série de 10 episódios Fight and Win em 1924, dirigida por Erle C. Kenton, na qual Dempsey (como Tiger Jack O’Day) contracenou com Esther Ralston (como Holly Malloy). A história mostra Tiger Jack saindo da aposentadoria para recuperar o título de peso pesado. Mais tarde herda um orfanato. Ele ainda precisa lutar mais alguns conbates para angariar fundos para a instituição. E havia aqueles que desejam que ele perca suas lutas. Tiger Jack descobre que está apaixonado por Holly e ela por ele. Eles se casam e têm dois filhos que se juntam aos grupo de õrfãos do orfanato.

Além desta série e do seriado de 1920, Dempsey apareceu em outros filmes mudos (v. g. Loucuras de New York / Manhattan Madness / 1925) e sonoros (v. g. O Pugilista e a Favorita / The Prizefighter and the Lady / 1933 no qual o principal intérprete era outro boxeador, Max Baer); O Promotor de Encrencas / Off Limits / 1952, Réquiem para um Lutador / Requiem for a Hevyweight / 1962). Ele morreu em 1983 com a idade de 87 anos após vários anos de saúde debilitada.

Neste mesmo ano surgiu um telefilme baseado na vida do famoso pugilista intitulado Dempsey com Treat Williams como Dempsey e Sam Waterson como seu treinador Doc Kearns.

Os anos cinquenta foi uma década de evolução para Walt Disney. Ele continuou a fazer longas metragens de animação mas começou a realizar também filmes de ação ao vivo.Inicialmente Disney organizou filmagens com atores reais na Inglaterra, adaptando primeiramente para a tela o célebre romance de aventura de Robert Louis Stevenson, A Ilha do Tesouro / Treasure Island / 1950, com Bobby Driscoll como Jim Hawkins e Robert Newton como Long John Silver.

Este filme inicial, muito bom apesar de ter mudado o final do romance, foi seguido nos anos seguintes por três filmes de capa-e-espada: Robin Hood, o Justiceiro / The Story of Robin Hood / 1952, Entre a Espada e a Rosa / The Sword and the Rose / 1953 e O Grande Rebelde / Rob Roy, The Highland Rogue / 1954, todos protagonizados por Richard Todd, sobressaindo o segundo, uma boa filmagem do romance de Charles Major, When Knighthood Was in Flower, com Glynis Johns como Mary Tudor.

Em 1954, Disney produziu seu filme de ação ao vivo mais ambicioso e um dos melhores, baseado na obra de Jules Verne: 20.000 Léguas Submarinas / 20.000 Leagues Under the Sea, contando com um elenco de peso, no qual se incluiam Kirk Douglas (Ned Land), James Mason (Captain Nemo), Paul Lukas (Professor Aronnax) e Peter Lorre (Conseil) nos pápeis principais. Ironicamente, o homem escolhido para dirigir o filme foi Richard Fleischer, o filho de um ex-rival de Disney Max Fleischer.

O sucesso fenômenal de seu filme seguinte, Davy Crockett, o Rei da Fronteira / Davy Crockett, King of the Wild Frontier / 1955 – compilação de cinco episódios da minissérie exibida no programa de televisão Disneylândia com Fess Parker no papel do homem das montanhas, soldado e político norte-americano – surpreendeu todo mundo inclusive Walt Disney.

 

Seguiram-se filmes interessantes como O Indomável Vagabundo / The Littlest Outlaw / 1955, Têmpera de Bravos / The Great Locomotive Chase / 1956, Meu Melhor Companheiro / Old Yeller / 1957, Não Renego Meu Sangue / The Light In The Forest / 1958, A Lenda dos Anões Mágicos / Darby O’Gill And The Little People / 1959, Pollyana / Pollyana / 1960, A Citadela dos Robinson / Swiss Family Robinson / 1960, O Fantástico Super-Homem / The Absent Minded Professor / 1961 e o grande sucesso Mary Poppins / Mary Poppins / 1964, com Julie Andrews fazendo sua estréia no cinema. O grande orçamento (quase cinco milhões de dólares) deste musical com ação ao vivo e animação arrecadou cerca de quarenta milhões de dólares.

Nos filmes realizados nesta categoria de formato Disney revitalizou a carreira de Fred Mac Murray, e fez da jovem atriz inglesa Hayley Mills uma estrela americana enquanto atrás das câmeras um punhado de diretores (Robert Stevenson, James Neilson, Norman Tokar) pilotou praticamente todos os produtos da empresa. Apesar de ser fraco artisticamente, Felpudo, o Cão Feiticeiro / The Shaggy Dog / 1959, o primeiro filme de ação ao vivo de Disney estrelado por Fred MacMurray, arrecadou oito milhões de dólares no seu primeiro lançamento.

Pollyanna marcou a estréia no cinema americano de Hayley Mills, filha do ator britânico John Mills.
Ao todo foram 55 filmes – de comédia-fantasia, ação-aventura, filmes de animais – produzidos entre 1950 e 1967, tendo sido o último, Quando O Coração Não Envelhece / The Happiest Millionaire, iniciado em 1966 e lançado em 1967 após a morte de Walt.

Sem Walt, sua organização continuou produzindo, destacando-se Se meu Fusca Falasse / The Love Bug, comédia-fantasia no ritmo ligeiro da destruição e do espírito do pastelão que se tornou o maior êxito de bilheteria de 1969 e o segundo filme mais lucrativo da história da empresa depois de Mary Poppins. O espetáculo tinha aquele tipo de premissa da Disney que geralmente significava sucesso: um carro com vontade própria, que expressa emoções humanas. Neste caso, um fusca (chamado Herbie) que se sente atraído pelo piloto de corridas (Dean Jones) e seu mecânico (Buddy Hacckett) e repelido pelo rival deles (David Tomlison).

Eis a lista completa dos 55 filmes:
1950
A Ilha do Tesouro / Treasure Island
1952
Robin Hood, o Justiceiro / The Story of Robin Hood
1953
Entre a Espada e a Rosa / The Sword and the Rose
1954
O Grande Rebelde, Rob Roy, The Highland Rogue
20.000 Léguas Submarinas / 20.000 Leagues Under the Sea
1955
Davy Crockett, o Rei da Fronteira / Davy Crockett, King
of the Wild Frontier
O Indomável Vagabundo / The Littlest Outlaw
Têmpera de Bravos / The Great Locomotive Chase
1956
Davy Crockett Enfrenta os Corsários / Davy Crockett and the River Pirates
Odisséia do Oeste / Westward Ho The Wagons!
1957
Johnny Tremain
Meu Melhor Companheiro / Old Yeller
1958
Não Renego meu Sangue / The Light in the Forest
Tonka e o Bravo Comanche / Tonka
1959
Felpudo, o Cão Feitceiro / The Shagggy Dog
A Lenda dos Anões Mágicos / Darby O’Gil and the LittlePeople
O Terceiro Homem na Montanha / Third Man in the Mountain
1960
O Mundo Fabuloso do Circo / Toby Tyler, or Ten Weeks with a Circus
Espada de um Bravo / Kidnapped
Pollyana / Pollyana
Tem Who Dared
A Cidadela dos Robinson / Swiss Family Robinson
O Signo do Zorro / The Sign of Zorro
1961
O Fantástico Super-Homem / The Absent Minded Professsor
Operação Cupido / The Parent Trap
Meu Leal Companheiro / Greyfriars Bobby
Uma Aventura na Terra dos Brinquedos / Babes in Toyland
1962
O Incrível Homem do Espaço / Moon Pilot
Enfim Paris / Bon Voyage!
Astúcia de um Rebelde / Big Red
Viena dos Meus Sonhos / Almost Angels
A Montanha do Lobo Sanguinário / The Legend of Lobo
As Grandes Aventuras do Capitão Grant / In Search of the Castaways
1963
O Fabuloso Criador de Encencas / Son of Flubber
Ao Passar do Vendaval / Miracle of the White Stallions
Na Trilha dos Apaches / Savage Sam
Doce Verão dos Meus Sonhos / Summer Magic
A Incrível Jornada / The Incredible Journey
1964
The Misadventures of Merlin Jones
Um Tigre Caminha pela Noite / ATiger Walks
Um Grande Amor Nunca Morre / The Tree Lives of Thomasina
As Fiandeiras da Lua / The Moon-Spinners
Mary Poppins / Mary Poppins
Em Busca da Aventura / Emil and the Detectives
1965
Somente os Fracos se Rendem / Those Calloways
O Maravilhoso Homem que Voou / The Monkeys Uncle
O Diabólico Agente D. C. / That Darn Cat
1966
Um Amor de Companheiro / The Ugly Dachshund
Tenente Robinson Crusoe da Marinha / Lt.Robin Crusoe USN
O Valente Príncipe de Donegal / The Fighting Prince of Donegal
Nunca é Tarde para Amar / Follow Me, Boys!
1967
Este Mundo é umCirco / Monkeys, Go Home !
Califórnia, Terra do Ouro / The Adventures of Bullwhip Griffin
O Feiticeiro da Floresta Enantada / The Gnome-Mobile
Quando o Coração Não Envelhece / The Happiest Millionaire